Das avantgardistische Genre Collage steht für das Spiel mit artfremden Materialien und dem Bruch mit Konventionen. Die Persönlichkeiten ihrer Schöpfer widerspiegelnd lässt sie hybride Sprachen entstehen. Aus Liebe zu Dingen und ihren Geschichten kreieren sie Bilder zwischen Poesie, Provokation und Ironie. Samira Freitag, Maud Tutsche und Jürgen Tenz (1942-2021) thematisieren den weiblichen Körper und Erotik. ARATORA und Christiane Kowalewsky setzen sich mit Lust und Genuss auseinander.

Das avantgardistische Genre Collage steht für das Spiel mit artfremden Materialien und dem Bruch mit Konventionen. Die Persönlichkeiten ihrer Schöpfer widerspiegelnd lässt sie hybride Sprachen entstehen. Aus Liebe zu Dingen und ihren Geschichten kreieren sie Bilder zwischen Poesie, Provokation und Ironie. Samira Freitag, Maud Tutsche und Jürgen Tenz (1942-2021) thematisieren den weiblichen Körper und Erotik. ARATORA und Christiane Kowalewsky setzen sich mit Lust und Genuss auseinander.

Das avantgardistische Genre Collage steht für das Spiel mit artfremden Materialien und dem Bruch mit Konventionen. Die Persönlichkeiten ihrer Schöpfer widerspiegelnd lässt sie hybride Sprachen entstehen. Aus Liebe zu Dingen und ihren Geschichten kreieren sie Bilder zwischen Poesie, Provokation und Ironie. Samira Freitag, Maud Tutsche und Jürgen Tenz (1942-2021) thematisieren den weiblichen Körper und Erotik. ARATORA und Christiane Kowalewsky setzen sich mit Lust und Genuss auseinander.

Das avantgardistische Genre Collage steht für das Spiel mit artfremden Materialien und dem Bruch mit Konventionen. Die Persönlichkeiten ihrer Schöpfer widerspiegelnd lässt sie hybride Sprachen entstehen. Aus Liebe zu Dingen und ihren Geschichten kreieren sie Bilder zwischen Poesie, Provokation und Ironie. Samira Freitag, Maud Tutsche und Jürgen Tenz (1942-2021) thematisieren den weiblichen Körper und Erotik. ARATORA und Christiane Kowalewsky setzen sich mit Lust und Genuss auseinander.

Das avantgardistische Genre Collage steht für das Spiel mit artfremden Materialien und dem Bruch mit Konventionen. Die Persönlichkeiten ihrer Schöpfer widerspiegelnd lässt sie hybride Sprachen entstehen. Aus Liebe zu Dingen und ihren Geschichten kreieren sie Bilder zwischen Poesie, Provokation und Ironie. Samira Freitag, Maud Tutsche und Jürgen Tenz (1942-2021) thematisieren den weiblichen Körper und Erotik. ARATORA und Christiane Kowalewsky setzen sich mit Lust und Genuss auseinander.

Eine Begegnung zweier enger Freunde, deren Lebenswege sich vor 47 Jahren das erste Mal in der Kunsthochschule Weißensee kreuzten, sich dann über die Umbrüche der Berliner Wendezeit hinweg in verschiedene Richtungen verstreuten und 2016 wieder zusammenfanden: wie die Macht äußerer Verhältnisse ihre Leben prägte, so berühren sich die Skulpturen Michael Jastrams und die in der nordamerikanischen Wüste entstehenden Photos von Michael Dressel in einem Thema: dem Bewusstsein über das Wesen der Zeit.

Eine Begegnung zweier enger Freunde, deren Lebenswege sich vor 47 Jahren das erste Mal in der Kunsthochschule Weißensee kreuzten, sich dann über die Umbrüche der Berliner Wendezeit hinweg in verschiedene Richtungen verstreuten und 2016 wieder zusammenfanden: wie die Macht äußerer Verhältnisse ihre Leben prägte, so berühren sich die Skulpturen Michael Jastrams und die in der nordamerikanischen Wüste entstehenden Photos von Michael Dressel in einem Thema: dem Bewusstsein über das Wesen der Zeit.

Eine Begegnung zweier enger Freunde, deren Lebenswege sich vor 47 Jahren das erste Mal in der Kunsthochschule Weißensee kreuzten, sich dann über die Umbrüche der Berliner Wendezeit hinweg in verschiedene Richtungen verstreuten und 2016 wieder zusammenfanden: wie die Macht äußerer Verhältnisse ihre Leben prägte, so berühren sich die Skulpturen Michael Jastrams und die in der nordamerikanischen Wüste entstehenden Photos von Michael Dressel in einem Thema: dem Bewusstsein über das Wesen der Zeit.

Eine Begegnung zweier enger Freunde, deren Lebenswege sich vor 47 Jahren das erste Mal in der Kunsthochschule Weißensee kreuzten, sich dann über die Umbrüche der Berliner Wendezeit hinweg in verschiedene Richtungen verstreuten und 2016 wieder zusammenfanden: wie die Macht äußerer Verhältnisse ihre Leben prägte, so berühren sich die Skulpturen Michael Jastrams und die in der nordamerikanischen Wüste entstehenden Photos von Michael Dressel in einem Thema: dem Bewusstsein über das Wesen der Zeit.

Eine Begegnung zweier enger Freunde, deren Lebenswege sich vor 47 Jahren das erste Mal in der Kunsthochschule Weißensee kreuzten, sich dann über die Umbrüche der Berliner Wendezeit hinweg in verschiedene Richtungen verstreuten und 2016 wieder zusammenfanden: wie die Macht äußerer Verhältnisse ihre Leben prägte, so berühren sich die Skulpturen Michael Jastrams und die in der nordamerikanischen Wüste entstehenden Photos von Michael Dressel in einem Thema: dem Bewusstsein über das Wesen der Zeit.

Unter dem Titel ÉCORCHÉ fasst Samira Freitag in einem multimedialen Gesamtkonzept ihre jahrelange Auseinandersetzung mit Fragen nach dem Körper, Identität, Rollenbildern und Transformation zusammen, denen sie sich inspiriert von antiker Mythologie und Symbolgeschichte in Inszenierungen des eigenen Körpers stellt. Ihr Ansatz ist mutig, offensiv, eine Hingabe an sich selbst als kreatives Medium. Écorché, lat. „Häutung“, heißt das leitende Motiv. 2025 geht es neu um Wasser als Element und Erlebnis.

Unter dem Titel ÉCORCHÉ fasst Samira Freitag in einem multimedialen Gesamtkonzept ihre jahrelange Auseinandersetzung mit Fragen nach dem Körper, Identität, Rollenbildern und Transformation zusammen, denen sie sich inspiriert von antiker Mythologie und Symbolgeschichte in Inszenierungen des eigenen Körpers stellt. Ihr Ansatz ist mutig, offensiv, eine Hingabe an sich selbst als kreatives Medium. Écorché, lat. „Häutung“, heißt das leitende Motiv. 2025 geht es neu um Wasser als Element und Erlebnis.

Unter dem Titel ÉCORCHÉ fasst Samira Freitag in einem multimedialen Gesamtkonzept ihre jahrelange Auseinandersetzung mit Fragen nach dem Körper, Identität, Rollenbildern und Transformation zusammen, denen sie sich inspiriert von antiker Mythologie und Symbolgeschichte in Inszenierungen des eigenen Körpers stellt. Ihr Ansatz ist mutig, offensiv, eine Hingabe an sich selbst als kreatives Medium. Écorché, lat. „Häutung“, heißt das leitende Motiv. 2025 geht es neu um Wasser als Element und Erlebnis.

Unter dem Titel ÉCORCHÉ fasst Samira Freitag in einem multimedialen Gesamtkonzept ihre jahrelange Auseinandersetzung mit Fragen nach dem Körper, Identität, Rollenbildern und Transformation zusammen, denen sie sich inspiriert von antiker Mythologie und Symbolgeschichte in Inszenierungen des eigenen Körpers stellt. Ihr Ansatz ist mutig, offensiv, eine Hingabe an sich selbst als kreatives Medium. Écorché, lat. „Häutung“, heißt das leitende Motiv. 2025 geht es neu um Wasser als Element und Erlebnis.

Unter dem Titel ÉCORCHÉ fasst Samira Freitag in einem multimedialen Gesamtkonzept ihre jahrelange Auseinandersetzung mit Fragen nach dem Körper, Identität, Rollenbildern und Transformation zusammen, denen sie sich inspiriert von antiker Mythologie und Symbolgeschichte in Inszenierungen des eigenen Körpers stellt. Ihr Ansatz ist mutig, offensiv, eine Hingabe an sich selbst als kreatives Medium. Écorché, lat. „Häutung“, heißt das leitende Motiv. 2025 geht es neu um Wasser als Element und Erlebnis.

Das Werk von Günter Schöllkopf birgt das Bild eines wissbegierigen, politischen, als Radierer begnadeten Künstlers mit brodelnder Phantasie. Als er mit 44 stirbt, hinterlässt er ca. 1000 Arbeiten zu Weltliteratur, Geschichte, Politik. Ihn interessierte nie die Bestätigung vorgegebener Interpretationen, schon gar nicht deren Illustration. Seine Bilder sind durch ein wucherndes System an Bezügen verbunden, kaleidoskophaft, das Denken von Plus und Minus, von Autoritäten und Ideologien befreiend.

Das Werk von Günter Schöllkopf birgt das Bild eines wissbegierigen, politischen, als Radierer begnadeten Künstlers mit brodelnder Phantasie. Als er mit 44 stirbt, hinterlässt er ca. 1000 Arbeiten zu Weltliteratur, Geschichte, Politik. Ihn interessierte nie die Bestätigung vorgegebener Interpretationen, schon gar nicht deren Illustration. Seine Bilder sind durch ein wucherndes System an Bezügen verbunden, kaleidoskophaft, das Denken von Plus und Minus, von Autoritäten und Ideologien befreiend.

Das Werk von Günter Schöllkopf birgt das Bild eines wissbegierigen, politischen, als Radierer begnadeten Künstlers mit brodelnder Phantasie. Als er mit 44 stirbt, hinterlässt er ca. 1000 Arbeiten zu Weltliteratur, Geschichte, Politik. Ihn interessierte nie die Bestätigung vorgegebener Interpretationen, schon gar nicht deren Illustration. Seine Bilder sind durch ein wucherndes System an Bezügen verbunden, kaleidoskophaft, das Denken von Plus und Minus, von Autoritäten und Ideologien befreiend.

Das Werk von Günter Schöllkopf birgt das Bild eines wissbegierigen, politischen, als Radierer begnadeten Künstlers mit brodelnder Phantasie. Als er mit 44 stirbt, hinterlässt er ca. 1000 Arbeiten zu Weltliteratur, Geschichte, Politik. Ihn interessierte nie die Bestätigung vorgegebener Interpretationen, schon gar nicht deren Illustration. Seine Bilder sind durch ein wucherndes System an Bezügen verbunden, kaleidoskophaft, das Denken von Plus und Minus, von Autoritäten und Ideologien befreiend.

Das Werk von Günter Schöllkopf birgt das Bild eines wissbegierigen, politischen, als Radierer begnadeten Künstlers mit brodelnder Phantasie. Als er mit 44 stirbt, hinterlässt er ca. 1000 Arbeiten zu Weltliteratur, Geschichte, Politik. Ihn interessierte nie die Bestätigung vorgegebener Interpretationen, schon gar nicht deren Illustration. Seine Bilder sind durch ein wucherndes System an Bezügen verbunden, kaleidoskophaft, das Denken von Plus und Minus, von Autoritäten und Ideologien befreiend.

Als Master of Arts in Wandmalerei (National Academy of Fine Arts Sofia) verfügt Pertchinska über ein meisterliches Können klassischer Maltechniken. In „Beasts“ interpretiert sie mythologische, symbolisch aufgeladene Kreaturen neu: als Verkörperungen verborgener Kräfte und innerer Dämonen. Die meisten Werke sind Diptychen, Doppelbilder. Zentrum ist der Mensch als Wesen, das sich stets in Wandlung befindet und zwischen Ratio und Gefühl, sozialen Normen und individuellen Wünschen balanciert.

Als Master of Arts in Wandmalerei (National Academy of Fine Arts Sofia) verfügt Pertchinska über ein meisterliches Können klassischer Maltechniken. In „Beasts“ interpretiert sie mythologische, symbolisch aufgeladene Kreaturen neu: als Verkörperungen verborgener Kräfte und innerer Dämonen. Die meisten Werke sind Diptychen, Doppelbilder. Zentrum ist der Mensch als Wesen, das sich stets in Wandlung befindet und zwischen Ratio und Gefühl, sozialen Normen und individuellen Wünschen balanciert.

Als Master of Arts in Wandmalerei (National Academy of Fine Arts Sofia) verfügt Pertchinska über ein meisterliches Können klassischer Maltechniken. In „Beasts“ interpretiert sie mythologische, symbolisch aufgeladene Kreaturen neu: als Verkörperungen verborgener Kräfte und innerer Dämonen. Die meisten Werke sind Diptychen, Doppelbilder. Zentrum ist der Mensch als Wesen, das sich stets in Wandlung befindet und zwischen Ratio und Gefühl, sozialen Normen und individuellen Wünschen balanciert.

Als Master of Arts in Wandmalerei (National Academy of Fine Arts Sofia) verfügt Pertchinska über ein meisterliches Können klassischer Maltechniken. In „Beasts“ interpretiert sie mythologische, symbolisch aufgeladene Kreaturen neu: als Verkörperungen verborgener Kräfte und innerer Dämonen. Die meisten Werke sind Diptychen, Doppelbilder. Zentrum ist der Mensch als Wesen, das sich stets in Wandlung befindet und zwischen Ratio und Gefühl, sozialen Normen und individuellen Wünschen balanciert.

Als Master of Arts in Wandmalerei (National Academy of Fine Arts Sofia) verfügt Pertchinska über ein meisterliches Können klassischer Maltechniken. In „Beasts“ interpretiert sie mythologische, symbolisch aufgeladene Kreaturen neu: als Verkörperungen verborgener Kräfte und innerer Dämonen. Die meisten Werke sind Diptychen, Doppelbilder. Zentrum ist der Mensch als Wesen, das sich stets in Wandlung befindet und zwischen Ratio und Gefühl, sozialen Normen und individuellen Wünschen balanciert.

Naidyonova ist Könnerin des Großformats mit Feingefühl für das der Linie innewohnenden emotionale Potential. Kraftvoll zeichnet sie die Gefühlsräume ihrer Figuren. Nach 2 Jahren Atelierarbeit zeigt die in Kiew geborene Künstlerin, seit 2014 in Berlin, erstmals die neuen Werke. Das titelgebende Bild „Doomscrolling“ - Begriff für den exzessiven sich psychisch auswirkenden Konsum negativer Social Media-Nachrichten - scheint eine zeitgenössische Narcissa zu zeigen. Die SocialMedia sind das Gesicht des überkomplexen, multiplen 21. Jahrhunderts. Naidyonova gelingt es "klassisch und doch zeitgenössisch, so wie Berlin selbst" zu sein. Ihr "Werk [ist] tief in der Kunstgeschichte verwurzelt […] und bietet Einblicke in das, was vor uns liegt.“ (Leo Kuelbs)

Naidyonova ist Könnerin des Großformats mit Feingefühl für das der Linie innewohnenden emotionale Potential. Kraftvoll zeichnet sie die Gefühlsräume ihrer Figuren. Nach 2 Jahren Atelierarbeit zeigt die in Kiew geborene Künstlerin, seit 2014 in Berlin, erstmals die neuen Werke. Das titelgebende Bild „Doomscrolling“ - Begriff für den exzessiven sich psychisch auswirkenden Konsum negativer Social Media-Nachrichten - scheint eine zeitgenössische Narcissa zu zeigen. Die SocialMedia sind das Gesicht des überkomplexen, multiplen 21. Jahrhunderts. Naidyonova gelingt es "klassisch und doch zeitgenössisch, so wie Berlin selbst" zu sein. Ihr "Werk [ist] tief in der Kunstgeschichte verwurzelt […] und bietet Einblicke in das, was vor uns liegt.“ (Leo Kuelbs)

Naidyonova ist Könnerin des Großformats mit Feingefühl für das der Linie innewohnenden emotionale Potential. Kraftvoll zeichnet sie die Gefühlsräume ihrer Figuren. Nach 2 Jahren Atelierarbeit zeigt die in Kiew geborene Künstlerin, seit 2014 in Berlin, erstmals die neuen Werke. Das titelgebende Bild „Doomscrolling“ - Begriff für den exzessiven sich psychisch auswirkenden Konsum negativer Social Media-Nachrichten - scheint eine zeitgenössische Narcissa zu zeigen. Die SocialMedia sind das Gesicht des überkomplexen, multiplen 21. Jahrhunderts. Naidyonova gelingt es "klassisch und doch zeitgenössisch, so wie Berlin selbst" zu sein. Ihr "Werk [ist] tief in der Kunstgeschichte verwurzelt […] und bietet Einblicke in das, was vor uns liegt.“ (Leo Kuelbs)

Naidyonova ist Könnerin des Großformats mit Feingefühl für das der Linie innewohnenden emotionale Potential. Kraftvoll zeichnet sie die Gefühlsräume ihrer Figuren. Nach 2 Jahren Atelierarbeit zeigt die in Kiew geborene Künstlerin, seit 2014 in Berlin, erstmals die neuen Werke. Das titelgebende Bild „Doomscrolling“ - Begriff für den exzessiven sich psychisch auswirkenden Konsum negativer Social Media-Nachrichten - scheint eine zeitgenössische Narcissa zu zeigen. Die SocialMedia sind das Gesicht des überkomplexen, multiplen 21. Jahrhunderts. Naidyonova gelingt es "klassisch und doch zeitgenössisch, so wie Berlin selbst" zu sein. Ihr "Werk [ist] tief in der Kunstgeschichte verwurzelt […] und bietet Einblicke in das, was vor uns liegt.“ (Leo Kuelbs)

Naidyonova ist Könnerin des Großformats mit Feingefühl für das der Linie innewohnenden emotionale Potential. Kraftvoll zeichnet sie die Gefühlsräume ihrer Figuren. Nach 2 Jahren Atelierarbeit zeigt die in Kiew geborene Künstlerin, seit 2014 in Berlin, erstmals die neuen Werke. Das titelgebende Bild „Doomscrolling“ - Begriff für den exzessiven sich psychisch auswirkenden Konsum negativer Social Media-Nachrichten - scheint eine zeitgenössische Narcissa zu zeigen. Die SocialMedia sind das Gesicht des überkomplexen, multiplen 21. Jahrhunderts. Naidyonova gelingt es "klassisch und doch zeitgenössisch, so wie Berlin selbst" zu sein. Ihr "Werk [ist] tief in der Kunstgeschichte verwurzelt […] und bietet Einblicke in das, was vor uns liegt.“ (Leo Kuelbs)

Im 100. Geburtstagsjahr von Bernhard Heisig (†2011) widmen wir seiner Frau Gudrun Brüne eine Soloshow. Unvorhergesehen verstarb die Malerin am 25. Januar, sodass die Ausstellung nun ihrem Gedenken gilt. Betrachtet werden zentrale Motive in ihrem Werk: Puppen als allegorische Portraits des Menschen; Masken als Dingsymbole für Täuschung und Schein. Diese Themen mögen das Gesicht dessen sein, worum es eigentlich geht: das Bewusstsein über das Leben, seinen fragilen Wert und den Sinn des Menschen.

Im 100. Geburtstagsjahr von Bernhard Heisig (†2011) widmen wir seiner Frau Gudrun Brüne eine Soloshow. Unvorhergesehen verstarb die Malerin am 25. Januar, sodass die Ausstellung nun ihrem Gedenken gilt. Betrachtet werden zentrale Motive in ihrem Werk: Puppen als allegorische Portraits des Menschen; Masken als Dingsymbole für Täuschung und Schein. Diese Themen mögen das Gesicht dessen sein, worum es eigentlich geht: das Bewusstsein über das Leben, seinen fragilen Wert und den Sinn des Menschen.

Im 100. Geburtstagsjahr von Bernhard Heisig (†2011) widmen wir seiner Frau Gudrun Brüne eine Soloshow. Unvorhergesehen verstarb die Malerin am 25. Januar, sodass die Ausstellung nun ihrem Gedenken gilt. Betrachtet werden zentrale Motive in ihrem Werk: Puppen als allegorische Portraits des Menschen; Masken als Dingsymbole für Täuschung und Schein. Diese Themen mögen das Gesicht dessen sein, worum es eigentlich geht: das Bewusstsein über das Leben, seinen fragilen Wert und den Sinn des Menschen.

Im 100. Geburtstagsjahr von Bernhard Heisig (†2011) widmen wir seiner Frau Gudrun Brüne eine Soloshow. Unvorhergesehen verstarb die Malerin am 25. Januar, sodass die Ausstellung nun ihrem Gedenken gilt. Betrachtet werden zentrale Motive in ihrem Werk: Puppen als allegorische Portraits des Menschen; Masken als Dingsymbole für Täuschung und Schein. Diese Themen mögen das Gesicht dessen sein, worum es eigentlich geht: das Bewusstsein über das Leben, seinen fragilen Wert und den Sinn des Menschen.

Im 100. Geburtstagsjahr von Bernhard Heisig (†2011) widmen wir seiner Frau Gudrun Brüne eine Soloshow. Unvorhergesehen verstarb die Malerin am 25. Januar, sodass die Ausstellung nun ihrem Gedenken gilt. Betrachtet werden zentrale Motive in ihrem Werk: Puppen als allegorische Portraits des Menschen; Masken als Dingsymbole für Täuschung und Schein. Diese Themen mögen das Gesicht dessen sein, worum es eigentlich geht: das Bewusstsein über das Leben, seinen fragilen Wert und den Sinn des Menschen.

Gezeigt werden 14 Künstler*innen aus dem regulären Programm, die von Bleistift, Aquatinta, Siebdruck, Collage und Radierung über Öl- und Acrylgemälde bis hin zu Photographie und Bronzeskulptur ein breites Spektrum an Techniken abbilden. Jede und jeder überzeugt mit handwerklicher Qualität und Originalität hinsichtlich der Themen und Fragen der künstlerischen Arbeit. Preisspanne: 210€-14.000€. Wer 2025 mit einem Kunsterwerb beginnen will, findet hier für den kleinen wie mittleren Geldbeutel etwas!

Gezeigt werden 14 Künstler*innen aus dem regulären Programm, die von Bleistift, Aquatinta, Siebdruck, Collage und Radierung über Öl- und Acrylgemälde bis hin zu Photographie und Bronzeskulptur ein breites Spektrum an Techniken abbilden. Jede und jeder überzeugt mit handwerklicher Qualität und Originalität hinsichtlich der Themen und Fragen der künstlerischen Arbeit. Preisspanne: 210€-14.000€. Wer 2025 mit einem Kunsterwerb beginnen will, findet hier für den kleinen wie mittleren Geldbeutel etwas!

Gezeigt werden 14 Künstler*innen aus dem regulären Programm, die von Bleistift, Aquatinta, Siebdruck, Collage und Radierung über Öl- und Acrylgemälde bis hin zu Photographie und Bronzeskulptur ein breites Spektrum an Techniken abbilden. Jede und jeder überzeugt mit handwerklicher Qualität und Originalität hinsichtlich der Themen und Fragen der künstlerischen Arbeit. Preisspanne: 210€-14.000€. Wer 2025 mit einem Kunsterwerb beginnen will, findet hier für den kleinen wie mittleren Geldbeutel etwas!

Gezeigt werden 14 Künstler*innen aus dem regulären Programm, die von Bleistift, Aquatinta, Siebdruck, Collage und Radierung über Öl- und Acrylgemälde bis hin zu Photographie und Bronzeskulptur ein breites Spektrum an Techniken abbilden. Jede und jeder überzeugt mit handwerklicher Qualität und Originalität hinsichtlich der Themen und Fragen der künstlerischen Arbeit. Preisspanne: 210€-14.000€. Wer 2025 mit einem Kunsterwerb beginnen will, findet hier für den kleinen wie mittleren Geldbeutel etwas!

Gezeigt werden 14 Künstler*innen aus dem regulären Programm, die von Bleistift, Aquatinta, Siebdruck, Collage und Radierung über Öl- und Acrylgemälde bis hin zu Photographie und Bronzeskulptur ein breites Spektrum an Techniken abbilden. Jede und jeder überzeugt mit handwerklicher Qualität und Originalität hinsichtlich der Themen und Fragen der künstlerischen Arbeit. Preisspanne: 210€-14.000€. Wer 2025 mit einem Kunsterwerb beginnen will, findet hier für den kleinen wie mittleren Geldbeutel etwas!

Die Landschaften von Roloff bestehen aus leuchtenden, teils pastellenen Farbfeldern und deren dramaturgischer Durchkreuzung mit Linien und Ebenen. Es geht um den Horizont, die Ansprache unseres Blickes durch die Ferne. Ein Spiel mit der Phantasie surrealer, fantastischer Einbildungskraft. Im Salon hängt die Serie „Evolution of Urbanity“, in der einzelne Bäume oder Baumgruppen auf Fotos von Berliner Straßen vom städtischen Hintergrund freigestellt sind - Baumportraits würdigen die urbane Natur.

Die Landschaften von Roloff bestehen aus leuchtenden, teils pastellenen Farbfeldern und deren dramaturgischer Durchkreuzung mit Linien und Ebenen. Es geht um den Horizont, die Ansprache unseres Blickes durch die Ferne. Ein Spiel mit der Phantasie surrealer, fantastischer Einbildungskraft. Im Salon hängt die Serie „Evolution of Urbanity“, in der einzelne Bäume oder Baumgruppen auf Fotos von Berliner Straßen vom städtischen Hintergrund freigestellt sind - Baumportraits würdigen die urbane Natur.

Die Landschaften von Roloff bestehen aus leuchtenden, teils pastellenen Farbfeldern und deren dramaturgischer Durchkreuzung mit Linien und Ebenen. Es geht um den Horizont, die Ansprache unseres Blickes durch die Ferne. Ein Spiel mit der Phantasie surrealer, fantastischer Einbildungskraft. Im Salon hängt die Serie „Evolution of Urbanity“, in der einzelne Bäume oder Baumgruppen auf Fotos von Berliner Straßen vom städtischen Hintergrund freigestellt sind - Baumportraits würdigen die urbane Natur.

Die Landschaften von Roloff bestehen aus leuchtenden, teils pastellenen Farbfeldern und deren dramaturgischer Durchkreuzung mit Linien und Ebenen. Es geht um den Horizont, die Ansprache unseres Blickes durch die Ferne. Ein Spiel mit der Phantasie surrealer, fantastischer Einbildungskraft. Im Salon hängt die Serie „Evolution of Urbanity“, in der einzelne Bäume oder Baumgruppen auf Fotos von Berliner Straßen vom städtischen Hintergrund freigestellt sind - Baumportraits würdigen die urbane Natur.

Die Landschaften von Roloff bestehen aus leuchtenden, teils pastellenen Farbfeldern und deren dramaturgischer Durchkreuzung mit Linien und Ebenen. Es geht um den Horizont, die Ansprache unseres Blickes durch die Ferne. Ein Spiel mit der Phantasie surrealer, fantastischer Einbildungskraft. Im Salon hängt die Serie „Evolution of Urbanity“, in der einzelne Bäume oder Baumgruppen auf Fotos von Berliner Straßen vom städtischen Hintergrund freigestellt sind - Baumportraits würdigen die urbane Natur.

Conor Walton ist einer der führenden zeitgenössischen Maler Irlands. In ihrem altmeisterlichen Realismus sind seine Bilder reich an allegorischer Phantasie und Bezügen zu mythologischen Motiven. In den "Bread & Butter Paintings“ spricht sich die Liebe des Malers zu den vermeintlich kleinen Dingen und ihrer Sinnlichkeit aus, in der Aufnahme von Plastik-Kinderspielzeug der 1990er Jahre in das Motivreservoire sein Humor.

Conor Walton ist einer der führenden zeitgenössischen Maler Irlands. In ihrem altmeisterlichen Realismus sind seine Bilder reich an allegorischer Phantasie und Bezügen zu mythologischen Motiven. In den "Bread & Butter Paintings“ spricht sich die Liebe des Malers zu den vermeintlich kleinen Dingen und ihrer Sinnlichkeit aus, in der Aufnahme von Plastik-Kinderspielzeug der 1990er Jahre in das Motivreservoire sein Humor.

Conor Walton ist einer der führenden zeitgenössischen Maler Irlands. In ihrem altmeisterlichen Realismus sind seine Bilder reich an allegorischer Phantasie und Bezügen zu mythologischen Motiven. In den "Bread & Butter Paintings“ spricht sich die Liebe des Malers zu den vermeintlich kleinen Dingen und ihrer Sinnlichkeit aus, in der Aufnahme von Plastik-Kinderspielzeug der 1990er Jahre in das Motivreservoire sein Humor.

Conor Walton ist einer der führenden zeitgenössischen Maler Irlands. In ihrem altmeisterlichen Realismus sind seine Bilder reich an allegorischer Phantasie und Bezügen zu mythologischen Motiven. In den "Bread & Butter Paintings“ spricht sich die Liebe des Malers zu den vermeintlich kleinen Dingen und ihrer Sinnlichkeit aus, in der Aufnahme von Plastik-Kinderspielzeug der 1990er Jahre in das Motivreservoire sein Humor.

Conor Walton ist einer der führenden zeitgenössischen Maler Irlands. In ihrem altmeisterlichen Realismus sind seine Bilder reich an allegorischer Phantasie und Bezügen zu mythologischen Motiven. In den "Bread & Butter Paintings“ spricht sich die Liebe des Malers zu den vermeintlich kleinen Dingen und ihrer Sinnlichkeit aus, in der Aufnahme von Plastik-Kinderspielzeug der 1990er Jahre in das Motivreservoire sein Humor.

Zeit, Raum, Erinnerung, die Genzen von Realität und Fiktion: zentrale Themen der Wiener Künstlerin Letizia Werth. Eine Inspiration sind Photos, gesammelt von Flohmärkten, alten Zeitschriften, Büchern. Die Wandlung dieser Bildfunde in Zeichnungen bedeute für sie einen Prozess des „Einverleibens und Verdauens von Gedanken". Zwischen Schwinden u. Auftauchen, Vergessen u. Erinnern beweisen die Shadow Flowers die Sensibilität der Malerin für die Poesie von Zeitlichkeit & einzige vergängliche Momente.

Zeit, Raum, Erinnerung, die Genzen von Realität und Fiktion: zentrale Themen der Wiener Künstlerin Letizia Werth. Eine Inspiration sind Photos, gesammelt von Flohmärkten, alten Zeitschriften, Büchern. Die Wandlung dieser Bildfunde in Zeichnungen bedeute für sie einen Prozess des „Einverleibens und Verdauens von Gedanken". Zwischen Schwinden u. Auftauchen, Vergessen u. Erinnern beweisen die Shadow Flowers die Sensibilität der Malerin für die Poesie von Zeitlichkeit & einzige vergängliche Momente.

Zeit, Raum, Erinnerung, die Genzen von Realität und Fiktion: zentrale Themen der Wiener Künstlerin Letizia Werth. Eine Inspiration sind Photos, gesammelt von Flohmärkten, alten Zeitschriften, Büchern. Die Wandlung dieser Bildfunde in Zeichnungen bedeute für sie einen Prozess des „Einverleibens und Verdauens von Gedanken". Zwischen Schwinden u. Auftauchen, Vergessen u. Erinnern beweisen die Shadow Flowers die Sensibilität der Malerin für die Poesie von Zeitlichkeit & einzige vergängliche Momente.

Zeit, Raum, Erinnerung, die Genzen von Realität und Fiktion: zentrale Themen der Wiener Künstlerin Letizia Werth. Eine Inspiration sind Photos, gesammelt von Flohmärkten, alten Zeitschriften, Büchern. Die Wandlung dieser Bildfunde in Zeichnungen bedeute für sie einen Prozess des „Einverleibens und Verdauens von Gedanken". Zwischen Schwinden u. Auftauchen, Vergessen u. Erinnern beweisen die Shadow Flowers die Sensibilität der Malerin für die Poesie von Zeitlichkeit & einzige vergängliche Momente.

Zeit, Raum, Erinnerung, die Genzen von Realität und Fiktion: zentrale Themen der Wiener Künstlerin Letizia Werth. Eine Inspiration sind Photos, gesammelt von Flohmärkten, alten Zeitschriften, Büchern. Die Wandlung dieser Bildfunde in Zeichnungen bedeute für sie einen Prozess des „Einverleibens und Verdauens von Gedanken". Zwischen Schwinden u. Auftauchen, Vergessen u. Erinnern beweisen die Shadow Flowers die Sensibilität der Malerin für die Poesie von Zeitlichkeit & einzige vergängliche Momente.

Zum Auftakt einer Ausstellungsreihe zum Thema Collage werden Arbeiten von Maud Tutsche, Jürgen Tenz († 2021) und ARATORA präsentiert. Die Ausstellung soll für das "Collagieren", also die Bedeutung des Suchens, Sammelns und Reorganisierens von Dingen in der Kunst sensibilisieren, dafür, wie Alltägliches, Beschädigtes, Weggeworfenes im künstlerischen Spiel Verwandlung und Umdeutung erfährt. Neben klassischer Collage sind Schrift-Bilder, Digitalcollagen, Assemblagen und Objekte zu sehen.

Zum Auftakt einer Ausstellungsreihe zum Thema Collage werden Arbeiten von Maud Tutsche, Jürgen Tenz († 2021) und ARATORA präsentiert. Die Ausstellung soll für das "Collagieren", also die Bedeutung des Suchens, Sammelns und Reorganisierens von Dingen in der Kunst sensibilisieren, dafür, wie Alltägliches, Beschädigtes, Weggeworfenes im künstlerischen Spiel Verwandlung und Umdeutung erfährt. Neben klassischer Collage sind Schrift-Bilder, Digitalcollagen, Assemblagen und Objekte zu sehen.

Zum Auftakt einer Ausstellungsreihe zum Thema Collage werden Arbeiten von Maud Tutsche, Jürgen Tenz († 2021) und ARATORA präsentiert. Die Ausstellung soll für das "Collagieren", also die Bedeutung des Suchens, Sammelns und Reorganisierens von Dingen in der Kunst sensibilisieren, dafür, wie Alltägliches, Beschädigtes, Weggeworfenes im künstlerischen Spiel Verwandlung und Umdeutung erfährt. Neben klassischer Collage sind Schrift-Bilder, Digitalcollagen, Assemblagen und Objekte zu sehen.

Zum Auftakt einer Ausstellungsreihe zum Thema Collage werden Arbeiten von Maud Tutsche, Jürgen Tenz († 2021) und ARATORA präsentiert. Die Ausstellung soll für das "Collagieren", also die Bedeutung des Suchens, Sammelns und Reorganisierens von Dingen in der Kunst sensibilisieren, dafür, wie Alltägliches, Beschädigtes, Weggeworfenes im künstlerischen Spiel Verwandlung und Umdeutung erfährt. Neben klassischer Collage sind Schrift-Bilder, Digitalcollagen, Assemblagen und Objekte zu sehen.

Zum Auftakt einer Ausstellungsreihe zum Thema Collage werden Arbeiten von Maud Tutsche, Jürgen Tenz († 2021) und ARATORA präsentiert. Die Ausstellung soll für das "Collagieren", also die Bedeutung des Suchens, Sammelns und Reorganisierens von Dingen in der Kunst sensibilisieren, dafür, wie Alltägliches, Beschädigtes, Weggeworfenes im künstlerischen Spiel Verwandlung und Umdeutung erfährt. Neben klassischer Collage sind Schrift-Bilder, Digitalcollagen, Assemblagen und Objekte zu sehen.

Danielle De Picciotto, ab Ende der 80er prägende Figur der Berliner Club- & Musikszene, erforscht in ihrem interdisziplinären Klang-Text-Bild Universum Regionen zwischen inneren und äußeren Rändern der kollektiven Psyche. Speziell in den Gemälden der letzten Jahre, in denen sich Tintenzeichnung und farbenprächtige surrealistische Malerei verbinden, zeigt sich die Faszination der Künstlerin für Zwischenwelten: tiefe Schichten und Geschichten im Stile Leonora Carringtons und des Pop Surrealismus.

Danielle De Picciotto, ab Ende der 80er prägende Figur der Berliner Club- & Musikszene, erforscht in ihrem interdisziplinären Klang-Text-Bild Universum Regionen zwischen inneren und äußeren Rändern der kollektiven Psyche. Speziell in den Gemälden der letzten Jahre, in denen sich Tintenzeichnung und farbenprächtige surrealistische Malerei verbinden, zeigt sich die Faszination der Künstlerin für Zwischenwelten: tiefe Schichten und Geschichten im Stile Leonora Carringtons und des Pop Surrealismus.

Danielle De Picciotto, ab Ende der 80er prägende Figur der Berliner Club- & Musikszene, erforscht in ihrem interdisziplinären Klang-Text-Bild Universum Regionen zwischen inneren und äußeren Rändern der kollektiven Psyche. Speziell in den Gemälden der letzten Jahre, in denen sich Tintenzeichnung und farbenprächtige surrealistische Malerei verbinden, zeigt sich die Faszination der Künstlerin für Zwischenwelten: tiefe Schichten und Geschichten im Stile Leonora Carringtons und des Pop Surrealismus.

Danielle De Picciotto, ab Ende der 80er prägende Figur der Berliner Club- & Musikszene, erforscht in ihrem interdisziplinären Klang-Text-Bild Universum Regionen zwischen inneren und äußeren Rändern der kollektiven Psyche. Speziell in den Gemälden der letzten Jahre, in denen sich Tintenzeichnung und farbenprächtige surrealistische Malerei verbinden, zeigt sich die Faszination der Künstlerin für Zwischenwelten: tiefe Schichten und Geschichten im Stile Leonora Carringtons und des Pop Surrealismus.

Danielle De Picciotto, ab Ende der 80er prägende Figur der Berliner Club- & Musikszene, erforscht in ihrem interdisziplinären Klang-Text-Bild Universum Regionen zwischen inneren und äußeren Rändern der kollektiven Psyche. Speziell in den Gemälden der letzten Jahre, in denen sich Tintenzeichnung und farbenprächtige surrealistische Malerei verbinden, zeigt sich die Faszination der Künstlerin für Zwischenwelten: tiefe Schichten und Geschichten im Stile Leonora Carringtons und des Pop Surrealismus.

Vielleicht hat nichts mehr das Leben Louis G.N. Busmans geprägt wie das Reisen: Europa, Süd-, Mittel- und Nordamerika, Ostasien, Nordafrika. Im Jahr seines 10. Todestages ist die Ausstellung den Landschaften des gebürtigen Niederländers und Malers aus Passion gewidmet. Die verschiedenen Gesichter seiner Bilder stehen für Fernweh, Abenteuer, Freiheit, zugleich aber für etwas zutiefst Innerliches, Ruhendes. Wie das Auge in eine Landschaft hinein wandere, so kehre es zurück, schreibt Louis Busman.

Vielleicht hat nichts mehr das Leben Louis G.N. Busmans geprägt wie das Reisen: Europa, Süd-, Mittel- und Nordamerika, Ostasien, Nordafrika. Im Jahr seines 10. Todestages ist die Ausstellung den Landschaften des gebürtigen Niederländers und Malers aus Passion gewidmet. Die verschiedenen Gesichter seiner Bilder stehen für Fernweh, Abenteuer, Freiheit, zugleich aber für etwas zutiefst Innerliches, Ruhendes. Wie das Auge in eine Landschaft hinein wandere, so kehre es zurück, schreibt Louis Busman.

Vielleicht hat nichts mehr das Leben Louis G.N. Busmans geprägt wie das Reisen: Europa, Süd-, Mittel- und Nordamerika, Ostasien, Nordafrika. Im Jahr seines 10. Todestages ist die Ausstellung den Landschaften des gebürtigen Niederländers und Malers aus Passion gewidmet. Die verschiedenen Gesichter seiner Bilder stehen für Fernweh, Abenteuer, Freiheit, zugleich aber für etwas zutiefst Innerliches, Ruhendes. Wie das Auge in eine Landschaft hinein wandere, so kehre es zurück, schreibt Louis Busman.

Vielleicht hat nichts mehr das Leben Louis G.N. Busmans geprägt wie das Reisen: Europa, Süd-, Mittel- und Nordamerika, Ostasien, Nordafrika. Im Jahr seines 10. Todestages ist die Ausstellung den Landschaften des gebürtigen Niederländers und Malers aus Passion gewidmet. Die verschiedenen Gesichter seiner Bilder stehen für Fernweh, Abenteuer, Freiheit, zugleich aber für etwas zutiefst Innerliches, Ruhendes. Wie das Auge in eine Landschaft hinein wandere, so kehre es zurück, schreibt Louis Busman.

Vielleicht hat nichts mehr das Leben Louis G.N. Busmans geprägt wie das Reisen: Europa, Süd-, Mittel- und Nordamerika, Ostasien, Nordafrika. Im Jahr seines 10. Todestages ist die Ausstellung den Landschaften des gebürtigen Niederländers und Malers aus Passion gewidmet. Die verschiedenen Gesichter seiner Bilder stehen für Fernweh, Abenteuer, Freiheit, zugleich aber für etwas zutiefst Innerliches, Ruhendes. Wie das Auge in eine Landschaft hinein wandere, so kehre es zurück, schreibt Louis Busman.

"Geblümte Nacht, buntgesticktes Dunkel,
gedeihend' Garten mit Phantasiefrüchten.
Nackt baden am ersten Tag
und beten am letzten.
Gehen, wenn das Glas voll ist,
dorthin, wo sich nur aus Quellen trinken lässt.
Puppenträume und Abendgrauen
Lippen wie einen Schmetterling küssen.
An jedem Morgen neu geboren werden."

MW, April 2023

"Geblümte Nacht, buntgesticktes Dunkel,
gedeihend' Garten mit Phantasiefrüchten.
Nackt baden am ersten Tag
und beten am letzten.
Gehen, wenn das Glas voll ist,
dorthin, wo sich nur aus Quellen trinken lässt.
Puppenträume und Abendgrauen
Lippen wie einen Schmetterling küssen.
An jedem Morgen neu geboren werden."

MW, April 2023

"Geblümte Nacht, buntgesticktes Dunkel,
gedeihend' Garten mit Phantasiefrüchten.
Nackt baden am ersten Tag
und beten am letzten.
Gehen, wenn das Glas voll ist,
dorthin, wo sich nur aus Quellen trinken lässt.
Puppenträume und Abendgrauen
Lippen wie einen Schmetterling küssen.
An jedem Morgen neu geboren werden."

MW, April 2023

Jastrams Skulpturen zeigen archaische Gefährte, Reiterinnen, Krieger, Göttinnen, einsame Treibende, erzählen vom Menschen als ewig Reisendem, seiner Ratio u. schöpferischen Fähigkeit. Technische Erfindungen lassen uns physische Grenzen überwinden - von Dingen träumen, die noch außer Sicht liegen: Leitern, Treppen, Radwagen, Boote. Diese Ideen sind so uralt wie sie in jedem Leben immer wieder neu entdeckt werden wollen. Darin liegt Schicksalshaftes. Der Mensch: Getriebener, Vertriebener.

Jastrams Skulpturen zeigen archaische Gefährte, Reiterinnen, Krieger, Göttinnen, einsame Treibende, erzählen vom Menschen als ewig Reisendem, seiner Ratio u. schöpferischen Fähigkeit. Technische Erfindungen lassen uns physische Grenzen überwinden - von Dingen träumen, die noch außer Sicht liegen: Leitern, Treppen, Radwagen, Boote. Diese Ideen sind so uralt wie sie in jedem Leben immer wieder neu entdeckt werden wollen. Darin liegt Schicksalshaftes. Der Mensch: Getriebener, Vertriebener.

Jastrams Skulpturen zeigen archaische Gefährte, Reiterinnen, Krieger, Göttinnen, einsame Treibende, erzählen vom Menschen als ewig Reisendem, seiner Ratio u. schöpferischen Fähigkeit. Technische Erfindungen lassen uns physische Grenzen überwinden - von Dingen träumen, die noch außer Sicht liegen: Leitern, Treppen, Radwagen, Boote. Diese Ideen sind so uralt wie sie in jedem Leben immer wieder neu entdeckt werden wollen. Darin liegt Schicksalshaftes. Der Mensch: Getriebener, Vertriebener.

Lore Kegel studierte 1919-1922 als eine der ersten Frauen an der Düsseldorfer Kunstakademie. Ab Mitte der 1920er in Hamburg lebend, macht sich die emanzipierte, abenteuerlustige Frau einen bleibenden Namen vor allem als Kunsthändlerin und Sammlerin außereuropäischer, insbes. afrikanischer Kunst mit einer unerschöpflichen Neugier für Reisen in fremde Kulturen, für deren Natur, Menschen und Handwerkskünste — eine Leidenschaft, die auch ihr Wirken als Malerin tief inspiriert hat.

Lore Kegel studierte 1919-1922 als eine der ersten Frauen an der Düsseldorfer Kunstakademie. Ab Mitte der 1920er in Hamburg lebend, macht sich die emanzipierte, abenteuerlustige Frau einen bleibenden Namen vor allem als Kunsthändlerin und Sammlerin außereuropäischer, insbes. afrikanischer Kunst mit einer unerschöpflichen Neugier für Reisen in fremde Kulturen, für deren Natur, Menschen und Handwerkskünste — eine Leidenschaft, die auch ihr Wirken als Malerin tief inspiriert hat.

Lore Kegel studierte 1919-1922 als eine der ersten Frauen an der Düsseldorfer Kunstakademie. Ab Mitte der 1920er in Hamburg lebend, macht sich die emanzipierte, abenteuerlustige Frau einen bleibenden Namen vor allem als Kunsthändlerin und Sammlerin außereuropäischer, insbes. afrikanischer Kunst mit einer unerschöpflichen Neugier für Reisen in fremde Kulturen, für deren Natur, Menschen und Handwerkskünste — eine Leidenschaft, die auch ihr Wirken als Malerin tief inspiriert hat.

Lore Kegel studierte 1919-1922 als eine der ersten Frauen an der Düsseldorfer Kunstakademie. Ab Mitte der 1920er in Hamburg lebend, macht sich die emanzipierte, abenteuerlustige Frau einen bleibenden Namen vor allem als Kunsthändlerin und Sammlerin außereuropäischer, insbes. afrikanischer Kunst mit einer unerschöpflichen Neugier für Reisen in fremde Kulturen, für deren Natur, Menschen und Handwerkskünste — eine Leidenschaft, die auch ihr Wirken als Malerin tief inspiriert hat.

Lore Kegel studierte 1919-1922 als eine der ersten Frauen an der Düsseldorfer Kunstakademie. Ab Mitte der 1920er in Hamburg lebend, macht sich die emanzipierte, abenteuerlustige Frau einen bleibenden Namen vor allem als Kunsthändlerin und Sammlerin außereuropäischer, insbes. afrikanischer Kunst mit einer unerschöpflichen Neugier für Reisen in fremde Kulturen, für deren Natur, Menschen und Handwerkskünste — eine Leidenschaft, die auch ihr Wirken als Malerin tief inspiriert hat.

1981 beim Versuch, die DDR auf eigene Faust zu verlassen, erwischt, kam Michael Dressel für 2 Jahre ins Zuchthaus - heute für ihn die wichtigsten Lehrjahre seines Lebens und eine hautnahe Begegnung mit grundlegenden Fragen zu Individuum und Gesellschaft. 1984 landete er in West-Berlin, kurz darauf in Los Angeles, wo er neben der Photographie als Sound Editor für Hollywood-Filmproduktionen arbeitet. Seine Photographien blicken in die Licht- und Schattenseiten von Los Angeles und Berlin.

1981 beim Versuch, die DDR auf eigene Faust zu verlassen, erwischt, kam Michael Dressel für 2 Jahre ins Zuchthaus - heute für ihn die wichtigsten Lehrjahre seines Lebens und eine hautnahe Begegnung mit grundlegenden Fragen zu Individuum und Gesellschaft. 1984 landete er in West-Berlin, kurz darauf in Los Angeles, wo er neben der Photographie als Sound Editor für Hollywood-Filmproduktionen arbeitet. Seine Photographien blicken in die Licht- und Schattenseiten von Los Angeles und Berlin.

1981 beim Versuch, die DDR auf eigene Faust zu verlassen, erwischt, kam Michael Dressel für 2 Jahre ins Zuchthaus - heute für ihn die wichtigsten Lehrjahre seines Lebens und eine hautnahe Begegnung mit grundlegenden Fragen zu Individuum und Gesellschaft. 1984 landete er in West-Berlin, kurz darauf in Los Angeles, wo er neben der Photographie als Sound Editor für Hollywood-Filmproduktionen arbeitet. Seine Photographien blicken in die Licht- und Schattenseiten von Los Angeles und Berlin.

Soil fasst Themen zusammen, die das Werk von Jackob-Marks prägen: Boden, Erde (Welt, Planet), Grund (Ursache). Im Zentrum der Ausstellung steht ein Leitgenre der Malerin, die Landschaft von den 80ern bis heute. Die Abwendung von der gegenständlichen Darstellung in aktuellen Arbeiten ist keine Hinwendung zur Abstraktion sondern eine fortschreitende Verschärfung ihrer unaufhörlichen Suche nach dem Wesen des Seins: Wo komme ich her? Wieso bin ich in der Welt? Was ist die Einheit des Kosmos?

Soil fasst Themen zusammen, die das Werk von Jackob-Marks prägen: Boden, Erde (Welt, Planet), Grund (Ursache). Im Zentrum der Ausstellung steht ein Leitgenre der Malerin, die Landschaft von den 80ern bis heute. Die Abwendung von der gegenständlichen Darstellung in aktuellen Arbeiten ist keine Hinwendung zur Abstraktion sondern eine fortschreitende Verschärfung ihrer unaufhörlichen Suche nach dem Wesen des Seins: Wo komme ich her? Wieso bin ich in der Welt? Was ist die Einheit des Kosmos?

Soil fasst Themen zusammen, die das Werk von Jackob-Marks prägen: Boden, Erde (Welt, Planet), Grund (Ursache). Im Zentrum der Ausstellung steht ein Leitgenre der Malerin, die Landschaft von den 80ern bis heute. Die Abwendung von der gegenständlichen Darstellung in aktuellen Arbeiten ist keine Hinwendung zur Abstraktion sondern eine fortschreitende Verschärfung ihrer unaufhörlichen Suche nach dem Wesen des Seins: Wo komme ich her? Wieso bin ich in der Welt? Was ist die Einheit des Kosmos?

Soil fasst Themen zusammen, die das Werk von Jackob-Marks prägen: Boden, Erde (Welt, Planet), Grund (Ursache). Im Zentrum der Ausstellung steht ein Leitgenre der Malerin, die Landschaft von den 80ern bis heute. Die Abwendung von der gegenständlichen Darstellung in aktuellen Arbeiten ist keine Hinwendung zur Abstraktion sondern eine fortschreitende Verschärfung ihrer unaufhörlichen Suche nach dem Wesen des Seins: Wo komme ich her? Wieso bin ich in der Welt? Was ist die Einheit des Kosmos?