Gruppenausstellung mit Feng Lu sowie weiteren Künstler:innen

Die Liebe zur Kunst entdeckte Michael Stich bereits während seiner Zeit als Tennisprofi. Seit rund 20 Jahren malt er und nutzt die Malerei, um Emotionen und persönliche Erlebnisse auszudrücken. Inspiriert von US-amerikanischem Expressionismus sowie Einflüssen von Polke, Futurismus und Konstruktivismus entwickelte er einen eigenen Stil. Die Leinwand ist für ihn ein Raum der Freiheit – ein Ort intensiver Leidenschaft und künstlerischer Selbstverwirklichung.

In Brüssel geboren und in Zürich aufgewachsen, begann Jean-Remy 1975 als Werbetexter. Nach Stationen in mehreren deutschen Städten gründete er mit Holger Jung die Agentur Jung von Matt, eine der erfolgreichsten unabhängigen Europas. 2023 zog er sich aus der operativen Führung zurück und widmete sich der Konzeptkunst. Seine Arbeiten wurden u. a. im ZKM Karlsruhe und im Kunstpalast Düsseldorf gezeigt. Im Zentrum seines Schaffens stehen Zeit, Vergänglichkeit und die bewusste Wahrnehmung des Lebens.

Rosa von Praunheim († 83) war eine der größten Stimmen des deutschen Films, der Kunst und der queeren Bewegung. Mit über 150 Werken verband er Film, Malerei und Performance zu radikaler, persönlicher Kunst. Sein legendärer Film Nicht der Homosexuelle ist pervers… veränderte die Sicht auf Homosexualität. Seine Kunst war politisch, provokant und zutiefst menschlich – ein unauslöschliches Vermächtnis.

Seit Jahrzehnten widmet sich Martin Heinig dem menschlichen Antlitz als Spiegel innerer Welten. Seine großformatigen, neoexpressionistischen Köpfe entwickeln eine intensive Bildsprache zwischen emotionaler Kraft, Verletzlichkeit und zeitloser Existenz. 

Wie bereits in der Serie „The Disappeared“ setzt sich Stephan Kaluza in den „Impact“ Bildern mit menschlichen Einflüssen auf die Natur auseinander. Man möchte bei diesem Titel vielleicht an schweres Gerät denken, das Urwaldböden aufreißt und riesige Bäume zerlegt, doch Kaluza begreift diesen Eingriff malerisch: Das Bild scheint sich von den Rändern her aufzuwölben und zu komprimieren, abstrakt anmutende Linien tauchen auf und ziehen sich wie menschliche Adern bis zur Mitte des Szenarios. Es sind Eingriffe, Störungen, die jedoch nicht unästhetisch wirken; im Gegenteil, sie entfalten ein nahezu grafisches Faszinosum. Die offensichtliche Zerstörung der Natur erscheint farbenfroh und medienträchtig – rohe Gewalt war gestern. Vielleicht liegt genau darin ein gewisser Zynismus; der „Impact“ schillert farbig, man mag an eine TV-Show denken, die sich da mehr und mehr ins Bildinnere drängt; illustriert als eine ewig lächelnde menschliche Unterhaltungsmaschine, die sich unaufhaltsam weiter ausdehnt und auch vor den Voraussetzungen für ihr eigenes Dasein nicht Halt macht.

Die Skulpturen von Stefan Ludes zeichnen sich durch eine klare, reduzierte Formensprache aus. Der Maler und Bildhauer entwickelt abstrahierte Körper, die zwischen organischem Ursprung und konstruktiver Ordnung vermitteln. Grundlage seines Schaffens sind zumeist menschliche Proportionen, die er auf tektonische Grundformen reduziert und zu in sich ruhenden, ausbalancierten Kompositionen verschränkt. Mittels einer allgemeingültigen abstrakten Gestalt ist es dem Künstler ein Anliegen, eine neue kontemplative Form der Wahrnehmung zu schaffen.

Ludes‘ Werk verbindet architektonisches Denken und präzise Reduktion auf Volumen und Proportion mit einer minimalistischen Ästhetik und Hingabe für feine Strukturen und Oberflächen. Seine Werke evozieren Ruhe und Bewegung zugleich.

Schwarz-Weiß-Fotografien von Christian Rothe – im Gelände des ehemaligen KZ Buchenwald zwischen 2017 und 2024 entstanden – treten in einen Dialog mit der Holz-Skulptur „Das letzte Gesicht“ (1944) von Bruno Apitz.
Förderer: LOTTO-Stiftung Berlin und Friede Springer Stiftung in Kooperation mit der Moses Mendelssohn Stiftung und dem Deutschen Historischen Museum. Die Stiftung Buchkunst zeichnete 2025 das von Christian Rothe gestaltete Foto-Text-Buch aus. Es ist in der Galerie Mond erhältlich.

Die Ausstellung Blooming Fairytales öffnet einen Raum für das Menschliche – nicht als starre Definition, sondern als lebendige, sich ständig wandelnde Erfahrung wie das „Blooming“. und die „Fairytales“ ist der Ausdruck einer gelebten Philosophie, die den Menschen als fühlendes, denkendes und träumendes Wesen versteht – im ständigen Dialog mit seiner Umwelt, seiner Geschichte und seinen inneren Landschaften. 

Stefan Ludes ist Architekt und Bildhauer. Seine Werke sind im Rahmen von Sonderausstellungen zu besichtigen. 2021 hat er gemeinsam mit seiner Frau die gemeinnützige Stiftung Ludes gegründet.

Manzur Kargars Schwerpunkt liegt in der figurativen Malerei mit klassischen Hintergrund. Über die  intensive Auseinandesetzung mit der Antike in seinen früheren Werken und der  Beschäftigung mit der Bildsprache der modernen Medien formuliert Kargar einen sehr  eigenen malerischen Ansatz. In seiner aktuellen Werkphase wird die Ästhetik der digitalen  Welt in klassisch, traditionelle Malerei und Zeichnung übersetzt. Mit der Verbindung von  digitaler und klassischer Kunst markieren Kargars Bilder den Bogen der Malerei von der  ursprünglichen emotionalen Basis in das unausweichliche digitale Zeitalter.

Lupe Godoys Arbeiten erkunden das Spiel zwischen Realismus und Abstraktion. Ihre künstlerischen Techniken decken eine große Bandbreite ab: von Acryl auf Leinwand, Collagen auf Papier bis hin zu übermalten Fotografien.
Ute Faber ist Bildhauerin, Malerin und Holzschnitt-Druckerin. Sie arbeitet mit verschiedenen Materialien, experimentiert, kombiniert auch gern multimedial. Seit Jahren umkreist sie das Thema Beziehungsgeflechte in allen Facetten des Seins und Vergehens.

Yana Abramova ist eine junge multikulturelle Malerin aus Deutschland. Ihre Werke tanzen auf der Grenze zwischen Abstraktion und Realismus mit Motiven, die mit der Auffassung beider Begriffe spielen. Ihre Arbeit strahlt eine anziehende Aura aus und lädt den Betrachter ein, sich auf die visuelle Entdeckung einzulassen.

Die physische Faktizität des Lichts ist bis heute berauschend, wie die Ausstellung „LIGHT – EXISTENTIAL“ zeigt, die in der Galerie Mond Fine Arts zu sehen ist. Der Titel spricht es schon an: Licht ist existenziell, betrifft unser Dasein direkt, ist wesentlich für uns Menschen. Kunst mit Licht ist ein Abenteuer. Sie bedeutet Freiheit jenseits der Beschränkungen von Raum und Zeit.
Gezeigt werden Werke von zwei Künstlern, deren Arbeiten bereits in vielen namhaften Museen und Kunstvereinen auch international zu sehen waren.

Die physische Faktizität des Lichts ist bis heute berauschend, wie die Ausstellung „LIGHT – EXISTENTIAL“ zeigt, die in der Galerie Mond Fine Arts zu sehen ist. Der Titel spricht es schon an: Licht ist existenziell, betrifft unser Dasein direkt, ist wesentlich für uns Menschen. Kunst mit Licht ist ein Abenteuer. Sie bedeutet Freiheit jenseits der Beschränkungen von Raum und Zeit.
Gezeigt werden Werke von zwei Künstlern, deren Arbeiten bereits in vielen namhaften Museen und Kunstvereinen auch international zu sehen waren.

„Glass half full“, der Ausstellungstitel, zeugt von Optimismus und Aufbruch: Es geht darum, etwas jetzt, genau in dieser Sekunde auszudrücken. Etwas, das man lebt. Es geht um Direktheit und Authentizität. Darum, die eigenen Farben des Lebens ins Bild zu bringen. Becker ist auch Musiker, das sieht man seinen Werken an. Er mag den Jazz, die Beziehung von call and response, die Freiheit. Er mag das Geräusch, das ein Ball macht, wenn er mit voller Wucht auf eine Leinwand prallt.

Das Changieren zwischen realem und unwirklichem, dem verborgenem, aber auch offentsichtlichem charakterisiert die Werkreihe der Documenta Expo Gemälde. Erkundet werden Territorien ohne geordnete Hierachien und versucht durch diese Offenheit Schnittstellen aufzuhalten, bei dem eine Art der Betrachtung möglich wird, die vollkommen frei zwischen den unzähligen und sehr verschiedenartigen Elementen hin und her navigieren kann, sodass jede Betrachterin zu ihrer ganz eigenen Leseart kommen kann.

Mikail Akar ist der weltweit jüngste abstrakte Künstler. Seine Werke sind international gefragt und finden bei Sammlern einen Platz. Mikails frische Farbkombinationen, sein Action Painting und wilder Esprit führten ihn schnell zu Ausstellungen in verschiedenen deutschen Städten, dazu zunächst Düsseldorf, Köln und Jüchen. Seine Werke waren in zahlreichen Großstädten, Galerien und exhibition places auf der ganzen Welt zu sehen.
Für ihn bedeutet contemporary art Freiheit.

Rosa von Praunheim wird 80 Jahre alt - Das muss gefeiert werden. Daher laden wir herzlich zum Geburtstag ein. Nähere Informationen zur großen Party folgen

Lulwah will arabische Buchstaben nicht einfach in ein System übernehmen oder den Regeln der islamischen Geometrie folgen. Vielmehr suchte sie nach neuen Codes. Sie wollte neue Chiffren für die arabischen Buchstaben schaffen, in denen die geometrischen Muster und das Wort eine Einheit bilden.

Lulwah will arabische Buchstaben nicht einfach in ein System übernehmen oder den Regeln der islamischen Geometrie folgen. Vielmehr suchte sie nach neuen Codes. Sie wollte neue Chiffren für die arabischen Buchstaben schaffen, in denen die geometrischen Muster und das Wort eine Einheit bilden.

Wir zeigen Krypto-Kunst sogenannte NFTs, von fünf Künstler*innen.

Ali Eckert, Carla Chan, Ju Schnee, Lilly Grote, Tatumm

Jeder der Künstler/innen repräsentiert nicht nur das eigene Verständnis von Kunst, sondern auch eine unterschiedliche Herangehensweise an die Herstellung von NFTs. Nur eins vereint sie: Die Entgrenzung und Blick auf ein neues Medium.

Seit 35 Jahren beschäftigt sich Stephan Hann mit dem Ableben und Weiterleben von Materialien. Lange, bevor der wertschätzende Blick auf Menschen und Materialien überhaupt im Bewusstsein Vieler angekommen war. Und doch stehen wir nach wie vor vor der Frage, wie eine neue Wertschätzung, ein Verlangen, eine Begierde für ein als wertloses Gesehenes entstehen kann.

Seit 35 Jahren beschäftigt sich Stephan Hann mit dem Ableben und Weiterleben von Materialien. Lange, bevor der wertschätzende Blick auf Menschen und Materialien überhaupt im Bewusstsein Vieler angekommen war. Und doch stehen wir nach wie vor vor der Frage, wie eine neue Wertschätzung, ein Verlangen, eine Begierde für ein als wertloses Gesehenes entstehen kann.

Seit 35 Jahren beschäftigt sich Stephan Hann mit dem Ableben und Weiterleben von Materialien. Lange, bevor der wertschätzende Blick auf Menschen und Materialien überhaupt im Bewusstsein Vieler angekommen war. Und doch stehen wir nach wie vor vor der Frage, wie eine neue Wertschätzung, ein Verlangen, eine Begierde für ein als wertloses Gesehenes entstehen kann.

1980 ging Vladimir Sichov nach Frankreich und zeigte seine Straßenfotografien im Büro von «Paris Match» empfangen. Das Magazin veröffentlichte 44 Seiten seiner Fotografien mit einem Interview. Im Mai folgten die Veröffentlichungen von 55 Seiten und einem Cover im «Stern», vier Ausgaben des italienischen «Oggi», sowie 12 Seiten im amerikanischen «Life» Magazin. Im selben Jahr wurde er zum meistpublizierten Fotografen der Welt. 

Rosa von Praunheim studierte in den 60er Jahren freie Malerei in Berlin. Im Jahr seines 80. Geburtstags präsentiert er seine neuesten Arbeiten. Sie sind eine Mischung aus Comic, Kinderzeichnungen und lyrischen Fantasien.Eine betrunkene Astrologin weissagte Rosa, dass er am 16. Oktober 2023 sanft entschlafen wird. Also nutzt die Gelegenheit, ein Stück von Rosa zu kaufen. Es könnte aber sein, dass statt Rosa von Praunheim, die Astrologin stirbt.

Rosa von Praunheim studierte in den 60er Jahren freie Malerei in Berlin. Im Jahr seines 80. Geburtstags präsentiert er seine neuesten Arbeiten. Sie sind eine Mischung aus Comic, Kinderzeichnungen und lyrischen Fantasien.Eine betrunkene Astrologin weissagte Rosa, dass er am 16. Oktober 2023 sanft entschlafen wird. Also nutzt die Gelegenheit, ein Stück von Rosa zu kaufen. Es könnte aber sein, dass statt Rosa von Praunheim, die Astrologin stirbt.

Licht visuell erfahrbar zu machen ist ein wegweisender Faktor hin zu den Arbeiten, die in der Galerie Hotel Mond Fine Arts in Berlin zu sehen sind. Seine Arbeiten bewegen sich vermehrt von der Fläche in die Dreidimensionalität. Sie wölben sich von der Wand vor, wachsen in den Raum. Er bearbeitet die Flächen in ihrer Gesamtheit, verleiht ihnen Struktur, überzieht sie mit einem komplexen filigranhaften Liniennetz. Die Einflüsse islamischer Architektur sind unverkennbar. 

Licht visuell erfahrbar zu machen ist ein wegweisender Faktor hin zu den Arbeiten, die in der Galerie Hotel Mond Fine Arts in Berlin zu sehen sind. Seine Arbeiten bewegen sich vermehrt von der Fläche in die Dreidimensionalität. Sie wölben sich von der Wand vor, wachsen in den Raum. Er bearbeitet die Flächen in ihrer Gesamtheit, verleiht ihnen Struktur, überzieht sie mit einem komplexen filigranhaften Liniennetz. Die Einflüsse islamischer Architektur sind unverkennbar. 

Björn Vogel ist seit langer Zeit fasziniert von Mustern, Symbolen, Markierungen und Bewegungen verschiedenster Formen. Er erkundet die unterschiedlichen Ursprünge und Entwicklungen unserer Ausdrucksweisen. Wie diese sich entfalten und zum Teil verändern.  Grundformen, Linien die oft Strukturen definieren, die Richtungen und Dimensionen, in denen sich die verschiedensten Elemente präsentieren. Eindrücke, die wir wahrnehmen, die sich in der Bewegung verändern

Bei einem Atelierbesuch entdeckte der Berliner Galerist Michael Schultz Portraits und Akte aus den 90 Jahren.

In seiner Ausstellungsankündigung sagt er: Wendland gilt als Chronist der politischen Wirren in Berlin. Seine Darstellungen decken das gesamte Spektrum der gesellschaftlichen Relevanz der Zeit ab. Mit seinen provokanten, politisch geprägten, oft erotischen Darstellungen hat sich Sigurd Wendland international einen Namen gemacht. 

Bei einem Atelierbesuch entdeckte der Berliner Galerist Michael Schultz Portraits und Akte aus den 90 Jahren.

In seiner Ausstellungsankündigung sagt er: Wendland gilt als Chronist der politischen Wirren in Berlin. Seine Darstellungen decken das gesamte Spektrum der gesellschaftlichen Relevanz der Zeit ab. Mit seinen provokanten, politisch geprägten, oft erotischen Darstellungen hat sich Sigurd Wendland international einen Namen gemacht. 

Um mit Kunst Anstöße zu schaffen, bedarf es nach Joneleit nicht ein auf die bildnerische Bühne gezerrtes politisches oder gesellschaftliches Thema, sondern er vertraut bei seiner Arbeit vollends auf die Kraft von Farben und Formen, die im Ergebnis für sich als autarke Objekte stehen. Wichtig ist ihm, dass er „immer anders“ die Betrachter in einen Bann zieht, Kunstwerke vollkommen außerhalb didaktischer Fragen nach Stil oder Theorien mit einem offenem Blick zu begegnen.

Um mit Kunst Anstöße zu schaffen, bedarf es nach Joneleit nicht ein auf die bildnerische Bühne gezerrtes politisches oder gesellschaftliches Thema, sondern er vertraut bei seiner Arbeit vollends auf die Kraft von Farben und Formen, die im Ergebnis für sich als autarke Objekte stehen. Wichtig ist ihm, dass er „immer anders“ die Betrachter in einen Bann zieht, Kunstwerke vollkommen außerhalb didaktischer Fragen nach Stil oder Theorien mit einem offenem Blick zu begegnen.