Unsere Zeit stellt Wahrheit und Freiheit infrage. Können wir Algorithmen, Vorlagen oder KI vertrauen? Wie erkennen und widerstehen wir verzerrten Wahrheiten?

Saelia Aparicio, Gonzalo García und Rusudan Khizanishvili befassen sich mit Verwundbarkeit, Vertrauen und Macht – jede*r mit eigener Bildsprache.

Kuratiert von Nina Chkareuli-Mdivani, einer georgischen Kuratorin in New York mit Fokus auf Kunst und soziale Themen.

Unsere Zeit stellt Wahrheit und Freiheit infrage. Können wir Algorithmen, Vorlagen oder KI vertrauen? Wie erkennen und widerstehen wir verzerrten Wahrheiten?

Saelia Aparicio, Gonzalo García und Rusudan Khizanishvili befassen sich mit Verwundbarkeit, Vertrauen und Macht – jede*r mit eigener Bildsprache.

Kuratiert von Nina Chkareuli-Mdivani, einer georgischen Kuratorin in New York mit Fokus auf Kunst und soziale Themen.

Unsere Zeit stellt Wahrheit und Freiheit infrage. Können wir Algorithmen, Vorlagen oder KI vertrauen? Wie erkennen und widerstehen wir verzerrten Wahrheiten?

Saelia Aparicio, Gonzalo García und Rusudan Khizanishvili befassen sich mit Verwundbarkeit, Vertrauen und Macht – jede*r mit eigener Bildsprache.

Kuratiert von Nina Chkareuli-Mdivani, einer georgischen Kuratorin in New York mit Fokus auf Kunst und soziale Themen.

Johanna Reich ist eine Künstlerin, die an der Schnittstelle zwischen digitalen und analogen Bildwelten arbeitet. Ihre Arbeiten entstehen auf der Grundlage mehrjähriger Recherchen, in denen sie Lücken in der Geschichte, komplexe Hintergründe der Kodierung sowie den intransparenten Einfluss von Datenbanken auf die Entwicklung von Algorithmen und die daraus resultierenden Bildproduktionen untersucht und verändert. 

Die Ausstellung „Christopher Lehmpfuhl: London“ präsentiert erstmals die Werke des Berliner Plein-Air-Malers Christopher Lehmpfuhl, die der Künstler in den Straßen der britischen Hauptstadt auf den Spuren der Impressionisten gemalt hat. Auf Lehmpfuhls Reise entstand eine Sammlung neuer Gemälde und Aquarelle, die das Wesen Londons einfangen und malerische Traditionen mit dem einzigartigen und sinnlichen Malstil des Künstlers verbinden.

„Morphing Memories“ zeigt Werke von Jay Gard, Tamara Kvesitadze, Susanne Roewer und Coral Lambert. Sie befassen sich intensiv mit den Wechselwirkungen zwischen Skulptur und öffentlichem Raum. Ihre gemeinsame Stärke liegt in der Neuinterpretation traditioneller plastischer und architektonischer Konzepte, die sie in den zeitgenössischen Diskurs einbringen. Die gezeigten Werke thematisieren Identität, kulturelles Erbe und die dynamischen Beziehungen zwischen Mensch, Raum und Gesellschaft.

Auf der POSITIONS Berlin Art Fair 2024 präsentieren wir eine Soloausstellung von Shanee Roe. In ihren Gemälden und Zeichnungen erforscht sie akribisch zwischenmenschliche Beziehungen und intime Momente in urbanen und peripheren Umgebungen. Ihre neuen Werke beleuchten Machtverhältnisse, die von offener Sexualität bis zu tiefem Mitgefühl reichen, und halten intime menschliche Interaktionen zwischen dem Alltäglichen und dem Feierlichen fest.

Erstmals treten die Werke der zwei Berliner Künstler*innen Franziska Klotz und Jan Muche in einen spannungsvollen Dialog. Franziska Klotz transformiert aktuelle und historische Ereignisse durch ihren subjektiven Blick zu zeitgenössischen Historienbildern, Jan Muches konstruktivistisch-abstrakte Gemälde referieren spielerisch auf die Ideale des Konstruktivismus, die mit Elementen aus Pop Art, klassischer Figuration, Fotografie und digitaler Bildbearbeitung rätselhafte Bildwelten entstehen lassen.

Erstmals treten die Werke der zwei Berliner Künstler*innen Franziska Klotz und Jan Muche in einen spannungsvollen Dialog. Franziska Klotz transformiert aktuelle und historische Ereignisse durch ihren subjektiven Blick zu zeitgenössischen Historienbildern, Jan Muches konstruktivistisch-abstrakte Gemälde referieren spielerisch auf die Ideale des Konstruktivismus, die mit Elementen aus Pop Art, klassischer Figuration, Fotografie und digitaler Bildbearbeitung rätselhafte Bildwelten entstehen lassen.

Zum Gallery Weekend 2024 präsentieren wir die erste Einzelausstellung von Rao Fu, der seit zwei Jahrzehnten in Dresden lebt. In seinen Werken verbinden sich Einflüsse aus der klassischen chinesischen Landschaftsmalerei und der Kalligrafie mit europäischen Traditionen. Einflüsse der Dresdner Schule, Edvard Munchs, Peter Doigs oder Daniel Richters verbinden sich mit der Kultur und Philosophie des Ostens und bereichern den sächsischen Neo-Expressionismus um eine asiatische Komponente.

Unter dem Titel „Ornament als Versprechen“ zeigt die Ausstellung erstmals eine Serie kleinformatiger Cyanotypien von Jan Tichy im Dialog mit Skulpturen und Bildern von Jay Gard. Im scheinbaren Widerspruch zu ihrer intensiven Auseinandersetzung mit der Formensprache des Bauhauses vereint die beiden Künstler eine gemeinsame Begeisterung für das Ornament, das bei ihnen aus seinem ursprünglichen Kontext herausgelöst und zu einem substanziellen Motiv ihrer Kunst wird.

Unter dem Titel „Ornament als Versprechen“ zeigt die Ausstellung erstmals eine Serie kleinformatiger Cyanotypien von Jan Tichy im Dialog mit Skulpturen und Bildern von Jay Gard. Im scheinbaren Widerspruch zu ihrer intensiven Auseinandersetzung mit der Formensprache des Bauhauses vereint die beiden Künstler eine gemeinsame Begeisterung für das Ornament, das bei ihnen aus seinem ursprünglichen Kontext herausgelöst und zu einem substanziellen Motiv ihrer Kunst wird.

Martin Spengler zeigt aus Wellpappe geschnitzte Skulpturen und Bildreliefs. In der Auseinandersetzung mit seinem Material entwickelte er über eine eigene Sprache und Ästhetik, die sein Werk bis heute auszeichnet und unverwechselbar macht: Er schichtet Wellpappenbahnen, die normalerweise für Verpackungen verwendet werden, zu Blöcken, aus denen er dann seine Motive herausarbeitet. Jeder Schnitt im Material zeichnet dabei immer auch die Spuren des Werkzeugs auf, mit dem er gemacht wurde.

„The Passage“ lautet der Titel des neuen Werks der bedeutenden georgischen Künstlerin Tamara Kvesitadze, das sie geschaffen hat, als die Welt unter Quarantäne gestellt wurde. Kvesitadze ist für ihre kinetischen Skulpturen bekannt, die Kunst und Technik miteinander verbinden. Doch diesmal bewegt sich die Installation nicht; die Geschichte entfaltet sich, während sich die Betrachter durch sie hindurch bewegen, auf einer schmerzlichen Reise, die sowohl beklemmend als auch hoffnungsvoll ist.