Was passiert, wenn Städte ihre Grenzen verlieren? In Ideal City setzt die Künstlerin öffentliche Räume aus Metropolen weltweit neu zusammen. Architektur, Übergänge und Orte des Zusammenkommens treten in ungeahnte Beziehungen. Bekanntes löst sich vom Ursprung, Fremdes wird vertraut - spielerisch, überraschend. Seit 2003 wächst dieses offene Projekt kontinuierlich weiter - als visuelle, klangliche und interaktive Einladung, Stadt nicht als festen Ort, sondern als Idee zu begreifen.

Was passiert, wenn Städte ihre Grenzen verlieren? In Ideal City setzt die Künstlerin öffentliche Räume aus Metropolen weltweit neu zusammen. Architektur, Übergänge und Orte des Zusammenkommens treten in ungeahnte Beziehungen. Bekanntes löst sich vom Ursprung, Fremdes wird vertraut - spielerisch, überraschend. Seit 2003 wächst dieses offene Projekt kontinuierlich weiter - als visuelle, klangliche und interaktive Einladung, Stadt nicht als festen Ort, sondern als Idee zu begreifen.

Was passiert, wenn Städte ihre Grenzen verlieren? In Ideal City setzt die Künstlerin öffentliche Räume aus Metropolen weltweit neu zusammen. Architektur, Übergänge und Orte des Zusammenkommens treten in ungeahnte Beziehungen. Bekanntes löst sich vom Ursprung, Fremdes wird vertraut - spielerisch, überraschend. Seit 2003 wächst dieses offene Projekt kontinuierlich weiter - als visuelle, klangliche und interaktive Einladung, Stadt nicht als festen Ort, sondern als Idee zu begreifen.

Was passiert, wenn Städte ihre Grenzen verlieren? In Ideal City setzt die Künstlerin öffentliche Räume aus Metropolen weltweit neu zusammen. Architektur, Übergänge und Orte des Zusammenkommens treten in ungeahnte Beziehungen. Bekanntes löst sich vom Ursprung, Fremdes wird vertraut - spielerisch, überraschend. Seit 2003 wächst dieses offene Projekt kontinuierlich weiter - als visuelle, klangliche und interaktive Einladung, Stadt nicht als festen Ort, sondern als Idee zu begreifen.

Was passiert, wenn Städte ihre Grenzen verlieren? In Ideal City setzt die Künstlerin öffentliche Räume aus Metropolen weltweit neu zusammen. Architektur, Übergänge und Orte des Zusammenkommens treten in ungeahnte Beziehungen. Bekanntes löst sich vom Ursprung, Fremdes wird vertraut - spielerisch, überraschend. Seit 2003 wächst dieses offene Projekt kontinuierlich weiter - als visuelle, klangliche und interaktive Einladung, Stadt nicht als festen Ort, sondern als Idee zu begreifen.

VERTICAL HORIZONS lädt ein, den Horizont neu zu denken. 23 Künstler:innen zeigen Werke über Fragilität, Erinnerung und stille Kraft. Malerei, Fotografie, Skulptur und Papierarbeiten eröffnen Räume, in denen Identität und Sichtbarkeit aufscheinen. Die Themencluster Ver-Letzt, Un-Orte und Trotz entfalten Kraft und schöpferisches Potential, leise, eindrücklich, unübersehbar.

VERTICAL HORIZONS lädt ein, den Horizont neu zu denken. 23 Künstler:innen zeigen Werke über Fragilität, Erinnerung und stille Kraft. Malerei, Fotografie, Skulptur und Papierarbeiten eröffnen Räume, in denen Identität und Sichtbarkeit aufscheinen. Die Themencluster Ver-Letzt, Un-Orte und Trotz entfalten Kraft und schöpferisches Potential, leise, eindrücklich, unübersehbar.

VERTICAL HORIZONS lädt ein, den Horizont neu zu denken. 23 Künstler:innen zeigen Werke über Fragilität, Erinnerung und stille Kraft. Malerei, Fotografie, Skulptur und Papierarbeiten eröffnen Räume, in denen Identität und Sichtbarkeit aufscheinen. Die Themencluster Ver-Letzt, Un-Orte und Trotz entfalten Kraft und schöpferisches Potential, leise, eindrücklich, unübersehbar.

VERTICAL HORIZONS lädt ein, den Horizont neu zu denken. 23 Künstler:innen zeigen Werke über Fragilität, Erinnerung und stille Kraft. Malerei, Fotografie, Skulptur und Papierarbeiten eröffnen Räume, in denen Identität und Sichtbarkeit aufscheinen. Die Themencluster Ver-Letzt, Un-Orte und Trotz entfalten Kraft und schöpferisches Potential, leise, eindrücklich, unübersehbar.

VERTICAL HORIZONS lädt ein, den Horizont neu zu denken. 23 Künstler:innen zeigen Werke über Fragilität, Erinnerung und stille Kraft. Malerei, Fotografie, Skulptur und Papierarbeiten eröffnen Räume, in denen Identität und Sichtbarkeit aufscheinen. Die Themencluster Ver-Letzt, Un-Orte und Trotz entfalten Kraft und schöpferisches Potential, leise, eindrücklich, unübersehbar.

Die Galerie zeigt mit ABSTRACTED CHEMISTRY die aktuelle Werkreihe von Bo Larsen. Der deutsch-dänische Künstler verbindet expressive Farbe mit komplexen Strukturen und lotet die unsichtbaren Mechanismen von Psyche und Emotion aus. Seine abstrakten Arbeiten sind visuelle Spiegel innerer Zustände – intensiv, vieldeutig und berührend.

Die Galerie zeigt mit ABSTRACTED CHEMISTRY die aktuelle Werkreihe von Bo Larsen. Der deutsch-dänische Künstler verbindet expressive Farbe mit komplexen Strukturen und lotet die unsichtbaren Mechanismen von Psyche und Emotion aus. Seine abstrakten Arbeiten sind visuelle Spiegel innerer Zustände – intensiv, vieldeutig und berührend.

Die Galerie zeigt mit ABSTRACTED CHEMISTRY die aktuelle Werkreihe von Bo Larsen. Der deutsch-dänische Künstler verbindet expressive Farbe mit komplexen Strukturen und lotet die unsichtbaren Mechanismen von Psyche und Emotion aus. Seine abstrakten Arbeiten sind visuelle Spiegel innerer Zustände – intensiv, vieldeutig und berührend.

Die Galerie zeigt mit ABSTRACTED CHEMISTRY die aktuelle Werkreihe von Bo Larsen. Der deutsch-dänische Künstler verbindet expressive Farbe mit komplexen Strukturen und lotet die unsichtbaren Mechanismen von Psyche und Emotion aus. Seine abstrakten Arbeiten sind visuelle Spiegel innerer Zustände – intensiv, vieldeutig und berührend.

„Bloom & Doom“ vereint Werke, die sich mit der Schönheit und Zerbrechlichkeit der Natur, ihrer Zerstörung und ihrer Widerstandskraft auseinandersetzen. Nach dem großen Erfolg auf den Messen in London und Basel zeigen wir die drei fotografischen Positionen nun erstmals gemeinsam in Berlin. Die Ausstellung ist ein fotografischer Dialog über Vergehen, Transformation und die fragile Balance zwischen Mensch und Natur.

„Bloom & Doom“ vereint Werke, die sich mit der Schönheit und Zerbrechlichkeit der Natur, ihrer Zerstörung und ihrer Widerstandskraft auseinandersetzen. Nach dem großen Erfolg auf den Messen in London und Basel zeigen wir die drei fotografischen Positionen nun erstmals gemeinsam in Berlin. Die Ausstellung ist ein fotografischer Dialog über Vergehen, Transformation und die fragile Balance zwischen Mensch und Natur.

„Bloom & Doom“ vereint Werke, die sich mit der Schönheit und Zerbrechlichkeit der Natur, ihrer Zerstörung und ihrer Widerstandskraft auseinandersetzen. Nach dem großen Erfolg auf den Messen in London und Basel zeigen wir die drei fotografischen Positionen nun erstmals gemeinsam in Berlin. Die Ausstellung ist ein fotografischer Dialog über Vergehen, Transformation und die fragile Balance zwischen Mensch und Natur.

„Bloom & Doom“ vereint Werke, die sich mit der Schönheit und Zerbrechlichkeit der Natur, ihrer Zerstörung und ihrer Widerstandskraft auseinandersetzen. Nach dem großen Erfolg auf den Messen in London und Basel zeigen wir die drei fotografischen Positionen nun erstmals gemeinsam in Berlin. Die Ausstellung ist ein fotografischer Dialog über Vergehen, Transformation und die fragile Balance zwischen Mensch und Natur.

„Bloom & Doom“ vereint Werke, die sich mit der Schönheit und Zerbrechlichkeit der Natur, ihrer Zerstörung und ihrer Widerstandskraft auseinandersetzen. Nach dem großen Erfolg auf den Messen in London und Basel zeigen wir die drei fotografischen Positionen nun erstmals gemeinsam in Berlin. Die Ausstellung ist ein fotografischer Dialog über Vergehen, Transformation und die fragile Balance zwischen Mensch und Natur.

Zum 100. Geburtstag von Reinhold Petermann zeigt nüüd.berlin 30 Plastiken des Bildhauers im Dialog mit 9 Porträts von Dale Grant. Die Doppelausstellung verbindet klassische Skulptur mit zeitgenössischer Fotografie. Grants Buch „Face: The Berlin Art Scene“ wird erstmals präsentiert – ein spannendes Zusammenspiel zwischen figürlicher Dauer und fotografischem Augenblick, zwischen der Berliner Kunstszene heute und einer retrospektiven Hommage an einen der großen Bildhauer Nachkriegsdeutschlands.

Zum 100. Geburtstag von Reinhold Petermann zeigt nüüd.berlin 30 Plastiken des Bildhauers im Dialog mit 9 Porträts von Dale Grant. Die Doppelausstellung verbindet klassische Skulptur mit zeitgenössischer Fotografie. Grants Buch „Face: The Berlin Art Scene“ wird erstmals präsentiert – ein spannendes Zusammenspiel zwischen figürlicher Dauer und fotografischem Augenblick, zwischen der Berliner Kunstszene heute und einer retrospektiven Hommage an einen der großen Bildhauer Nachkriegsdeutschlands.

Zum 100. Geburtstag von Reinhold Petermann zeigt nüüd.berlin 30 Plastiken des Bildhauers im Dialog mit 9 Porträts von Dale Grant. Die Doppelausstellung verbindet klassische Skulptur mit zeitgenössischer Fotografie. Grants Buch „Face: The Berlin Art Scene“ wird erstmals präsentiert – ein spannendes Zusammenspiel zwischen figürlicher Dauer und fotografischem Augenblick, zwischen der Berliner Kunstszene heute und einer retrospektiven Hommage an einen der großen Bildhauer Nachkriegsdeutschlands.

Zum 100. Geburtstag von Reinhold Petermann zeigt nüüd.berlin 30 Plastiken des Bildhauers im Dialog mit 9 Porträts von Dale Grant. Die Doppelausstellung verbindet klassische Skulptur mit zeitgenössischer Fotografie. Grants Buch „Face: The Berlin Art Scene“ wird erstmals präsentiert – ein spannendes Zusammenspiel zwischen figürlicher Dauer und fotografischem Augenblick, zwischen der Berliner Kunstszene heute und einer retrospektiven Hommage an einen der großen Bildhauer Nachkriegsdeutschlands.

Zum 100. Geburtstag von Reinhold Petermann zeigt nüüd.berlin 30 Plastiken des Bildhauers im Dialog mit 9 Porträts von Dale Grant. Die Doppelausstellung verbindet klassische Skulptur mit zeitgenössischer Fotografie. Grants Buch „Face: The Berlin Art Scene“ wird erstmals präsentiert – ein spannendes Zusammenspiel zwischen figürlicher Dauer und fotografischem Augenblick, zwischen der Berliner Kunstszene heute und einer retrospektiven Hommage an einen der großen Bildhauer Nachkriegsdeutschlands.

Pop, bunt, wild – doch hinter der farbenfrohen Fassade der schon legendären TOYGIANTS von Daniel & Geo Fuchs, mit der sie internationales Renommee erlangten, steckt weit mehr: ikonische Figuren der Popkultur werden in monumentalen Porträts in Szene gesetzt, einzeln oder in überraschenden Gruppierungen und nicht selten schwingt auch eine politische Dimension mit.

Pop, bunt, wild – doch hinter der farbenfrohen Fassade der schon legendären TOYGIANTS von Daniel & Geo Fuchs, mit der sie internationales Renommee erlangten, steckt weit mehr: ikonische Figuren der Popkultur werden in monumentalen Porträts in Szene gesetzt, einzeln oder in überraschenden Gruppierungen und nicht selten schwingt auch eine politische Dimension mit.

Pop, bunt, wild – doch hinter der farbenfrohen Fassade der schon legendären TOYGIANTS von Daniel & Geo Fuchs, mit der sie internationales Renommee erlangten, steckt weit mehr: ikonische Figuren der Popkultur werden in monumentalen Porträts in Szene gesetzt, einzeln oder in überraschenden Gruppierungen und nicht selten schwingt auch eine politische Dimension mit.

Pop, bunt, wild – doch hinter der farbenfrohen Fassade der schon legendären TOYGIANTS von Daniel & Geo Fuchs, mit der sie internationales Renommee erlangten, steckt weit mehr: ikonische Figuren der Popkultur werden in monumentalen Porträts in Szene gesetzt, einzeln oder in überraschenden Gruppierungen und nicht selten schwingt auch eine politische Dimension mit.

Pop, bunt, wild – doch hinter der farbenfrohen Fassade der schon legendären TOYGIANTS von Daniel & Geo Fuchs, mit der sie internationales Renommee erlangten, steckt weit mehr: ikonische Figuren der Popkultur werden in monumentalen Porträts in Szene gesetzt, einzeln oder in überraschenden Gruppierungen und nicht selten schwingt auch eine politische Dimension mit.

Auf der papers position berlin 2025 präsentieren wir Papierarbeiten von Axel Teichmann, Marco Kaufmann und Philip Crawford.

Auf der papers position berlin 2025 präsentieren wir Papierarbeiten von Axel Teichmann, Marco Kaufmann und Philip Crawford.

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Die Fotokünstler Martin A. Völker (*1972) und Farzin Foroutan (*1992) führen mit neuen Arbeiten einen Bilddialog ihrer eigenen Weltwahrnehmung: der in Westberlin geborene Familienvater und der 20 Jahre jüngere iranische Immigrant, der seit vier Jahren in Berlin lebt. Völker umkreist die gesellschaftliche Misskommunikation, die zu Verletzungen führt; Foroutan erkundet die Herausforderungen seiner Anpassung an eine neue Lebenswelt und greift Themen wie Zugehörigkeit und Identität auf.

Die Fotokünstler Martin A. Völker (*1972) und Farzin Foroutan (*1992) führen mit neuen Arbeiten einen Bilddialog ihrer eigenen Weltwahrnehmung: der in Westberlin geborene Familienvater und der 20 Jahre jüngere iranische Immigrant, der seit vier Jahren in Berlin lebt. Völker umkreist die gesellschaftliche Misskommunikation, die zu Verletzungen führt; Foroutan erkundet die Herausforderungen seiner Anpassung an eine neue Lebenswelt und greift Themen wie Zugehörigkeit und Identität auf.

Die Ausstellung "Ostria – Südwind" von Marco Kaufmann (*1975) entführt die Besucher in eine faszinierende Welt aus Licht, Farbe und Bewegung, inspiriert von der mediterranen Atmosphäre und dem Schaffensprozess des Künstlers. Der Titel verweist auf den warmen, feuchten Südwind, der über das Mittelmeer zieht, Sand aus der Sahara mit sich bringt und das Gefühl der letzten heißen Tage auf einer griechischen Insel einfängt, das Echo eines Sommers, das die Kälte des deutschen Winters überbrückt. 

Die Ausstellung "Ostria – Südwind" von Marco Kaufmann (*1975) entführt die Besucher in eine faszinierende Welt aus Licht, Farbe und Bewegung, inspiriert von der mediterranen Atmosphäre und dem Schaffensprozess des Künstlers. Der Titel verweist auf den warmen, feuchten Südwind, der über das Mittelmeer zieht, Sand aus der Sahara mit sich bringt und das Gefühl der letzten heißen Tage auf einer griechischen Insel einfängt, das Echo eines Sommers, das die Kälte des deutschen Winters überbrückt. 

Die Ausstellung "Ostria – Südwind" von Marco Kaufmann (*1975) entführt die Besucher in eine faszinierende Welt aus Licht, Farbe und Bewegung, inspiriert von der mediterranen Atmosphäre und dem Schaffensprozess des Künstlers. Der Titel verweist auf den warmen, feuchten Südwind, der über das Mittelmeer zieht, Sand aus der Sahara mit sich bringt und das Gefühl der letzten heißen Tage auf einer griechischen Insel einfängt, das Echo eines Sommers, das die Kälte des deutschen Winters überbrückt. 

Die Ausstellung "Ostria – Südwind" von Marco Kaufmann (*1975) entführt die Besucher in eine faszinierende Welt aus Licht, Farbe und Bewegung, inspiriert von der mediterranen Atmosphäre und dem Schaffensprozess des Künstlers. Der Titel verweist auf den warmen, feuchten Südwind, der über das Mittelmeer zieht, Sand aus der Sahara mit sich bringt und das Gefühl der letzten heißen Tage auf einer griechischen Insel einfängt, das Echo eines Sommers, das die Kälte des deutschen Winters überbrückt. 

Die Ausstellung "Ostria – Südwind" von Marco Kaufmann (*1975) entführt die Besucher in eine faszinierende Welt aus Licht, Farbe und Bewegung, inspiriert von der mediterranen Atmosphäre und dem Schaffensprozess des Künstlers. Der Titel verweist auf den warmen, feuchten Südwind, der über das Mittelmeer zieht, Sand aus der Sahara mit sich bringt und das Gefühl der letzten heißen Tage auf einer griechischen Insel einfängt, das Echo eines Sommers, das die Kälte des deutschen Winters überbrückt. 

Die Zeit ist wie Gummi: gedehnt, gedreht, aufgeblasen, expandiert und explodiert. Der Künstler Wilhelm Moser nimmt uns mit auf eine faszinierende Zeitreise zwischen Vergangenheit und Zukunft, auf der er die abstrakte Natur der Zeit erkundet. Es sind Augenblicke – exemplarisch, vergänglich und doch gleichsam zeitlos – eingefroren durch eine Fotografie, ein Gemälde, eine Skulptur.

Die Zeit ist wie Gummi: gedehnt, gedreht, aufgeblasen, expandiert und explodiert. Der Künstler Wilhelm Moser nimmt uns mit auf eine faszinierende Zeitreise zwischen Vergangenheit und Zukunft, auf der er die abstrakte Natur der Zeit erkundet. Es sind Augenblicke – exemplarisch, vergänglich und doch gleichsam zeitlos – eingefroren durch eine Fotografie, ein Gemälde, eine Skulptur.

Die Zeit ist wie Gummi: gedehnt, gedreht, aufgeblasen, expandiert und explodiert. Der Künstler Wilhelm Moser nimmt uns mit auf eine faszinierende Zeitreise zwischen Vergangenheit und Zukunft, auf der er die abstrakte Natur der Zeit erkundet. Es sind Augenblicke – exemplarisch, vergänglich und doch gleichsam zeitlos – eingefroren durch eine Fotografie, ein Gemälde, eine Skulptur.

Die Zeit ist wie Gummi: gedehnt, gedreht, aufgeblasen, expandiert und explodiert. Der Künstler Wilhelm Moser nimmt uns mit auf eine faszinierende Zeitreise zwischen Vergangenheit und Zukunft, auf der er die abstrakte Natur der Zeit erkundet. Es sind Augenblicke – exemplarisch, vergänglich und doch gleichsam zeitlos – eingefroren durch eine Fotografie, ein Gemälde, eine Skulptur.

Die Zeit ist wie Gummi: gedehnt, gedreht, aufgeblasen, expandiert und explodiert. Der Künstler Wilhelm Moser nimmt uns mit auf eine faszinierende Zeitreise zwischen Vergangenheit und Zukunft, auf der er die abstrakte Natur der Zeit erkundet. Es sind Augenblicke – exemplarisch, vergänglich und doch gleichsam zeitlos – eingefroren durch eine Fotografie, ein Gemälde, eine Skulptur.

Die Künstlerin erzählt mit ihren neuen Bildern vom Unterwegssein. Unterwegs sammelt sie mit der Kamera Ideen für ihre Bilder – dies kann in der weiten Ferne sein, aber auch gleich ums Eck im Berliner Hinterhof oder in einer Brandenburger Wiesenlandschaft. Sie lenkt den Blick auf das Flüchtige und Unscheinbare, Strukturen und Details, die oft unbeachtet bleiben. Farbschüttungen, großzügige Pinselstriche und Auflösungen prägen den Beginn ihres Arbeitsprozesses und bilden den Bilduntergrund.

Die Künstlerin erzählt mit ihren neuen Bildern vom Unterwegssein. Unterwegs sammelt sie mit der Kamera Ideen für ihre Bilder – dies kann in der weiten Ferne sein, aber auch gleich ums Eck im Berliner Hinterhof oder in einer Brandenburger Wiesenlandschaft. Sie lenkt den Blick auf das Flüchtige und Unscheinbare, Strukturen und Details, die oft unbeachtet bleiben. Farbschüttungen, großzügige Pinselstriche und Auflösungen prägen den Beginn ihres Arbeitsprozesses und bilden den Bilduntergrund.

Die Künstlerin erzählt mit ihren neuen Bildern vom Unterwegssein. Unterwegs sammelt sie mit der Kamera Ideen für ihre Bilder – dies kann in der weiten Ferne sein, aber auch gleich ums Eck im Berliner Hinterhof oder in einer Brandenburger Wiesenlandschaft. Sie lenkt den Blick auf das Flüchtige und Unscheinbare, Strukturen und Details, die oft unbeachtet bleiben. Farbschüttungen, großzügige Pinselstriche und Auflösungen prägen den Beginn ihres Arbeitsprozesses und bilden den Bilduntergrund.

Die Künstlerin erzählt mit ihren neuen Bildern vom Unterwegssein. Unterwegs sammelt sie mit der Kamera Ideen für ihre Bilder – dies kann in der weiten Ferne sein, aber auch gleich ums Eck im Berliner Hinterhof oder in einer Brandenburger Wiesenlandschaft. Sie lenkt den Blick auf das Flüchtige und Unscheinbare, Strukturen und Details, die oft unbeachtet bleiben. Farbschüttungen, großzügige Pinselstriche und Auflösungen prägen den Beginn ihres Arbeitsprozesses und bilden den Bilduntergrund.

Die Künstlerin erzählt mit ihren neuen Bildern vom Unterwegssein. Unterwegs sammelt sie mit der Kamera Ideen für ihre Bilder – dies kann in der weiten Ferne sein, aber auch gleich ums Eck im Berliner Hinterhof oder in einer Brandenburger Wiesenlandschaft. Sie lenkt den Blick auf das Flüchtige und Unscheinbare, Strukturen und Details, die oft unbeachtet bleiben. Farbschüttungen, großzügige Pinselstriche und Auflösungen prägen den Beginn ihres Arbeitsprozesses und bilden den Bilduntergrund.

Mit der Ausstellung wird Mathias Vef als neuer Künstler der Galerie vorgestellt. In seinen Arbeiten erkundet er das Zusammenspiel von Körper und Identität, inspiriert von Menschen, die ihren Körper experimentell betrachten. Durch Fotografie, Video und 3D-Scans dekonstruiert er diese Körper und schafft mit Hilfe von künstlicher Intelligenz neue surreale Werke. Diese Arbeiten werden mit Werken anderer Künstler kontrastiert, um ein vielschichtiges Diskussionsfeld zu schaffen. 

Mit der Ausstellung wird Mathias Vef als neuer Künstler der Galerie vorgestellt. In seinen Arbeiten erkundet er das Zusammenspiel von Körper und Identität, inspiriert von Menschen, die ihren Körper experimentell betrachten. Durch Fotografie, Video und 3D-Scans dekonstruiert er diese Körper und schafft mit Hilfe von künstlicher Intelligenz neue surreale Werke. Diese Arbeiten werden mit Werken anderer Künstler kontrastiert, um ein vielschichtiges Diskussionsfeld zu schaffen. 

Mit der Ausstellung wird Mathias Vef als neuer Künstler der Galerie vorgestellt. In seinen Arbeiten erkundet er das Zusammenspiel von Körper und Identität, inspiriert von Menschen, die ihren Körper experimentell betrachten. Durch Fotografie, Video und 3D-Scans dekonstruiert er diese Körper und schafft mit Hilfe von künstlicher Intelligenz neue surreale Werke. Diese Arbeiten werden mit Werken anderer Künstler kontrastiert, um ein vielschichtiges Diskussionsfeld zu schaffen. 

Mit der Ausstellung wird Mathias Vef als neuer Künstler der Galerie vorgestellt. In seinen Arbeiten erkundet er das Zusammenspiel von Körper und Identität, inspiriert von Menschen, die ihren Körper experimentell betrachten. Durch Fotografie, Video und 3D-Scans dekonstruiert er diese Körper und schafft mit Hilfe von künstlicher Intelligenz neue surreale Werke. Diese Arbeiten werden mit Werken anderer Künstler kontrastiert, um ein vielschichtiges Diskussionsfeld zu schaffen. 

Mit der Ausstellung wird Mathias Vef als neuer Künstler der Galerie vorgestellt. In seinen Arbeiten erkundet er das Zusammenspiel von Körper und Identität, inspiriert von Menschen, die ihren Körper experimentell betrachten. Durch Fotografie, Video und 3D-Scans dekonstruiert er diese Körper und schafft mit Hilfe von künstlicher Intelligenz neue surreale Werke. Diese Arbeiten werden mit Werken anderer Künstler kontrastiert, um ein vielschichtiges Diskussionsfeld zu schaffen. 

Die Ausstellung zeigt die faszinierende Welt des renommierten estnischen, in Berlin lebenden Künstlers Ivar Kaasik. Seine großformatigen abstrakten Gemälde sind geprägt von monochromen Farben und strenger Geometrie, in denen sich Chaos und Tod, aber auch Licht, Ordnung und Wiedergeburt ausdrücken. Neue Werke von 2022/24 und die ältere Arbeiten aus den 90er Jahren führen den Betrachter in das Gestern und Heute des Künstlers und verblüffen ebenso wie eine Auswahl seiner fotorealistischen Gemälde.

Die Ausstellung zeigt die faszinierende Welt des renommierten estnischen, in Berlin lebenden Künstlers Ivar Kaasik. Seine großformatigen abstrakten Gemälde sind geprägt von monochromen Farben und strenger Geometrie, in denen sich Chaos und Tod, aber auch Licht, Ordnung und Wiedergeburt ausdrücken. Neue Werke von 2022/24 und die ältere Arbeiten aus den 90er Jahren führen den Betrachter in das Gestern und Heute des Künstlers und verblüffen ebenso wie eine Auswahl seiner fotorealistischen Gemälde.

Die Ausstellung zeigt die faszinierende Welt des renommierten estnischen, in Berlin lebenden Künstlers Ivar Kaasik. Seine großformatigen abstrakten Gemälde sind geprägt von monochromen Farben und strenger Geometrie, in denen sich Chaos und Tod, aber auch Licht, Ordnung und Wiedergeburt ausdrücken. Neue Werke von 2022/24 und die ältere Arbeiten aus den 90er Jahren führen den Betrachter in das Gestern und Heute des Künstlers und verblüffen ebenso wie eine Auswahl seiner fotorealistischen Gemälde.

Die Ausstellung zeigt die faszinierende Welt des renommierten estnischen, in Berlin lebenden Künstlers Ivar Kaasik. Seine großformatigen abstrakten Gemälde sind geprägt von monochromen Farben und strenger Geometrie, in denen sich Chaos und Tod, aber auch Licht, Ordnung und Wiedergeburt ausdrücken. Neue Werke von 2022/24 und die ältere Arbeiten aus den 90er Jahren führen den Betrachter in das Gestern und Heute des Künstlers und verblüffen ebenso wie eine Auswahl seiner fotorealistischen Gemälde.

Die Ausstellung zeigt die faszinierende Welt des renommierten estnischen, in Berlin lebenden Künstlers Ivar Kaasik. Seine großformatigen abstrakten Gemälde sind geprägt von monochromen Farben und strenger Geometrie, in denen sich Chaos und Tod, aber auch Licht, Ordnung und Wiedergeburt ausdrücken. Neue Werke von 2022/24 und die ältere Arbeiten aus den 90er Jahren führen den Betrachter in das Gestern und Heute des Künstlers und verblüffen ebenso wie eine Auswahl seiner fotorealistischen Gemälde.

Durch die Überlagerung von Bildmaterial aus Massenmedien mit eigenen Empfindungen lässt die Berliner Künstlerin neue Bilder entstehen, die Freiheit, Naturverbundenheit, Erotik und Individualität, aber auch Verletzlichkeit ausdrücken. Reale und fabelhafte Wesen verführen den Betrachter, an einem sicheren Ort ein freies und selbstbestimmtes Leben zu führen. Mit mühelos, flüssig und leicht aufgetragenen Pinselstrichen unterstreicht die Künstlerin spielerisch die Ernsthaftigkeit ihrer Arbeiten.

Durch die Überlagerung von Bildmaterial aus Massenmedien mit eigenen Empfindungen lässt die Berliner Künstlerin neue Bilder entstehen, die Freiheit, Naturverbundenheit, Erotik und Individualität, aber auch Verletzlichkeit ausdrücken. Reale und fabelhafte Wesen verführen den Betrachter, an einem sicheren Ort ein freies und selbstbestimmtes Leben zu führen. Mit mühelos, flüssig und leicht aufgetragenen Pinselstrichen unterstreicht die Künstlerin spielerisch die Ernsthaftigkeit ihrer Arbeiten.

Durch die Überlagerung von Bildmaterial aus Massenmedien mit eigenen Empfindungen lässt die Berliner Künstlerin neue Bilder entstehen, die Freiheit, Naturverbundenheit, Erotik und Individualität, aber auch Verletzlichkeit ausdrücken. Reale und fabelhafte Wesen verführen den Betrachter, an einem sicheren Ort ein freies und selbstbestimmtes Leben zu führen. Mit mühelos, flüssig und leicht aufgetragenen Pinselstrichen unterstreicht die Künstlerin spielerisch die Ernsthaftigkeit ihrer Arbeiten.

Durch die Überlagerung von Bildmaterial aus Massenmedien mit eigenen Empfindungen lässt die Berliner Künstlerin neue Bilder entstehen, die Freiheit, Naturverbundenheit, Erotik und Individualität, aber auch Verletzlichkeit ausdrücken. Reale und fabelhafte Wesen verführen den Betrachter, an einem sicheren Ort ein freies und selbstbestimmtes Leben zu führen. Mit mühelos, flüssig und leicht aufgetragenen Pinselstrichen unterstreicht die Künstlerin spielerisch die Ernsthaftigkeit ihrer Arbeiten.

Durch die Überlagerung von Bildmaterial aus Massenmedien mit eigenen Empfindungen lässt die Berliner Künstlerin neue Bilder entstehen, die Freiheit, Naturverbundenheit, Erotik und Individualität, aber auch Verletzlichkeit ausdrücken. Reale und fabelhafte Wesen verführen den Betrachter, an einem sicheren Ort ein freies und selbstbestimmtes Leben zu führen. Mit mühelos, flüssig und leicht aufgetragenen Pinselstrichen unterstreicht die Künstlerin spielerisch die Ernsthaftigkeit ihrer Arbeiten.

Die Ausstellung zeigt Bilder des von den Bahamas stammenden, in Berlin und Rotterdam lebenden Künstlers Dale Grant. Die bevorzugten Modelle des Mode- und Porträtfotografen sind Blumen, die für ihn eine Allegorie des Lebens darstellen: zu Beginn ihres Lebens sehen sie sehrähnlich aus, aber in dem Moment, in dem sie zu verwelken beginnen, sehen wir ihre wahre und einzigartige Schönheit. Die Blütenblätter werden durchsichtig und zerbrechlich und verleihen dem fotografischen Bild Textur und Form. 

Die Ausstellung zeigt Bilder des von den Bahamas stammenden, in Berlin und Rotterdam lebenden Künstlers Dale Grant. Die bevorzugten Modelle des Mode- und Porträtfotografen sind Blumen, die für ihn eine Allegorie des Lebens darstellen: zu Beginn ihres Lebens sehen sie sehrähnlich aus, aber in dem Moment, in dem sie zu verwelken beginnen, sehen wir ihre wahre und einzigartige Schönheit. Die Blütenblätter werden durchsichtig und zerbrechlich und verleihen dem fotografischen Bild Textur und Form. 

Die Ausstellung zeigt Bilder des von den Bahamas stammenden, in Berlin und Rotterdam lebenden Künstlers Dale Grant. Die bevorzugten Modelle des Mode- und Porträtfotografen sind Blumen, die für ihn eine Allegorie des Lebens darstellen: zu Beginn ihres Lebens sehen sie sehrähnlich aus, aber in dem Moment, in dem sie zu verwelken beginnen, sehen wir ihre wahre und einzigartige Schönheit. Die Blütenblätter werden durchsichtig und zerbrechlich und verleihen dem fotografischen Bild Textur und Form. 

Die Ausstellung zeigt Bilder des von den Bahamas stammenden, in Berlin und Rotterdam lebenden Künstlers Dale Grant. Die bevorzugten Modelle des Mode- und Porträtfotografen sind Blumen, die für ihn eine Allegorie des Lebens darstellen: zu Beginn ihres Lebens sehen sie sehrähnlich aus, aber in dem Moment, in dem sie zu verwelken beginnen, sehen wir ihre wahre und einzigartige Schönheit. Die Blütenblätter werden durchsichtig und zerbrechlich und verleihen dem fotografischen Bild Textur und Form. 

Die Ausstellung zeigt Bilder des von den Bahamas stammenden, in Berlin und Rotterdam lebenden Künstlers Dale Grant. Die bevorzugten Modelle des Mode- und Porträtfotografen sind Blumen, die für ihn eine Allegorie des Lebens darstellen: zu Beginn ihres Lebens sehen sie sehrähnlich aus, aber in dem Moment, in dem sie zu verwelken beginnen, sehen wir ihre wahre und einzigartige Schönheit. Die Blütenblätter werden durchsichtig und zerbrechlich und verleihen dem fotografischen Bild Textur und Form. 

Die Galerie nüüd.berlin präsentiert ab dem 10. November 2023 eine Werkschau der in Berlin lebenden Fotokünstlerin Daniela Finke. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht ihre neueste Werkserie „A Present from the Past“, in der die Künstlerin die einprägsame Erscheinung der Pfeilschwanzkrebse (Limulidae, engl. Horseshoe Crabs) erkundet, einer bedrohten Spezies, deren Alter auf über 400 Millionen Jahre geschätzt wird und deren bläuliches Blut der Menschheit großen medizinischen Nutzen bringt.

Die Galerie nüüd.berlin präsentiert ab dem 10. November 2023 eine Werkschau der in Berlin lebenden Fotokünstlerin Daniela Finke. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht ihre neueste Werkserie „A Present from the Past“, in der die Künstlerin die einprägsame Erscheinung der Pfeilschwanzkrebse (Limulidae, engl. Horseshoe Crabs) erkundet, einer bedrohten Spezies, deren Alter auf über 400 Millionen Jahre geschätzt wird und deren bläuliches Blut der Menschheit großen medizinischen Nutzen bringt.

Die Galerie nüüd.berlin präsentiert ab dem 10. November 2023 eine Werkschau der in Berlin lebenden Fotokünstlerin Daniela Finke. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht ihre neueste Werkserie „A Present from the Past“, in der die Künstlerin die einprägsame Erscheinung der Pfeilschwanzkrebse (Limulidae, engl. Horseshoe Crabs) erkundet, einer bedrohten Spezies, deren Alter auf über 400 Millionen Jahre geschätzt wird und deren bläuliches Blut der Menschheit großen medizinischen Nutzen bringt.

Die Galerie nüüd.berlin präsentiert ab dem 10. November 2023 eine Werkschau der in Berlin lebenden Fotokünstlerin Daniela Finke. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht ihre neueste Werkserie „A Present from the Past“, in der die Künstlerin die einprägsame Erscheinung der Pfeilschwanzkrebse (Limulidae, engl. Horseshoe Crabs) erkundet, einer bedrohten Spezies, deren Alter auf über 400 Millionen Jahre geschätzt wird und deren bläuliches Blut der Menschheit großen medizinischen Nutzen bringt.

Die Galerie nüüd.berlin präsentiert ab dem 10. November 2023 eine Werkschau der in Berlin lebenden Fotokünstlerin Daniela Finke. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht ihre neueste Werkserie „A Present from the Past“, in der die Künstlerin die einprägsame Erscheinung der Pfeilschwanzkrebse (Limulidae, engl. Horseshoe Crabs) erkundet, einer bedrohten Spezies, deren Alter auf über 400 Millionen Jahre geschätzt wird und deren bläuliches Blut der Menschheit großen medizinischen Nutzen bringt.

In seiner neuen Werkserie erzählt der junge Fotokünstler Moritz Koch in zehn großformatigen, aufwändig inszenierten Bildern von dem außerirdischen Wesen Minerva, das auf die Erde kommt, um Menschen für existenzielle Dinge zu sensibilisieren. Dabei verarbeitet er Visionen der Zukunft, von der Utopie bis zur Dystopie: Schnelligkeit, Sinnsuche und Klimawandel sind ebenso Thema wie die Reflexion zwischenmenschlicher Strukturen und Konflikte.

In seiner neuen Werkserie erzählt der junge Fotokünstler Moritz Koch in zehn großformatigen, aufwändig inszenierten Bildern von dem außerirdischen Wesen Minerva, das auf die Erde kommt, um Menschen für existenzielle Dinge zu sensibilisieren. Dabei verarbeitet er Visionen der Zukunft, von der Utopie bis zur Dystopie: Schnelligkeit, Sinnsuche und Klimawandel sind ebenso Thema wie die Reflexion zwischenmenschlicher Strukturen und Konflikte.

In seiner neuen Werkserie erzählt der junge Fotokünstler Moritz Koch in zehn großformatigen, aufwändig inszenierten Bildern von dem außerirdischen Wesen Minerva, das auf die Erde kommt, um Menschen für existenzielle Dinge zu sensibilisieren. Dabei verarbeitet er Visionen der Zukunft, von der Utopie bis zur Dystopie: Schnelligkeit, Sinnsuche und Klimawandel sind ebenso Thema wie die Reflexion zwischenmenschlicher Strukturen und Konflikte.

In seiner neuen Werkserie erzählt der junge Fotokünstler Moritz Koch in zehn großformatigen, aufwändig inszenierten Bildern von dem außerirdischen Wesen Minerva, das auf die Erde kommt, um Menschen für existenzielle Dinge zu sensibilisieren. Dabei verarbeitet er Visionen der Zukunft, von der Utopie bis zur Dystopie: Schnelligkeit, Sinnsuche und Klimawandel sind ebenso Thema wie die Reflexion zwischenmenschlicher Strukturen und Konflikte.

In seiner neuen Serie setzt sich Bo Larsen malerisch mit den 20er Jahren diesen und des letzten Jahhunderts auseinander. Vom 17.07. - 05.08.2023 ist die Ausstellung geschlossen (Sommerpause).

In seiner neuen Serie setzt sich Bo Larsen malerisch mit den 20er Jahren diesen und des letzten Jahhunderts auseinander. Vom 17.07. - 05.08.2023 ist die Ausstellung geschlossen (Sommerpause).

In seiner neuen Serie setzt sich Bo Larsen malerisch mit den 20er Jahren diesen und des letzten Jahhunderts auseinander. Vom 17.07. - 05.08.2023 ist die Ausstellung geschlossen (Sommerpause).

In seiner neuen Serie setzt sich Bo Larsen malerisch mit den 20er Jahren diesen und des letzten Jahhunderts auseinander. Vom 17.07. - 05.08.2023 ist die Ausstellung geschlossen (Sommerpause).

In seiner neuen Serie setzt sich Bo Larsen malerisch mit den 20er Jahren diesen und des letzten Jahhunderts auseinander. Vom 17.07. - 05.08.2023 ist die Ausstellung geschlossen (Sommerpause).

Die Ausstellung untersucht Bezüge zwischen Kung-Fu-Kultur und Praktiken der Selbstverteidigung in Schwarzen Communities, die letztlich der Selbstfürsorge dienen. Der in Berlin lebende Künstler Philip Crawford (*1988, USA) fordert uns auf, innezuhalten, uns auf die Bilder einzulassen, uns zu entspannen, tief durchzuatmen und den Vorgang anschließend zu wiederholen. Ausgestellt sind eine Videoarbeit und sich daraus ableitende Druckgrafiken.

Die Ausstellung untersucht Bezüge zwischen Kung-Fu-Kultur und Praktiken der Selbstverteidigung in Schwarzen Communities, die letztlich der Selbstfürsorge dienen. Der in Berlin lebende Künstler Philip Crawford (*1988, USA) fordert uns auf, innezuhalten, uns auf die Bilder einzulassen, uns zu entspannen, tief durchzuatmen und den Vorgang anschließend zu wiederholen. Ausgestellt sind eine Videoarbeit und sich daraus ableitende Druckgrafiken.

Die Ausstellung untersucht Bezüge zwischen Kung-Fu-Kultur und Praktiken der Selbstverteidigung in Schwarzen Communities, die letztlich der Selbstfürsorge dienen. Der in Berlin lebende Künstler Philip Crawford (*1988, USA) fordert uns auf, innezuhalten, uns auf die Bilder einzulassen, uns zu entspannen, tief durchzuatmen und den Vorgang anschließend zu wiederholen. Ausgestellt sind eine Videoarbeit und sich daraus ableitende Druckgrafiken.

Die Ausstellung untersucht Bezüge zwischen Kung-Fu-Kultur und Praktiken der Selbstverteidigung in Schwarzen Communities, die letztlich der Selbstfürsorge dienen. Der in Berlin lebende Künstler Philip Crawford (*1988, USA) fordert uns auf, innezuhalten, uns auf die Bilder einzulassen, uns zu entspannen, tief durchzuatmen und den Vorgang anschließend zu wiederholen. Ausgestellt sind eine Videoarbeit und sich daraus ableitende Druckgrafiken.

Das international renommierte Künstlerpaar beschäftigt sich in seiner Serie mit den Gegenpolen Ästhetik und Zerstörung. Die Natur in ihren Arbeiten ist einerseits eine vermeintlich perfekte Wiedergabe dessen, was der Mensch sich von ihr erhofft: eine unberührte Schönheit und Geberin aller Ressourcen und Kräfte. Andererseits wird der Mensch in der Natur mit deren Zerstörung und Eingriff konfrontiert. Die Fotoarbeiten berühren und regen zur weiteren Auseinandersetzung und Reflektion an.

Das international renommierte Künstlerpaar beschäftigt sich in seiner Serie mit den Gegenpolen Ästhetik und Zerstörung. Die Natur in ihren Arbeiten ist einerseits eine vermeintlich perfekte Wiedergabe dessen, was der Mensch sich von ihr erhofft: eine unberührte Schönheit und Geberin aller Ressourcen und Kräfte. Andererseits wird der Mensch in der Natur mit deren Zerstörung und Eingriff konfrontiert. Die Fotoarbeiten berühren und regen zur weiteren Auseinandersetzung und Reflektion an.

Das international renommierte Künstlerpaar beschäftigt sich in seiner Serie mit den Gegenpolen Ästhetik und Zerstörung. Die Natur in ihren Arbeiten ist einerseits eine vermeintlich perfekte Wiedergabe dessen, was der Mensch sich von ihr erhofft: eine unberührte Schönheit und Geberin aller Ressourcen und Kräfte. Andererseits wird der Mensch in der Natur mit deren Zerstörung und Eingriff konfrontiert. Die Fotoarbeiten berühren und regen zur weiteren Auseinandersetzung und Reflektion an.

Das international renommierte Künstlerpaar beschäftigt sich in seiner Serie mit den Gegenpolen Ästhetik und Zerstörung. Die Natur in ihren Arbeiten ist einerseits eine vermeintlich perfekte Wiedergabe dessen, was der Mensch sich von ihr erhofft: eine unberührte Schönheit und Geberin aller Ressourcen und Kräfte. Andererseits wird der Mensch in der Natur mit deren Zerstörung und Eingriff konfrontiert. Die Fotoarbeiten berühren und regen zur weiteren Auseinandersetzung und Reflektion an.

Das international renommierte Künstlerpaar beschäftigt sich in seiner Serie mit den Gegenpolen Ästhetik und Zerstörung. Die Natur in ihren Arbeiten ist einerseits eine vermeintlich perfekte Wiedergabe dessen, was der Mensch sich von ihr erhofft: eine unberührte Schönheit und Geberin aller Ressourcen und Kräfte. Andererseits wird der Mensch in der Natur mit deren Zerstörung und Eingriff konfrontiert. Die Fotoarbeiten berühren und regen zur weiteren Auseinandersetzung und Reflektion an.

Während in Berlin das internationale Filmfestival BERLINALE stattfindet, zeigen wir in einer Doppelausstellung mit dem Polnischen Institut Berlin in einer kleinen Retrospektive das malerische Oeuvre des Altmeisters des polnischen Films Jerzy Skolimowski. In den auf Holz und Leinwand gemalten großformatigen Gemälden mischt er sich in die Diskussionen über aktuelle Themen, wie z.B. die Klimakatastrophe ein.

Während in Berlin das internationale Filmfestival BERLINALE stattfindet, zeigen wir in einer Doppelausstellung mit dem Polnischen Institut Berlin in einer kleinen Retrospektive das malerische Oeuvre des Altmeisters des polnischen Films Jerzy Skolimowski. In den auf Holz und Leinwand gemalten großformatigen Gemälden mischt er sich in die Diskussionen über aktuelle Themen, wie z.B. die Klimakatastrophe ein.

Während in Berlin das internationale Filmfestival BERLINALE stattfindet, zeigen wir in einer Doppelausstellung mit dem Polnischen Institut Berlin in einer kleinen Retrospektive das malerische Oeuvre des Altmeisters des polnischen Films Jerzy Skolimowski. In den auf Holz und Leinwand gemalten großformatigen Gemälden mischt er sich in die Diskussionen über aktuelle Themen, wie z.B. die Klimakatastrophe ein.

Während in Berlin das internationale Filmfestival BERLINALE stattfindet, zeigen wir in einer Doppelausstellung mit dem Polnischen Institut Berlin in einer kleinen Retrospektive das malerische Oeuvre des Altmeisters des polnischen Films Jerzy Skolimowski. In den auf Holz und Leinwand gemalten großformatigen Gemälden mischt er sich in die Diskussionen über aktuelle Themen, wie z.B. die Klimakatastrophe ein.

Axel Teichmanns Kunst stellt meist einzelne menschliche Figuren in oftmals surrealen Situationen dar, so dass sich mit dem Betrachter des Kunstwerks Zwiegespräche und Impulse ergeben. Der Künstler setzt sich mit Identität, Technik, Digitalisierung und gesellschaftlicher Veränderung auseinander. Gemälde, Pastelle auf Papier und Skulpturen aus Acrylglas, die eine mehr abstrahierte und damit neue Komponente in Teichmanns figürlich-realistischer Kunst offerieren, sind in der Ausstellung zu sehen.

Axel Teichmanns Kunst stellt meist einzelne menschliche Figuren in oftmals surrealen Situationen dar, so dass sich mit dem Betrachter des Kunstwerks Zwiegespräche und Impulse ergeben. Der Künstler setzt sich mit Identität, Technik, Digitalisierung und gesellschaftlicher Veränderung auseinander. Gemälde, Pastelle auf Papier und Skulpturen aus Acrylglas, die eine mehr abstrahierte und damit neue Komponente in Teichmanns figürlich-realistischer Kunst offerieren, sind in der Ausstellung zu sehen.

Axel Teichmanns Kunst stellt meist einzelne menschliche Figuren in oftmals surrealen Situationen dar, so dass sich mit dem Betrachter des Kunstwerks Zwiegespräche und Impulse ergeben. Der Künstler setzt sich mit Identität, Technik, Digitalisierung und gesellschaftlicher Veränderung auseinander. Gemälde, Pastelle auf Papier und Skulpturen aus Acrylglas, die eine mehr abstrahierte und damit neue Komponente in Teichmanns figürlich-realistischer Kunst offerieren, sind in der Ausstellung zu sehen.

Axel Teichmanns Kunst stellt meist einzelne menschliche Figuren in oftmals surrealen Situationen dar, so dass sich mit dem Betrachter des Kunstwerks Zwiegespräche und Impulse ergeben. Der Künstler setzt sich mit Identität, Technik, Digitalisierung und gesellschaftlicher Veränderung auseinander. Gemälde, Pastelle auf Papier und Skulpturen aus Acrylglas, die eine mehr abstrahierte und damit neue Komponente in Teichmanns figürlich-realistischer Kunst offerieren, sind in der Ausstellung zu sehen.

Axel Teichmanns Kunst stellt meist einzelne menschliche Figuren in oftmals surrealen Situationen dar, so dass sich mit dem Betrachter des Kunstwerks Zwiegespräche und Impulse ergeben. Der Künstler setzt sich mit Identität, Technik, Digitalisierung und gesellschaftlicher Veränderung auseinander. Gemälde, Pastelle auf Papier und Skulpturen aus Acrylglas, die eine mehr abstrahierte und damit neue Komponente in Teichmanns figürlich-realistischer Kunst offerieren, sind in der Ausstellung zu sehen.

Die Ausstellung zeigt aktuelle Arbeiten zum Thema Natur der in Berlin lebenden Künstlerin Sabine Beyerle (*1975). Wie in der makroskopischen Ansicht eines Insektenfluges taucht der Blick ein in die Farben und Strukturen einer Wiesenlandschaft. Detailliert ausgearbeitete Gräser, Halme und Blüten verweben sich mit abstrakten Pinselstrichen und Schüttungen, die Einblicke in den malerischen Prozess geben.  

Die Ausstellung zeigt aktuelle Arbeiten zum Thema Natur der in Berlin lebenden Künstlerin Sabine Beyerle (*1975). Wie in der makroskopischen Ansicht eines Insektenfluges taucht der Blick ein in die Farben und Strukturen einer Wiesenlandschaft. Detailliert ausgearbeitete Gräser, Halme und Blüten verweben sich mit abstrakten Pinselstrichen und Schüttungen, die Einblicke in den malerischen Prozess geben.  

Die Ausstellung zeigt aktuelle Arbeiten zum Thema Natur der in Berlin lebenden Künstlerin Sabine Beyerle (*1975). Wie in der makroskopischen Ansicht eines Insektenfluges taucht der Blick ein in die Farben und Strukturen einer Wiesenlandschaft. Detailliert ausgearbeitete Gräser, Halme und Blüten verweben sich mit abstrakten Pinselstrichen und Schüttungen, die Einblicke in den malerischen Prozess geben.  

Die Ausstellung zeigt aktuelle Arbeiten zum Thema Natur der in Berlin lebenden Künstlerin Sabine Beyerle (*1975). Wie in der makroskopischen Ansicht eines Insektenfluges taucht der Blick ein in die Farben und Strukturen einer Wiesenlandschaft. Detailliert ausgearbeitete Gräser, Halme und Blüten verweben sich mit abstrakten Pinselstrichen und Schüttungen, die Einblicke in den malerischen Prozess geben.  

Die Ausstellung zeigt aktuelle Arbeiten zum Thema Natur der in Berlin lebenden Künstlerin Sabine Beyerle (*1975). Wie in der makroskopischen Ansicht eines Insektenfluges taucht der Blick ein in die Farben und Strukturen einer Wiesenlandschaft. Detailliert ausgearbeitete Gräser, Halme und Blüten verweben sich mit abstrakten Pinselstrichen und Schüttungen, die Einblicke in den malerischen Prozess geben.  

Nach zwei episch langen Pandemiejahren ersehnen wir einen Sommer neuer Freiheiten und Nächte voller Lustbarkeit. Können wir aber aus dem eingeübten Krisenmodus, der Einsamkeit und Leere, ausbrechen und uns wieder dem Leben, der unheimlich gewordenen Sinnlichkeit hingeben? Oder müssen wir selbst in der befreienden Nacht an den nächsten Morgen und die Geschäftigkeit und Distanzen des Tages denken? Künstler:innen der Galerie suchen, finden und geben Inspiration. Verlängert bis 24. September 2022.

Nach zwei episch langen Pandemiejahren ersehnen wir einen Sommer neuer Freiheiten und Nächte voller Lustbarkeit. Können wir aber aus dem eingeübten Krisenmodus, der Einsamkeit und Leere, ausbrechen und uns wieder dem Leben, der unheimlich gewordenen Sinnlichkeit hingeben? Oder müssen wir selbst in der befreienden Nacht an den nächsten Morgen und die Geschäftigkeit und Distanzen des Tages denken? Künstler:innen der Galerie suchen, finden und geben Inspiration. Verlängert bis 24. September 2022.

Nach zwei episch langen Pandemiejahren ersehnen wir einen Sommer neuer Freiheiten und Nächte voller Lustbarkeit. Können wir aber aus dem eingeübten Krisenmodus, der Einsamkeit und Leere, ausbrechen und uns wieder dem Leben, der unheimlich gewordenen Sinnlichkeit hingeben? Oder müssen wir selbst in der befreienden Nacht an den nächsten Morgen und die Geschäftigkeit und Distanzen des Tages denken? Künstler:innen der Galerie suchen, finden und geben Inspiration. Verlängert bis 24. September 2022.

Nach zwei episch langen Pandemiejahren ersehnen wir einen Sommer neuer Freiheiten und Nächte voller Lustbarkeit. Können wir aber aus dem eingeübten Krisenmodus, der Einsamkeit und Leere, ausbrechen und uns wieder dem Leben, der unheimlich gewordenen Sinnlichkeit hingeben? Oder müssen wir selbst in der befreienden Nacht an den nächsten Morgen und die Geschäftigkeit und Distanzen des Tages denken? Künstler:innen der Galerie suchen, finden und geben Inspiration. Verlängert bis 24. September 2022.

Nach zwei episch langen Pandemiejahren ersehnen wir einen Sommer neuer Freiheiten und Nächte voller Lustbarkeit. Können wir aber aus dem eingeübten Krisenmodus, der Einsamkeit und Leere, ausbrechen und uns wieder dem Leben, der unheimlich gewordenen Sinnlichkeit hingeben? Oder müssen wir selbst in der befreienden Nacht an den nächsten Morgen und die Geschäftigkeit und Distanzen des Tages denken? Künstler:innen der Galerie suchen, finden und geben Inspiration. Verlängert bis 24. September 2022.

Mit Scan werden erstmals in Deutschland Arbeiten des 1991 in Kroatien geborenen und lebenden Künstlers Deni Horvatić gezeigt. In seinen scanartigen Fotografien hebt er die Distanz zwischen ihm und den Porträtierten auf, indem er einen besonderen Blickwinkel wählt: Von unten aufgenommen, nehmen die Bilder ebenso viel, wie sie geben, denn sie verweigern dem Betrachter den Einblick in den Teil des Körpers, den wir am unmittelbarsten mit Identität assoziieren - das Gesicht.

Mit Scan werden erstmals in Deutschland Arbeiten des 1991 in Kroatien geborenen und lebenden Künstlers Deni Horvatić gezeigt. In seinen scanartigen Fotografien hebt er die Distanz zwischen ihm und den Porträtierten auf, indem er einen besonderen Blickwinkel wählt: Von unten aufgenommen, nehmen die Bilder ebenso viel, wie sie geben, denn sie verweigern dem Betrachter den Einblick in den Teil des Körpers, den wir am unmittelbarsten mit Identität assoziieren - das Gesicht.

Mit Scan werden erstmals in Deutschland Arbeiten des 1991 in Kroatien geborenen und lebenden Künstlers Deni Horvatić gezeigt. In seinen scanartigen Fotografien hebt er die Distanz zwischen ihm und den Porträtierten auf, indem er einen besonderen Blickwinkel wählt: Von unten aufgenommen, nehmen die Bilder ebenso viel, wie sie geben, denn sie verweigern dem Betrachter den Einblick in den Teil des Körpers, den wir am unmittelbarsten mit Identität assoziieren - das Gesicht.

Wie findet man Fokussierung in einer diffusen Welt, die Ruhe in Zeiten der Unruhe? In ihrer ersten Einzelausstellung SUR LA TABLE widmet sich die 1994 geborene Wahlberlinerin Anna Tunikova den großen Fragen. Für ihre Auseinandersetzung mit der Gegenwart greift die Künstlerin auf die Vergangenheit zurück und abstrahiert in ihren Gemälden Formen, die an die Steinzeit erinnern. In diesem Spannungsfeld der Zeiten eröffnet sich dem Publikum das Gesuchte: Ruhe und Fokus.

Wie findet man Fokussierung in einer diffusen Welt, die Ruhe in Zeiten der Unruhe? In ihrer ersten Einzelausstellung SUR LA TABLE widmet sich die 1994 geborene Wahlberlinerin Anna Tunikova den großen Fragen. Für ihre Auseinandersetzung mit der Gegenwart greift die Künstlerin auf die Vergangenheit zurück und abstrahiert in ihren Gemälden Formen, die an die Steinzeit erinnern. In diesem Spannungsfeld der Zeiten eröffnet sich dem Publikum das Gesuchte: Ruhe und Fokus.

Wie findet man Fokussierung in einer diffusen Welt, die Ruhe in Zeiten der Unruhe? In ihrer ersten Einzelausstellung SUR LA TABLE widmet sich die 1994 geborene Wahlberlinerin Anna Tunikova den großen Fragen. Für ihre Auseinandersetzung mit der Gegenwart greift die Künstlerin auf die Vergangenheit zurück und abstrahiert in ihren Gemälden Formen, die an die Steinzeit erinnern. In diesem Spannungsfeld der Zeiten eröffnet sich dem Publikum das Gesuchte: Ruhe und Fokus.

Die Fotoausstellung #SpiritOfStBerlin präsentiert Werke des Streetfotografen und Publizisten Martin A. Völker. Seine Berlin-Bilder überraschen mit ungewöhnlichen Ein- und Durchblicken, zwischen der Melancholie des Alltags und dem Aufbruch ins Traumhafte. Vor der Pandemie dominieren Stadtdokumente in stilvollem Schwarz-Weiß sein Schaffen, die sich während der Pandemie in abstrakte und bunte Stadtikonen verwandeln. Berlin cool und heiß zugleich.

Die Fotoausstellung #SpiritOfStBerlin präsentiert Werke des Streetfotografen und Publizisten Martin A. Völker. Seine Berlin-Bilder überraschen mit ungewöhnlichen Ein- und Durchblicken, zwischen der Melancholie des Alltags und dem Aufbruch ins Traumhafte. Vor der Pandemie dominieren Stadtdokumente in stilvollem Schwarz-Weiß sein Schaffen, die sich während der Pandemie in abstrakte und bunte Stadtikonen verwandeln. Berlin cool und heiß zugleich.

Die während der Pandemie entstandenen abstrakten Werke des 1986 geborenen deutsch-dänischen Künstlers weisen eine expressive Farbigkeit auf und entwickeln durch den Einsatz von Neon-Pigmenten eine besondere Leuchtkraft. Die ungewöhnliche Kombination unterschiedlicher Maltechniken machen den Reiz dieser besonderen Farblandschaften aus, die sich zwischen Action Painting, Popart, Street Art und Abstraktion bewegen.