Maria Kokolkhova (geboren in Kiev) hat sich dem Trauma des sinnlosen und brutalen Putin'schen Angriffskrieges gewidmet. Ihr Werk möchte jedoch nicht die Grausamkeiten und das für uns Unverständliche visualisieren, sondern die positive Resilienz der Ukrainer:innen herausstreichen.
Mit Ihrem künstlerischen Projekt "Hope/ Nadija im KioskShop berlin (KSb), Teil von Semjon Contemporary, intoniert sie in schönen zeichenhaften Porzellan-Skulpturen Hoffnung, Zuversicht sowie Standhaftigkeit.

Nach seiner letzten Einzelausstellung "Sansovino 6 Indigo Pop Up Situation" wird der Modesdesigner, Journalist, Aktivist und Bildende Künstler Edward L. Buchanan erneut die Räume der Galerie bespielen und sie mit Leben füllen. Aktueller kann es nicht werden: Die totalitär geprägten Gesellschaften scheinen die demokratischen zu überrennen. Die Diversität bzgl. Hautfarbe und Geschlecht sowie Identität erlebt einen nicht mehr gekannten aggressiven Rückschlag. Die schwer erkämpfte individuelle Freiheit des Menschen, beginnend mit der Aufklärung vor rund 300 Jahren, steht auf dem Pranger. Weaving resilience nimmt dazu Stellung.

Die Geburt der europäischen Moderne im 20. Jahrundert ist nicht ohne den japanischen Holzschnitt (und der afrikanischen Stammeskunst) zu denken. So gründet auch die japanische Künstler-Community in Berlin u.a. auf diese Tatsache.
Die Ausstellung zeichnet ein kleines subjektives Bild der japanischen Community in Berlin. Sie ist eine der größten, hier in Berlin nach dem Mauerfall etablierten, und hilft damit, eine lebendige und diverse Stadt der Künstler aus aller Welt zu schaffen.

Die Geburt der europäischen Moderne im 20. Jahrundert ist nicht ohne den japanischen Holzschnitt (und der afrikanischen Stammeskunst) zu denken. So gründet auch die japanische Künstler-Community in Berlin u.a. auf diese Tatsache.
Die Ausstellung zeichnet ein kleines subjektives Bild der japanischen Community in Berlin. Sie ist eine der größten, hier in Berlin nach dem Mauerfall etablierten, und hilft damit, eine lebendige und diverse Stadt der Künstler aus aller Welt zu schaffen.

Die Form und die Farbe sind nach wie vor das Interesse von Dirk Rathke. Man könnte meinen, dass inzwischen alles ausgelotet wurde, doch überrascht der Künstler immer wieder. Inzwischen spielt sich diese Thema innerhalb der Gevierts (der Gefünfts, etc.) wieder. Innerhalb der äußeren Form (die Leinwandform und somit Hauptform) spielen sich neue Formen und Farbkonstellationen ab, die sein altes Thema frisch und farbfreudig neu besetzen. New Horizons.

L'Art pour l'art ist die größte kraft für das Schaffen von Kunst. Die Kunst musst gemacht werden, weil man/frau sich dabei spürt und das weitermacht, wo man eben aufgehört hat. Ein Werk folgt dem nächsten.
Für Klaus Steinmann ist es eine tägliche Genugtuung, immer wieder neu anzufangen und doch dranzubleiben, an dem, was er als Maler seit Jahrzehnten ausprobiert und entwickelt hat. Panta rhei.
Die jüngsten Werken werden in der kleinen aber feinen Ausstellung vorgestellt.

 

Das Durchdringen von Farben in nebulösen Wolken, die aus unzähligen Farbpunkten bestehen, schafft einen imaginären pointilistischen Raum, in dem man sich verlieren kann. Die visuelle Spannung entsteht aus dem Verhältnis der Farbkonzentrationen, die sich in der Distanz als Formen gerieren, aber beim Näherkommen sich in der Auflösung befinden. Ein stetiger Wechsel von Balance und Disbalance, die wohltariert ein Bild erschaffen, das man so schnell nicht vergisst.

Schon früh war Rick Castro im engen Kontakt mit namhaften Kollegen, die er als Stylist kennenlernte. Die Welt der Mode und der queeren Szenen in Los Angeles (vgl. auch die Coproduktion mit Bruce la Bruce von „Hustler White“, gezeigt auf der Berlinale) haben seine eigene, nicht mainstreamige fotobildnerische Sprache, die auch irritieren kann, entwickeln lassen. Kollaborationen mit und für Gore Vidal, Dalia Lama, Cartier, und Rick Owens u.a. zeugen von seiner multifacettierten Qualität.

Schon früh war Rick Castro im engen Kontakt mit namhaften Kollegen, die er als Stylist kennenlernte. Die Welt der Mode und der queeren Szenen in Los Angeles (vgl. auch die Coproduktion mit Bruce la Bruce von „Hustler White“, gezeigt auf der Berlinale) haben seine eigene, nicht mainstreamige fotobildnerische Sprache, die auch irritieren kann, entwickeln lassen. Kollaborationen mit und für Gore Vidal, Dalia Lama, Cartier, und Rick Owens u.a. zeugen von seiner multifacettierten Qualität.

Als Pop Up-Galerie stellt sich Semjon Contemporary während des Lesbisch-Schwulen Stadtfestes in der Kalckreuthstr. 3 in Schöneberg vor.

Die Fotografieausstellung exzerpiert die Ausstellung  "_re_flection" bei Semjon Contemporary, die am 12. Juli zu Ende gegangen ist. Das Bild vom Mann und die Welt, von Fotografen gemacht.

Samstag, 19.7., von 12 – 21; Sonntag, 20.7., von 12 – 18 Uhr

Als Pop Up-Galerie stellt sich Semjon Contemporary während des Lesbisch-Schwulen Stadtfestes in der Kalckreuthstr. 3 in Schöneberg vor.

Die Fotografieausstellung exzerpiert die Ausstellung  "_re_flection" bei Semjon Contemporary, die am 12. Juli zu Ende gegangen ist. Das Bild vom Mann und die Welt, von Fotografen gemacht.

Samstag, 19.7., von 12 – 21; Sonntag, 20.7., von 12 – 18 Uhr

Die Ausstellung ehrt die beiden Galeriekünstlerinnen Renate Hampke und Ursula Sax, die beide in diesen Tagen 90 Jahre alt werden. 
Beide sind 1935 geboren, doch ihre Lebenswege waren grundverschieden. So ist es auch ihr Werk. Klassisch begonnen als Bildhauerin, hat Sax sich immer mehr in den Raum gewagt, bis hin zum Performativen. Hampke kam vom Performativen und artbeitet seit den 1990er Jahre mit Materialien wie Seife und Fahrradschläuchen. Ein zweites Mal treffen sie nun aufeinander.

Die Ausstellung ehrt die beiden Galeriekünstlerinnen Renate Hampke und Ursula Sax, die beide in diesen Tagen 90 Jahre alt werden. 
Beide sind 1935 geboren, doch ihre Lebenswege waren grundverschieden. So ist es auch ihr Werk. Klassisch begonnen als Bildhauerin, hat Sax sich immer mehr in den Raum gewagt, bis hin zum Performativen. Hampke kam vom Performativen und artbeitet seit den 1990er Jahre mit Materialien wie Seife und Fahrradschläuchen. Ein zweites Mal treffen sie nun aufeinander.

Der Blick nach Außen ist immer auch ein Blick nach Innen, egal ob es Porträts von Männern von Männern oder andere Objekte oder auch in Kombination sind. Das Objekt verweist immer auf das Subjekt, verweist auf die Persönlichkeit des Fotografen auf seine Neugier und Lust auf das Objekt, auf die Welt.

Male Shibaris Kunst ist perfekt in der wohlponderierten (Bild- und Körper-!)Spannung: Höchste Versammlung und ausgeglichenen Ruhe. Die Ausleuchtung der Aktionsbühne mit dem im weichen Licht getauchten schwebenden Körper, umgeben von einer scharzen Dunkelheit, lassen zwei Welten, die der Aktion und die des künstlerischen Mediums Fotografie überzeugend zu einer werden.

 

An Male Shibari kommt man inzwischen nicht herum, wenn man sich für die Kulturtechnik des shibari interessiert. Aus aller Welt kommen die Männer zu ihm ins Studio, die von diesem shibari-Meister gefesselt und fotografiert werden möchten. Die Lichttechnik bei Male Shibari ist sorgfältig geplant. Er löst sich hier von der Lichtführung in der klassischen shibari-Fotografie und verwendet wie in der ihn inspirierenden Barockmalerei nur eine Lichtquelle.

An Male Shibari kommt man inzwischen nicht herum, wenn man sich für die Kulturtechnik des shibari interessiert. Aus aller Welt kommen die Männer zu ihm ins Studio, die von diesem shibari-Meister gefesselt und fotografiert werden möchten. Die Lichttechnik bei Male Shibari ist sorgfältig geplant. Er löst sich hier von der Lichtführung in der klassischen shibari-Fotografie und verwendet wie in der ihn inspirierenden Barockmalerei nur eine Lichtquelle.

Das Rauschen der Farbe kann u.a. bedeuten, dass das Kunstwerk als Sender aktiv durch seine Farbwirkung und Farbkraft in den Raum hineinstrahlt und strömt. Natürlich könnte auch die Wirkung auf den Betrachter, dem Empfänger ein Aspekt dabei sein: Das Berauscht- und Betörtsein durch die Wirkung der Farbmächtigkeit, ob monochromer Natur oder durch die Dissonanzen und Assonanzen der Farben zueinander auf der Leinwand oder dem Bildträger.

Die (Lebens-)Zeit zu reflektieren, zu denken und vorrauszuschauen mag einem jeden zwischendurch im Leben notwendig sein. Ursula Sax, die in diesem Jahr 90 Jahre alt wird, hat daraus eine Werkgruppe, die „Unuhren“ zu Beginn des Milleniums begonnen und wird diese in verschiedenen Medien weiterentwickeln. Wir dürfen gespannt sein. Die Zeit wird überraschend gegen den Strich gebürstet. Die Uhr tickt…

Die (Lebens-)Zeit zu reflektieren, zu denken und vorrauszuschauen mag einem jeden zwischendurch im Leben notwendig sein. Ursula Sax, die in diesem Jahr 90 Jahre alt wird, hat daraus eine Werkgruppe, die „Unuhren“ zu Beginn des Milleniums begonnen und wird diese in verschiedenen Medien weiterentwickeln. Wir dürfen gespannt sein. Die Zeit wird überraschend gegen den Strich gebürstet. Die Uhr tickt…

Papier ist ist das Material schlechthin für die Künstlerin Li Silberberg. Nutzt sie es für ihre Bilder und Künstlerbücher (vgl. "Bibliothek"!), geht sie mit ihm eine sehr enge geistige und physische Beziehung ein. So eng, dass sie mit ihren Händen die weichen und nassen Papiere mit ihren Händen regelrecht zerreibt, in die noch einigermaßen glatte Oberfläche eindringt. Die Leinwandwerke sind in ihren massiven Schichtungen besonders radikal und voluminös und haptisch und laden ein zur Augenfahrt.

Der in Shiga (Japan) lebende Künstler Takayuki Daikoku kehrt nach 6 Jahren nach Berlin zurück, um seine jüngsten Werke zu präsentieren.
Es sind zum einen seine Holzskulpturen aus der Werkserie "Ceres" zu sehen, archaisch anmutende Gebilde, die sich nach innen öffnen und einzeln, oder als Zwilling oder Drilling daherkommen. Die "Folded Drawing Dot"-Reihe ist die konsequente Fortsetzung seiner "Faltzeichnungen", die er 2016 in Japan begann. Die Zeichnungen werden pastisch in den Raum gehoben.

Der in Shiga (Japan) lebende Künstler Takayuki Daikoku kehrt nach 6 Jahren nach Berlin zurück, um seine jüngsten Werke zu präsentieren.
Es sind zum einen seine Holzskulpturen aus der Werkserie "Ceres" zu sehen, archaisch anmutende Gebilde, die sich nach innen öffnen und einzeln, oder als Zwilling oder Drilling daherkommen. Die "Folded Drawing Dot"-Reihe ist die konsequente Fortsetzung seiner "Faltzeichnungen", die er 2016 in Japan begann. Die Zeichnungen werden pastisch in den Raum gehoben.

Sein eigenwilliges und gleichzeitig souveränes Komponieren, das Balancieren und das In-Beziehung-Setzen von Volumen, Farbe und Gestalt zeichnet das Werk von Colin Ardley aus. Ponderation ist der alles umschreibende Begriff dafür. Der Künstler braucht Monate, bei großen Werken gar Jahre, bis die Ponderation ihre ideale Mitte erreicht hat. Das Werk muss wachsen – langsam – ein Teil dockt an das andere an, dehnt sich aus in den Raum und wird zur Parabel der Zeit.

Sein eigenwilliges und gleichzeitig souveränes Komponieren, das Balancieren und das In-Beziehung-Setzen von Volumen, Farbe und Gestalt zeichnet das Werk von Colin Ardley aus. Ponderation ist der alles umschreibende Begriff dafür. Der Künstler braucht Monate, bei großen Werken gar Jahre, bis die Ponderation ihre ideale Mitte erreicht hat. Das Werk muss wachsen – langsam – ein Teil dockt an das andere an, dehnt sich aus in den Raum und wird zur Parabel der Zeit.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Licht und Schatten sind die Partner der Künstlerin, wenn sie z.B. aus Papierbögen durch physichen Druck und Beharrlichkeit Reliefs schafft, die sich plastisch in den Raum ausdehnen (die Lumière-Werke), oder als 'abstrakt-organische Gewächse' dem papiernen Grund entspringen. Auch ihre Bright Cells, Skulpturen aus formbarem Material, sowie Objektivlinsen, Spiegeln und behandeltem Leder, arbeiten mit dem Licht. Nur dass sie es einfangen und der Skulptur ein reiches Innenleben bescheren.

Licht und Schatten sind die Partner der Künstlerin, wenn sie z.B. aus Papierbögen durch physichen Druck und Beharrlichkeit Reliefs schafft, die sich plastisch in den Raum ausdehnen (die Lumière-Werke), oder als 'abstrakt-organische Gewächse' dem papiernen Grund entspringen. Auch ihre Bright Cells, Skulpturen aus formbarem Material, sowie Objektivlinsen, Spiegeln und behandeltem Leder, arbeiten mit dem Licht. Nur dass sie es einfangen und der Skulptur ein reiches Innenleben bescheren.

Papier ist für die in der Nähe von Tokio lebende Künstlerin ein sehr wichtiges Material. Hitomi Uchikuras Serie Lumière, entstanden durch physische Krafteinwirkung auf das Papier, schwebt als große rechteckige Papierscheibe mit ihren zahlreichen plastischen konkaven Medaillons vor der Wand und strahlt eine Ruhe und gebündelte Kraft aus. Ihre Glasskulpturen mit farbigen Leder bezogen bilden ein folgerichtiges Pendent zu den Lumière-Scheiben. Das Licht wird in die Unendlichkeit geführt.

Papier ist für die in der Nähe von Tokio lebende Künstlerin ein sehr wichtiges Material. Hitomi Uchikuras Serie Lumière, entstanden durch physische Krafteinwirkung auf das Papier, schwebt als große rechteckige Papierscheibe mit ihren zahlreichen plastischen konkaven Medaillons vor der Wand und strahlt eine Ruhe und gebündelte Kraft aus. Ihre Glasskulpturen mit farbigen Leder bezogen bilden ein folgerichtiges Pendent zu den Lumière-Scheiben. Das Licht wird in die Unendlichkeit geführt.

Der Zweite Teil dieser Austellungsreihe konzentriert sich auf Malerei (Shachar, Kohlmetz, Thiel und Gast) sowie Zeichnung (Shachar, Kohlmetz, Kaehne und Gast) und die Skulptur (Shachar, Kaehne und Gast). Wie lässt sich das Bild des Menschen heute in der zeitgenössichen Kunst darstellen, wenn wir es längst durch die digitalen Social Media von Bildern von Bildern, von Skulpturen und Menschen visuell überfoerdert sind. Teil I von en face war der Fotografie gewidmet.

Der Zweite Teil dieser Austellungsreihe konzentriert sich auf Malerei (Shachar, Kohlmetz, Thiel und Gast) sowie Zeichnung (Shachar, Kohlmetz, Kaehne und Gast) und die Skulptur (Shachar, Kaehne und Gast). Wie lässt sich das Bild des Menschen heute in der zeitgenössichen Kunst darstellen, wenn wir es längst durch die digitalen Social Media von Bildern von Bildern, von Skulpturen und Menschen visuell überfoerdert sind. Teil I von en face war der Fotografie gewidmet.

Die Ausstellung gibt Einblick über das Werk von Ute Essig und Henrik U. Müller, die auch als Künstler:inenn eine Ateliergemeinschaft bilden. Die Berliner Plastersteine aus Porzellan als Wandbild von Ute Essig sind nicht nur schön, sondern irritieren, weil das ursprüngliche Granitmaterial kontrastiert wird durch die gegenteilige Konnotation von Porzellan: wertvoll und fragil: Das Tafelwerk von Henrik Müller ist ein Kompositwerk aus Fotografie, Goldgrund und Lack und besticht durch seine Eleganz.

Die Ausstellung gibt Einblick über das Werk von Ute Essig und Henrik U. Müller, die auch als Künstler:inenn eine Ateliergemeinschaft bilden. Die Berliner Plastersteine aus Porzellan als Wandbild von Ute Essig sind nicht nur schön, sondern irritieren, weil das ursprüngliche Granitmaterial kontrastiert wird durch die gegenteilige Konnotation von Porzellan: wertvoll und fragil: Das Tafelwerk von Henrik Müller ist ein Kompositwerk aus Fotografie, Goldgrund und Lack und besticht durch seine Eleganz.

Prochnow wäre nicht Prochnow, würde er nicht wieder ein Konzert mannigfaltiger Materialien, Formen und Farben vorführen. Und das in verschiedenen künstlerischen Gattungen. Von der großen Wandskulptur Kristallo 3 über eine Serie von Wandobjekten, den Holzbildern, bis zu den Fotografien (als Pigmentdruck) und dem begleitenden Siebdruck. In der Zeit der Klimakrise und Ressourcenverknappung ist der Künstler schon seit 20 Jahre dabei, ein nachhaltiges Kunstproduzieren als Konzept zu realisieren.

Prochnow wäre nicht Prochnow, würde er nicht wieder ein Konzert mannigfaltiger Materialien, Formen und Farben vorführen. Und das in verschiedenen künstlerischen Gattungen. Von der großen Wandskulptur Kristallo 3 über eine Serie von Wandobjekten, den Holzbildern, bis zu den Fotografien (als Pigmentdruck) und dem begleitenden Siebdruck. In der Zeit der Klimakrise und Ressourcenverknappung ist der Künstler schon seit 20 Jahre dabei, ein nachhaltiges Kunstproduzieren als Konzept zu realisieren.

In zahlreichen Arbeitsschritten wächst die abstrakte Malerei von Bettina Weiß Schicht für Schicht und wird aufgeladen mit der Energie der Künstlerin. Die Farben ozillieren aus den verschiedenen Tiefen des Malauftrags und schwingen in den Raum. Die Leichtigkeit dieser neuen Werke poppt regelrecht auf wie Juwelen, die vor den blau gefassten Wänden besonders stark leuchten.

In zahlreichen Arbeitsschritten wächst die abstrakte Malerei von Bettina Weiß Schicht für Schicht und wird aufgeladen mit der Energie der Künstlerin. Die Farben ozillieren aus den verschiedenen Tiefen des Malauftrags und schwingen in den Raum. Die Leichtigkeit dieser neuen Werke poppt regelrecht auf wie Juwelen, die vor den blau gefassten Wänden besonders stark leuchten.

Die Ausstellung versammelt verschiedenen Positionen zur klassischen zeitgenössichen Porträtfotografie und gibt zusätzlich Raum für experimentell-künstlerische Ansätze. Gezeigt werden Werke von 15 Künstler:innen, von Jürgen Baumann, Mathias Bothor, Katja Flint, Andreas Fux, Norbert Heuler, Nataly Hocke, Henrik U. Müller, Angelika Platen, Susanne Pomrehn, Gerda Schütte, Jan Sobottka, Ingo Taubhorn, Stefan Thiel und Barbara Vallribera

Ein Schwerpunkt im Galerieprogramm ist die Abstraktion, die sich von der Geometrischen Kunst bis zur Post Minimal Art erstreckt. Werke aktueller Produktion der Mehrheit der Galeriekünstler:innen und von ausgewählten Gästen werden gezeigt und einigen früheren Beispielen der 1970er Jahre gegenübergestellt. Die Malerei dominiert, aber auch andere Gattungen finden sich wieder. Von der Skulptur über die Zeichnung bis zum Fotogramm.

Einen solchen Geburtstag, und dann noch gleich von 2 Galeriekünstlerinnen, die beide 88. Jahre alt werden, ist ein seltenes Ereignis. Das gilt es zu würdigen! In der kurzen Sonderausstellung "2 x 88 – Circular Encounter" treffen zwei Kunstwerke aufeinander, die es in sich haben und miteinander in den Dialog treten, wobei Renate Hampke auf die jüngst erst gerfertigte Papierscheibe (blau) von Ursula Sax antwortet. Minimal und doch kraftvoll!

Die Technik des haptisch-plastischen Auftragens der Farbpigmente auf Aluminium suggeriert Malerei, weil das Pigment zum eigenständigen Material wird und nicht nur Vermittler oder Träger von Farbe ist. Dass die Künstlerin die Malerei in Lichtmalerei präzisiert, ist zum einen der Physik geschuldet, ist doch Farbe nichts anderes als Licht in einem definierten Wellenlängenbereich. Sie verweist auch auf den Entstehungsprozess der Werke, der das Bildresultat erst generiert. 

Ich liebe Dinge, die verschwinden, wieder auftauchen und wieder verschwinden können. Sie sind so weich und zerbrechlich. Aber sie hinterlassen einen langen Eindruck. (Zitat eines Kommentars zu diesem Werk durch Seungjun Lee)

Die UniSA-Studienreisegruppe von Architektur- und Kunststudenten der University of South Australia erkundet das Bauhaus in Weimar und seine Auswirkungen bis heute. In Berlin folgt ein gemeinsamer Workshop in den Räumen des CityLAB:Berlin, der in eine Ausstellung bei Semjon Contemporary, der Berliner Galerie von Michael Kutschbach, mündet.

Ausgediente Violinen dienen als Material für eine raumfüllende Installation. Die Bildendende Künstlerin und Musikerin Nataly Hocke verschränkt in diesem Werk ihre beiden Leidenschaften und führt uns in ihre Welt, die zugleich offen ist für unsere Projektionen.

Ausgediente Violinen dienen als Material für eine raumfüllende Installation. Die Bildendende Künstlerin und Musikerin Nataly Hocke verschränkt in diesem Werk ihre beiden Leidenschaften und führt uns in ihre Welt, die zugleich offen ist für unsere Projektionen.

Das Hauptwerk, eine lebensecht wirkende nackte Frau in ihren besten Jahren auf ihrem Bett sitzend, sich ihren Schritt mit dem Spiegel betrachtend, sorgt für Irritation. Insbesondere im Kontext des Ausstellungstitels und des Namens des Werkszyklus "Mutter". Ist es die Mutter oder die Geliebte des Künstlers? Oder steht sie stellvertretend für das weibliche Menschengeschlecht, das uns allen mindestens als Mutter gegenwärtig ist? Ist dieser Verismus einfach nur ein Porträt, oder eine Huldigung?

Auf dem ersten Blick scheinen uns die Landschaftsmalereien von Stefan Thiel wie romantische Zeugnisse deutsche (Kultur-)Landschaften. Ein beklemmendes Gefühl kann sich auftun beim längeren Betrachten. Warum? Sicherlich deshalb, weil eine nicht näher zu definierende 'bleierne' Schwere über die bildhübschen Motive liegt. Eine Ahnung könnte sich auftun und sie wird zur Gewissheit, wenn man um den 'vergifteten' histroischen Hintergrund dieser romantisch erscheinenden Landstriche weiß.

Ausgehend von seinem Künstlerbuch "In SHAPE" von 2022 mit 1000 geometrischen Zeichnungen, dienen diese wiederum als Matrix für weitere Kunstwerkserien, die sich in der Technik und Material unterscheiden. Vom computergefrästen Relief über die Lackarbeiten auf Alu-Dibond oder Brandzeichnungen zeigen sie eine Fülle von Möglichkeiten, die Dave Grossmanns analytisches System entspringen und sich zudem durch hohe Handwerkskunst auszeichnen. Ein Konzert für die Sinne wird generiert!

Ausgehend von seinem Künstlerbuch "In SHAPE" von 2022 mit 1000 geometrischen Zeichnungen, dienen diese wiederum als Matrix für weitere Kunstwerkserien, die sich in der Technik und Material unterscheiden. Vom computergefrästen Relief über die Lackarbeiten auf Alu-Dibond oder Brandzeichnungen zeigen sie eine Fülle von Möglichkeiten, die Dave Grossmanns analytisches System entspringen und sich zudem durch hohe Handwerkskunst auszeichnen. Ein Konzert für die Sinne wird generiert!

Zentral in der Mitte des Raumes leuchtet die große Hängeskulptur Negligé Illuminé zart in den KioskShop-Raum hinein. Wie ein Gemälde aus einer anderen Zeit – man könnte an Malereien von Georgia O'Keeffe oder Tamara Lempicka aus der Zeit der Klassischen Moderne denken – entfaltet sich organisch in großen faltenreichen Schwüngen, sich aufblätternd die an eine kopfüber hängende Rosenblüte erinnernden Form. 

Zentral in der Mitte des Raumes leuchtet die große Hängeskulptur Negligé Illuminé zart in den KioskShop-Raum hinein. Wie ein Gemälde aus einer anderen Zeit – man könnte an Malereien von Georgia O'Keeffe oder Tamara Lempicka aus der Zeit der Klassischen Moderne denken – entfaltet sich organisch in großen faltenreichen Schwüngen, sich aufblätternd die an eine kopfüber hängende Rosenblüte erinnernden Form. 

Nach einer 11 jährigen Pause wird die Reihe der Interventions-Ausstellungen wieder aufgenommen. Petra Tödter wird mit ihren abstrakten geometrischen und farbfreudigen Sulpturen und Objekten einen spannenden Kontrast zum begehbaren Gesamtkunstwerk KioskShop berlin (KSb) setzen.

"innocence" versammelt die Protagonisten, die das natürlich erscheinende Selbstverständnis dieser jungen Menschen einfängt und betörend sowie verstörende Männerporträts schafft, die durch ihr Unangestrengtsein und ihre unschuldige Natürlichkeit den Betrachter, die Betrachterin ‚kalt erwischt‘. 

Andreas Fux und seine Protagonisten lassen  uns teilhaben an einer neuen Generation, die mit unverstelltem Blick sich selbst darstellt und auch ihr eigenes Leben zu leben selbstbewusst einfordert.

Zurück zum Start meint so etwas wie einen Neuanfang: Nach erfolgreichem Kampf um die Galerieräume in der Schröderstraße in Mitte, bringen wir alle Künstler:innen mit ihren Werken zusammen. Das Konzert der verschiedenen künstlerischen Positionen fasst zusammen, was das Programm der Galerie ausmacht: Es spannt sich von der konzeptuellen Abstraktion über das narrrativ Symbolbehaftete bis zum vermeintlichen Abbild des Menschen. Der KioskShop berlin (KSb) ist weiterhin zu sehen.

2021 hat Michael Kutschbach im Auftrag des Guildhouse in Adelaide ein Mehrkanal-Videoprojekt realisiert, das die Zusammenarbeit und Auseinandersetzung mit dem Adelaide Symphony Orchestra als differenziertem Klangkörper und Organismus zum Thema hat. Jetzt erfährt das Video-Mehrkanal-Kammerstück in Berlin seine deutsche Aufführung.

Diese Ausstellung informiert mit Werkbeispielen über das 70-jährige Schaffen von Ursula Sax (geb. 1935). Die wichtige deutsche Bildhauerin hat mit allen Materialien gearbeitet. Papier als skulpturales Material wurde in den 1980er Jahren, besonders in den 1990ern Jahren und danach für sie wichtig. Seit spätestens 1949 ist Papier wie bei fast allen Bildhauer:innen als Träger von Zeichnungen ihr ständiger Begleiter. Eine gleichnamiges Buch von 520 Seiten wird während der Ausstellung vorgestellt.

Ein Wal strandet in der Schinkelkirche St. Elisabeth in Mitte! Die lebensgroße Skulptur des Künstlers, eine Abformung eines 2018 in Südafrika gestrandeten toten Buckelwals, hat in Berlin seinen großen Auftritt nach seiner ersten Station 2020 im Kunstmuseum Bochum. Der Kirchenraum von St. Elisabeth ist von beträchtlicher Bedeutung, trägt er in sich die Erinnerung an traumatischen, aber auch hoffnungsvollen Ereignissen, und scheint daher der perfekte Ort dafür.

Thomas Prochnow fasst mit dieser Ausstellung die beiden vorangegangenen Ausstellungen "edit_BLACK" und "edit_WHITE" zusammen und stellt seine Fotografien "Der Zweite Öffentliche Raum" seiner intelligent, subversiven und geometrischen Malerei-Interventionen in verlassenen Architekturen und im 'Niemandsland' vor.

Die Corona Pandemie hat unfreiwillig zur Isolation und Einkehr geführt. Erst durch den Verlust haben wir gemerkt, wie wichtig Kunst und Kultur in unserem Leben ist, und wie sie unser soziales Verhalten bestimmt. Die Ausstellung "Sehnsucht nach Kunst" möchte einen Einblick in ihre Schönheit, ihren Tiefgang und die Notwendigkeit von Kunst geben.