Der in Shiga (Japan) lebende Künstler Takayuki Daikoku kehrt nach 6 Jahren nach Berlin zurück, um seine jüngsten Werke zu präsentieren.
Es sind zum einen seine Holzskulpturen aus der Werkserie "Ceres" zu sehen, archaisch anmutende Gebilde, die sich nach innen öffnen und einzeln, oder als Zwilling oder Drilling daherkommen. Die "Folded Drawing Dot"-Reihe ist die konsequente Fortsetzung seiner "Faltzeichnungen", die er 2016 in Japan begann. Die Zeichnungen werden pastisch in den Raum gehoben.

Der in Shiga (Japan) lebende Künstler Takayuki Daikoku kehrt nach 6 Jahren nach Berlin zurück, um seine jüngsten Werke zu präsentieren.
Es sind zum einen seine Holzskulpturen aus der Werkserie "Ceres" zu sehen, archaisch anmutende Gebilde, die sich nach innen öffnen und einzeln, oder als Zwilling oder Drilling daherkommen. Die "Folded Drawing Dot"-Reihe ist die konsequente Fortsetzung seiner "Faltzeichnungen", die er 2016 in Japan begann. Die Zeichnungen werden pastisch in den Raum gehoben.

Sein eigenwilliges und gleichzeitig souveränes Komponieren, das Balancieren und das In-Beziehung-Setzen von Volumen, Farbe und Gestalt zeichnet das Werk von Colin Ardley aus. Ponderation ist der alles umschreibende Begriff dafür. Der Künstler braucht Monate, bei großen Werken gar Jahre, bis die Ponderation ihre ideale Mitte erreicht hat. Das Werk muss wachsen – langsam – ein Teil dockt an das andere an, dehnt sich aus in den Raum und wird zur Parabel der Zeit.

Sein eigenwilliges und gleichzeitig souveränes Komponieren, das Balancieren und das In-Beziehung-Setzen von Volumen, Farbe und Gestalt zeichnet das Werk von Colin Ardley aus. Ponderation ist der alles umschreibende Begriff dafür. Der Künstler braucht Monate, bei großen Werken gar Jahre, bis die Ponderation ihre ideale Mitte erreicht hat. Das Werk muss wachsen – langsam – ein Teil dockt an das andere an, dehnt sich aus in den Raum und wird zur Parabel der Zeit.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Der hier verhandelte Blick, gerne auch erotisch und bisweilen explizit verstanden, möchte die Selbstermächtigung nachzeichnen, den Frauen und den schwulen Männern eigen ist. Die Zwischenstufen innerhalb der LGTBQ-Community bedingt eingeschlossen. Der Blick mäandert zwischen Selbstvergewisserung, der selbstbewussten Behauptung des Ichs und dem Begehren. Fast alle Medien werden vertreten sein, auch KI. In dieser Ausstellung wird der männliche Jahrtausende alte Blick auf die Frau ausgespart.

Licht und Schatten sind die Partner der Künstlerin, wenn sie z.B. aus Papierbögen durch physichen Druck und Beharrlichkeit Reliefs schafft, die sich plastisch in den Raum ausdehnen (die Lumière-Werke), oder als 'abstrakt-organische Gewächse' dem papiernen Grund entspringen. Auch ihre Bright Cells, Skulpturen aus formbarem Material, sowie Objektivlinsen, Spiegeln und behandeltem Leder, arbeiten mit dem Licht. Nur dass sie es einfangen und der Skulptur ein reiches Innenleben bescheren.

Licht und Schatten sind die Partner der Künstlerin, wenn sie z.B. aus Papierbögen durch physichen Druck und Beharrlichkeit Reliefs schafft, die sich plastisch in den Raum ausdehnen (die Lumière-Werke), oder als 'abstrakt-organische Gewächse' dem papiernen Grund entspringen. Auch ihre Bright Cells, Skulpturen aus formbarem Material, sowie Objektivlinsen, Spiegeln und behandeltem Leder, arbeiten mit dem Licht. Nur dass sie es einfangen und der Skulptur ein reiches Innenleben bescheren.

Papier ist für die in der Nähe von Tokio lebende Künstlerin ein sehr wichtiges Material. Hitomi Uchikuras Serie Lumière, entstanden durch physische Krafteinwirkung auf das Papier, schwebt als große rechteckige Papierscheibe mit ihren zahlreichen plastischen konkaven Medaillons vor der Wand und strahlt eine Ruhe und gebündelte Kraft aus. Ihre Glasskulpturen mit farbigen Leder bezogen bilden ein folgerichtiges Pendent zu den Lumière-Scheiben. Das Licht wird in die Unendlichkeit geführt.

Papier ist für die in der Nähe von Tokio lebende Künstlerin ein sehr wichtiges Material. Hitomi Uchikuras Serie Lumière, entstanden durch physische Krafteinwirkung auf das Papier, schwebt als große rechteckige Papierscheibe mit ihren zahlreichen plastischen konkaven Medaillons vor der Wand und strahlt eine Ruhe und gebündelte Kraft aus. Ihre Glasskulpturen mit farbigen Leder bezogen bilden ein folgerichtiges Pendent zu den Lumière-Scheiben. Das Licht wird in die Unendlichkeit geführt.

Der Zweite Teil dieser Austellungsreihe konzentriert sich auf Malerei (Shachar, Kohlmetz, Thiel und Gast) sowie Zeichnung (Shachar, Kohlmetz, Kaehne und Gast) und die Skulptur (Shachar, Kaehne und Gast). Wie lässt sich das Bild des Menschen heute in der zeitgenössichen Kunst darstellen, wenn wir es längst durch die digitalen Social Media von Bildern von Bildern, von Skulpturen und Menschen visuell überfoerdert sind. Teil I von en face war der Fotografie gewidmet.

Der Zweite Teil dieser Austellungsreihe konzentriert sich auf Malerei (Shachar, Kohlmetz, Thiel und Gast) sowie Zeichnung (Shachar, Kohlmetz, Kaehne und Gast) und die Skulptur (Shachar, Kaehne und Gast). Wie lässt sich das Bild des Menschen heute in der zeitgenössichen Kunst darstellen, wenn wir es längst durch die digitalen Social Media von Bildern von Bildern, von Skulpturen und Menschen visuell überfoerdert sind. Teil I von en face war der Fotografie gewidmet.

Die Ausstellung gibt Einblick über das Werk von Ute Essig und Henrik U. Müller, die auch als Künstler:inenn eine Ateliergemeinschaft bilden. Die Berliner Plastersteine aus Porzellan als Wandbild von Ute Essig sind nicht nur schön, sondern irritieren, weil das ursprüngliche Granitmaterial kontrastiert wird durch die gegenteilige Konnotation von Porzellan: wertvoll und fragil: Das Tafelwerk von Henrik Müller ist ein Kompositwerk aus Fotografie, Goldgrund und Lack und besticht durch seine Eleganz.

Die Ausstellung gibt Einblick über das Werk von Ute Essig und Henrik U. Müller, die auch als Künstler:inenn eine Ateliergemeinschaft bilden. Die Berliner Plastersteine aus Porzellan als Wandbild von Ute Essig sind nicht nur schön, sondern irritieren, weil das ursprüngliche Granitmaterial kontrastiert wird durch die gegenteilige Konnotation von Porzellan: wertvoll und fragil: Das Tafelwerk von Henrik Müller ist ein Kompositwerk aus Fotografie, Goldgrund und Lack und besticht durch seine Eleganz.

Prochnow wäre nicht Prochnow, würde er nicht wieder ein Konzert mannigfaltiger Materialien, Formen und Farben vorführen. Und das in verschiedenen künstlerischen Gattungen. Von der großen Wandskulptur Kristallo 3 über eine Serie von Wandobjekten, den Holzbildern, bis zu den Fotografien (als Pigmentdruck) und dem begleitenden Siebdruck. In der Zeit der Klimakrise und Ressourcenverknappung ist der Künstler schon seit 20 Jahre dabei, ein nachhaltiges Kunstproduzieren als Konzept zu realisieren.

Prochnow wäre nicht Prochnow, würde er nicht wieder ein Konzert mannigfaltiger Materialien, Formen und Farben vorführen. Und das in verschiedenen künstlerischen Gattungen. Von der großen Wandskulptur Kristallo 3 über eine Serie von Wandobjekten, den Holzbildern, bis zu den Fotografien (als Pigmentdruck) und dem begleitenden Siebdruck. In der Zeit der Klimakrise und Ressourcenverknappung ist der Künstler schon seit 20 Jahre dabei, ein nachhaltiges Kunstproduzieren als Konzept zu realisieren.

In zahlreichen Arbeitsschritten wächst die abstrakte Malerei von Bettina Weiß Schicht für Schicht und wird aufgeladen mit der Energie der Künstlerin. Die Farben ozillieren aus den verschiedenen Tiefen des Malauftrags und schwingen in den Raum. Die Leichtigkeit dieser neuen Werke poppt regelrecht auf wie Juwelen, die vor den blau gefassten Wänden besonders stark leuchten.

In zahlreichen Arbeitsschritten wächst die abstrakte Malerei von Bettina Weiß Schicht für Schicht und wird aufgeladen mit der Energie der Künstlerin. Die Farben ozillieren aus den verschiedenen Tiefen des Malauftrags und schwingen in den Raum. Die Leichtigkeit dieser neuen Werke poppt regelrecht auf wie Juwelen, die vor den blau gefassten Wänden besonders stark leuchten.

Die Ausstellung versammelt verschiedenen Positionen zur klassischen zeitgenössichen Porträtfotografie und gibt zusätzlich Raum für experimentell-künstlerische Ansätze. Gezeigt werden Werke von 15 Künstler:innen, von Jürgen Baumann, Mathias Bothor, Katja Flint, Andreas Fux, Norbert Heuler, Nataly Hocke, Henrik U. Müller, Angelika Platen, Susanne Pomrehn, Gerda Schütte, Jan Sobottka, Ingo Taubhorn, Stefan Thiel und Barbara Vallribera

Ein Schwerpunkt im Galerieprogramm ist die Abstraktion, die sich von der Geometrischen Kunst bis zur Post Minimal Art erstreckt. Werke aktueller Produktion der Mehrheit der Galeriekünstler:innen und von ausgewählten Gästen werden gezeigt und einigen früheren Beispielen der 1970er Jahre gegenübergestellt. Die Malerei dominiert, aber auch andere Gattungen finden sich wieder. Von der Skulptur über die Zeichnung bis zum Fotogramm.

Einen solchen Geburtstag, und dann noch gleich von 2 Galeriekünstlerinnen, die beide 88. Jahre alt werden, ist ein seltenes Ereignis. Das gilt es zu würdigen! In der kurzen Sonderausstellung "2 x 88 – Circular Encounter" treffen zwei Kunstwerke aufeinander, die es in sich haben und miteinander in den Dialog treten, wobei Renate Hampke auf die jüngst erst gerfertigte Papierscheibe (blau) von Ursula Sax antwortet. Minimal und doch kraftvoll!

Die Technik des haptisch-plastischen Auftragens der Farbpigmente auf Aluminium suggeriert Malerei, weil das Pigment zum eigenständigen Material wird und nicht nur Vermittler oder Träger von Farbe ist. Dass die Künstlerin die Malerei in Lichtmalerei präzisiert, ist zum einen der Physik geschuldet, ist doch Farbe nichts anderes als Licht in einem definierten Wellenlängenbereich. Sie verweist auch auf den Entstehungsprozess der Werke, der das Bildresultat erst generiert. 

Ich liebe Dinge, die verschwinden, wieder auftauchen und wieder verschwinden können. Sie sind so weich und zerbrechlich. Aber sie hinterlassen einen langen Eindruck. (Zitat eines Kommentars zu diesem Werk durch Seungjun Lee)

Die UniSA-Studienreisegruppe von Architektur- und Kunststudenten der University of South Australia erkundet das Bauhaus in Weimar und seine Auswirkungen bis heute. In Berlin folgt ein gemeinsamer Workshop in den Räumen des CityLAB:Berlin, der in eine Ausstellung bei Semjon Contemporary, der Berliner Galerie von Michael Kutschbach, mündet.

Ausgediente Violinen dienen als Material für eine raumfüllende Installation. Die Bildendende Künstlerin und Musikerin Nataly Hocke verschränkt in diesem Werk ihre beiden Leidenschaften und führt uns in ihre Welt, die zugleich offen ist für unsere Projektionen.

Ausgediente Violinen dienen als Material für eine raumfüllende Installation. Die Bildendende Künstlerin und Musikerin Nataly Hocke verschränkt in diesem Werk ihre beiden Leidenschaften und führt uns in ihre Welt, die zugleich offen ist für unsere Projektionen.

Das Hauptwerk, eine lebensecht wirkende nackte Frau in ihren besten Jahren auf ihrem Bett sitzend, sich ihren Schritt mit dem Spiegel betrachtend, sorgt für Irritation. Insbesondere im Kontext des Ausstellungstitels und des Namens des Werkszyklus "Mutter". Ist es die Mutter oder die Geliebte des Künstlers? Oder steht sie stellvertretend für das weibliche Menschengeschlecht, das uns allen mindestens als Mutter gegenwärtig ist? Ist dieser Verismus einfach nur ein Porträt, oder eine Huldigung?

Auf dem ersten Blick scheinen uns die Landschaftsmalereien von Stefan Thiel wie romantische Zeugnisse deutsche (Kultur-)Landschaften. Ein beklemmendes Gefühl kann sich auftun beim längeren Betrachten. Warum? Sicherlich deshalb, weil eine nicht näher zu definierende 'bleierne' Schwere über die bildhübschen Motive liegt. Eine Ahnung könnte sich auftun und sie wird zur Gewissheit, wenn man um den 'vergifteten' histroischen Hintergrund dieser romantisch erscheinenden Landstriche weiß.

Ausgehend von seinem Künstlerbuch "In SHAPE" von 2022 mit 1000 geometrischen Zeichnungen, dienen diese wiederum als Matrix für weitere Kunstwerkserien, die sich in der Technik und Material unterscheiden. Vom computergefrästen Relief über die Lackarbeiten auf Alu-Dibond oder Brandzeichnungen zeigen sie eine Fülle von Möglichkeiten, die Dave Grossmanns analytisches System entspringen und sich zudem durch hohe Handwerkskunst auszeichnen. Ein Konzert für die Sinne wird generiert!

Ausgehend von seinem Künstlerbuch "In SHAPE" von 2022 mit 1000 geometrischen Zeichnungen, dienen diese wiederum als Matrix für weitere Kunstwerkserien, die sich in der Technik und Material unterscheiden. Vom computergefrästen Relief über die Lackarbeiten auf Alu-Dibond oder Brandzeichnungen zeigen sie eine Fülle von Möglichkeiten, die Dave Grossmanns analytisches System entspringen und sich zudem durch hohe Handwerkskunst auszeichnen. Ein Konzert für die Sinne wird generiert!

Zentral in der Mitte des Raumes leuchtet die große Hängeskulptur Negligé Illuminé zart in den KioskShop-Raum hinein. Wie ein Gemälde aus einer anderen Zeit – man könnte an Malereien von Georgia O'Keeffe oder Tamara Lempicka aus der Zeit der Klassischen Moderne denken – entfaltet sich organisch in großen faltenreichen Schwüngen, sich aufblätternd die an eine kopfüber hängende Rosenblüte erinnernden Form. 

Zentral in der Mitte des Raumes leuchtet die große Hängeskulptur Negligé Illuminé zart in den KioskShop-Raum hinein. Wie ein Gemälde aus einer anderen Zeit – man könnte an Malereien von Georgia O'Keeffe oder Tamara Lempicka aus der Zeit der Klassischen Moderne denken – entfaltet sich organisch in großen faltenreichen Schwüngen, sich aufblätternd die an eine kopfüber hängende Rosenblüte erinnernden Form. 

Nach einer 11 jährigen Pause wird die Reihe der Interventions-Ausstellungen wieder aufgenommen. Petra Tödter wird mit ihren abstrakten geometrischen und farbfreudigen Sulpturen und Objekten einen spannenden Kontrast zum begehbaren Gesamtkunstwerk KioskShop berlin (KSb) setzen.

"innocence" versammelt die Protagonisten, die das natürlich erscheinende Selbstverständnis dieser jungen Menschen einfängt und betörend sowie verstörende Männerporträts schafft, die durch ihr Unangestrengtsein und ihre unschuldige Natürlichkeit den Betrachter, die Betrachterin ‚kalt erwischt‘. 

Andreas Fux und seine Protagonisten lassen  uns teilhaben an einer neuen Generation, die mit unverstelltem Blick sich selbst darstellt und auch ihr eigenes Leben zu leben selbstbewusst einfordert.

Zurück zum Start meint so etwas wie einen Neuanfang: Nach erfolgreichem Kampf um die Galerieräume in der Schröderstraße in Mitte, bringen wir alle Künstler:innen mit ihren Werken zusammen. Das Konzert der verschiedenen künstlerischen Positionen fasst zusammen, was das Programm der Galerie ausmacht: Es spannt sich von der konzeptuellen Abstraktion über das narrrativ Symbolbehaftete bis zum vermeintlichen Abbild des Menschen. Der KioskShop berlin (KSb) ist weiterhin zu sehen.

2021 hat Michael Kutschbach im Auftrag des Guildhouse in Adelaide ein Mehrkanal-Videoprojekt realisiert, das die Zusammenarbeit und Auseinandersetzung mit dem Adelaide Symphony Orchestra als differenziertem Klangkörper und Organismus zum Thema hat. Jetzt erfährt das Video-Mehrkanal-Kammerstück in Berlin seine deutsche Aufführung.

Diese Ausstellung informiert mit Werkbeispielen über das 70-jährige Schaffen von Ursula Sax (geb. 1935). Die wichtige deutsche Bildhauerin hat mit allen Materialien gearbeitet. Papier als skulpturales Material wurde in den 1980er Jahren, besonders in den 1990ern Jahren und danach für sie wichtig. Seit spätestens 1949 ist Papier wie bei fast allen Bildhauer:innen als Träger von Zeichnungen ihr ständiger Begleiter. Eine gleichnamiges Buch von 520 Seiten wird während der Ausstellung vorgestellt.

Ein Wal strandet in der Schinkelkirche St. Elisabeth in Mitte! Die lebensgroße Skulptur des Künstlers, eine Abformung eines 2018 in Südafrika gestrandeten toten Buckelwals, hat in Berlin seinen großen Auftritt nach seiner ersten Station 2020 im Kunstmuseum Bochum. Der Kirchenraum von St. Elisabeth ist von beträchtlicher Bedeutung, trägt er in sich die Erinnerung an traumatischen, aber auch hoffnungsvollen Ereignissen, und scheint daher der perfekte Ort dafür.

Thomas Prochnow fasst mit dieser Ausstellung die beiden vorangegangenen Ausstellungen "edit_BLACK" und "edit_WHITE" zusammen und stellt seine Fotografien "Der Zweite Öffentliche Raum" seiner intelligent, subversiven und geometrischen Malerei-Interventionen in verlassenen Architekturen und im 'Niemandsland' vor.

Die Corona Pandemie hat unfreiwillig zur Isolation und Einkehr geführt. Erst durch den Verlust haben wir gemerkt, wie wichtig Kunst und Kultur in unserem Leben ist, und wie sie unser soziales Verhalten bestimmt. Die Ausstellung "Sehnsucht nach Kunst" möchte einen Einblick in ihre Schönheit, ihren Tiefgang und die Notwendigkeit von Kunst geben.