Joachim Ickrath hat sich der konstruktivistischen Kunst verschrieben, die auf mathematisch-geometrischen Grundlagen beruht und in der Farbe und Struktur als Grundelemente der Malerei angesehen werden. Ickraths „Gitterbilder“ sind jedoch ebenso Ausdruck überlegter Planung wie sie von Zufällen des Augenblicks bestimmt sind. Seine Arbeiten zeigen einfache, geometrische Formelemente, die durch Reihung, Überlagerung und intensive Farbgebung verändert werden.

Es werden Positionen von sechs international tätigen Künstlerinnen gezeigt, die aus dem Iran stammen, ihre Heimat aus politischen Gründen verlassen mussten und derzeit in unterschiedlichen Ländern der Welt leben und arbeiten. Präsentiert werden Prints, Videos, Objekte und Installationen von Parastou Forouhar, Homa Emami, Samira Hodaei, Simin Keramati, Roshi Rouzbehani und Jinoos Taghizadeh.

Die Ausstellung versammelt eine Auswahl von Bildern aus vier Jahrzehnten, die um zentrale Themen von GALLIs Malerei und Zeichnung kreisen: dem Körper als sich ständig ändernde Form und Behausung und "Austragungs"-Ort für Begehren, Sehnsucht, Wut, Aggression und Angst.

Für die Finalist*innen des diesjährigen Peter und Luise Hager - Preises war das Thema „obsessiv“ Impulsgeber für eine spannende Auseinandersetzung mit ganz unterschiedlichen Bewältigungsphantasien zu Ängsten und Obsessionen: der Lust am Sammeln, Fetischisierung, Perfektionismus, magischem Denken, aggressiven Impulsen, zwanghaften Ordnungssystemen, klaustrophobischen Situationen.

Im Unterschied zu den von Träumen beeinflussten Bildern der Surealist*innen findet Małgorzata Sztremer ihre Bildideen hauptsächlich in Märchen und Mythen, literarischen oder (kunst-)historischen Überlieferungen. Eine zentrale Figur ihrer Bilder der vergangenen Jahre ist Baba Jaga, eine komplexe Figur der weisen Frau mit magischen oder göttlichen Kräften, die tief in der Tradition der slawischen Mythologie verankert ist. Im Gegensatz zum Stereotyp der Hexe als einer bösen Frau mit übernatürlichen Kräften erscheint sie in der Malerei von Małgorzata Sztremer zwar als besondere Erscheinung, jedoch nicht als Symbolträgerin von Gut oder Böse. Das Interesse der Künstlerin an der Figur der Hexe als einer souveränen, unabhängigen Frauengestalt verbindet sich in einigen ihrer Bilder mit dem Interesse der Malerin an der Farbigkeit und Materialität der Minerale.

Die Bildhauerin macht in ihrem Videoarchiv die Intelligenz der Hand sichtbar. Aus einer Vielzahl von Beobachtungen des „manuellen Wissens“ (Hände beim Nähen, Tippen auf Tastaturen, Umlegen

von Schaltern, Bedienen von AR-Funktionen, Auftragen von Farbe, Schleifen von Steinen, Zupfen von Seiten, etc.) hat Mertes einen Korpus angelegt, der Haptisches visualisiert und an dem sich räumliche Transformationsprozesse ablesen lassen können.

Conny Plank war der erste, der sein Mischpult nicht als Medium sondern als Instrument begriffen hat. In seinem Studio bei Köln hat er als Musikproduzent Krautrock-, Ambient und Elektro mit aus der Taufe gehoben und Referenzsounds für alle kommenden Generationen von Bands dieser Art geschaffen. In den 1970er und 1980er Jahren produzierte er die ersten Alben von Musikgruppen wie Kraftwerk, Ultravox, Eurythmics, Kraan, Les Rita Mitsouko, DAF, Neu! und vielen mehr.

In ihrer neuen Serie kombiniert Hisae Ikenage gängige Materialien wie verchromte Rohre und Holzplatten mit Haushaltsgegenständen wie Tabletts, Tassen und Vasen. Die daraus resultierenden Skulpturen sind täuschend funktional und bleiben in einem Zustand der Unvollständigkeit, oszillieren zwischen Konstruktion und Dekonstruktion und suggerieren sowohl Präsenz als auch Abwesenheit.

Das grenzüberschreitende Projekt SaarArt 2023 wendet sich spezifischen Themenfeldern zu: Die Auseinandersetzung mit „Identität“, „Isolation“ und „Vergänglichkeit“ bildet gemeinsam mit einem kritischen Blick auf die Definition und Konstruktion von „Schönheit“ das inhaltliche Gerüst für eine Ausstellung, die an jeder der beteiligten Institutionen im Saarland und Berlin – mit zahlreichen ortsbezogenen Arbeiten und Installationen – ihren eigenen Charakter entfalten wird.

Die Künstlerin Emma Adler wirft mit immersiven Rauminstallationen Schlaglichter in die Untiefen des Internets, untersucht mittels verschiedener Realitätsebenen die menschliche Wahrnehmung als Schlüssel zum Verständnis von Welt. Im Zentrum ihrer Arbeiten steht das Verhältnis von Realität und medialer Repräsentation. (J. Stellmann)

1960 kaufte das Museum of Modern Art zwei Landschaftsfotografien von ihr: Monika von Boch gehörte da bereits zu den wichtigen Fotokünstler*innen der Nachkriegszeit, die im Rückgriff auf das „Neue Sehen“ und die Bauhaus-Fotografie der 1920er und -30er Jahre den Fokus auf das künstlerische Potenzial des Mediums legte. Sie hatte einen wesentlichen Anteil an der Erneuerung einer gestalterischen und experimentellen Fotografie.

Digitale Welten sind ein fester Bestandteil unserer heutigen Realität. Technologie und Algorithmen bestimmen unser Leben, sie beeinflussen unsere Wahrnehmung und Verhalten. Künstler*innen nutzen die Prinzipien

der digitalen Welt für den Diskurs über aktuelle Phänomene sowie über Strukturen im virtuellen Raum. Mit ihren Arbeiten machen sie die komplexen Verstrickungen zwischen virtueller und realer Welt sichtbar.

Die Aufnahmen von Stephan Böhnlein, Fotograf und Musiker der „Deutsche-Radio-Philharmonie-Saarbrücken-Kaiserslautern“, nehmen uns mit auf eine Reise „hinter die Kulissen“: in unbekannte Berufslandschaften, stimmungsvolle Szenen und fremd anmutende Örtlichkeiten.

Sofie Dawos (1926-2010) textile Arbeiten entstehen überwiegend aus dem Material selbst heraus: seinen Eigenschaften, seinen Gestaltungsmöglichkeiten. Zu entdecken gibt es eine Künstlerin, deren Arbeiten lange vergessen waren, die mit ihrem experimentellen Ansatz einen wichtigen Beitrag zur konkreten Kunst geleistet hat.

Das Stipendium „Regards Sans Limites / Blicke ohne Grenzen“ erhalten junge Foto-Künstler*innen aus der Großregion (Saarland, Rheinland-Pfalz, Grand-Est/Frankreich, Luxemburg, Belgien) zur Förderung ihrer Projekte. Fünf Künstler*innen wurden ausgewählt, ihren je eigenen fotografischen Blick auf die Natur zu präsentieren.

Künstler:innen verhandeln seit jeher verschiedene Wahrnehmungsmodi immer wieder aufs Neue und sind die perfekten „Soft-Agitatoren“, um auf aktuelle Gesellschaftsthemen aufmerksam zu machen. Sofern sie Besucher:innen auf einer persönlichen Ebene erreichen, können jene abgeholt werden und danach Aspekte ihres Weltbildes hinterfragen. Die Ausstellung vereint unterschiedliche künstlerische Positionen, die Betrachter:innen durch den Besuch einlädt, aktiv an einer „neuen Zukunft“ mitzugestalten.

Die Installation thematisiert ein politisch brisantes wie sozial gravierendes Geschehen. Sie stellt die unverändert anhaltende Flüchtlingstragödie im Mittelmeer der Zerstrittenheit der EU in der Frage der Zuwanderung gegenüber. Ausgehend von den Bildern der Rettung von Schiffbrüchigen durch das Schiff "Sea-Watch 3" 2019 zieht die Arbeit Verbindungen u.a. zu dem eng mit dem Humanismus verbundenen Werk Beethovens her, dessen 9. Symphonie als Synonym für Völkerverständigung schlechthin gilt