Lieblingswerke, Entdeckungen und neuste Werke

Galerie Gilla Lörcher freut sich sehr, die Digitale Sommer-Ausstellung 2026 mit KünstlerInnen der Galerie zu präsentieren.
Mit dabei sind: Ab van Hanegem, Capucine Vandebrouck, Christian Pilz, Claudia Desgranges, Claudia Zweifel, Francisco Rozas, Ivan Liovik Ebel, Joanna Jones, John Cornu, Quentin Lefranc, Sandrine Mahéo, Simone Strasser, Ute Schendel und Yoana Tuzharova.
Wir wünschen viel Freude beim Online-Sichten auf unserer Website! 

In unserer Summer Show zeigen wir sommerlich-leichte ausgewählte Werke von Künstlerinnen und Künstlerin der Galerie und aus der Galerie - Sammlung.

Wie findet eine Künstlerin oder ein Künstler ihren roten Faden? Sechs Künstlerinnen aus Dänemark
und Deutschland erforschen dieses Thema durch Malerei, Textilkunst und Skulptur. Die Ausstellung greift
die symbolische Bedeutung des Fadens auf – vom Schicksalsfaden in der Mythologie bis hin zum
persönlichen Ausdruck der Kunstschaffenden. Die Ausstellung wurde bereits im Februar 2025 im RADAR, Multikulturhuset Sønderborg, Dänemark, gezeigt. 

Gruppenausstellung zum Jubiläum der Galerie Martin Mertens:

Thorbjørn Bechmann / Antje Blumenstein / Katrin Bremermann / Eline Brontsema / 
Joanna Buchowska / Martin Bünger / Pius Fox / Sébastien Gaudette / Anders Granberg / 
Domenico Grenci / Sebastian Herzau / Matthias Kanter / Peer Kriesel / Simone Lucas / 
Raquel Maulwurf / Tobias Stutz / Michael Tolloy / Tomoyuki Ueno / Tessa Verder u.a.

Dreaming and Drifting vereint neun künstlerische Positionen zwischen Traum, Erinnerung und Wirklichkeit. Erstmals präsentiert die Galerie die Werke von Edward B. Gordon und Ludovic Thiriez: Gordon fängt poetische Momentaufnahmen des Alltags ein, Thiriez erschafft märchenhafte Bildwelten zwischen Natur und Fantasie. Ergänzt wird die Ausstellung u.a. durch Landschaften von Susanne Maurer und Laura Nieto, Guido Siebers amerikanische Szenen sowie Josef Fischnallers faszinierende Metamorphosen.

Gesa Stedman wählt für sich und ihre Kunst eine Verortung  an der Schnittstelle zwischen kulturgeschichtlicher Forschung und Kunst. Für Ihre Werkserie "Afterlives of Empire" setzte sie sich mit der kolonialen Vergangenheit der Humboldt-Universität in Berlin auseinander. Ihre Arbeiten changieren zwischen Sichtbarmachen und Verschlüsselung des Entdeckten und fordern uns Betrachtende dadurch auf, Stellung zu unbequemen gesellschaftlichen Fragen zu beziehen. Ein herausfordernder und vielschichtiger künstlerischer Standpunkt.

Ali Lio Jörg ist eine vielseitige konzeptuell arbeitende Künstlerin: Sie schreibt Geschichten, beobachtet und dokumentiert Naturprozesse bis hin zu Naturkatastrophen, verfolgt persönliche Projekte zu bestimmten Jahreszeiten oder in familiären Zusammenhängen. Das alles verbindende Element hierbei ist die Zeichnung. Mit Holz- und Linoldruck realisiert sie Künstlerbücher, Druckauflagen, experimentelle Druckprojekte wie z.B. in ein Türblatt ihres Elternhauses geschnitzte Familienporträts.     

Giacomo Piussi zeigt neue Zeichnungen, Skulpturen und Gemälde. Außerdem verwandelt er die Galerie durch Wandmalerei in sein zu Hause. 

Conversations in Daydream bewegt sich zwischen Erinnerung, Begehren und stiller Körperlichkeit. Xecon Uddins traumartige Bildwelten zeigen Figuren, Tiere und vegetative Formen in Momenten der Nähe und des Innehaltens. Körper und Natur verschmelzen zu emotionalen Resonanzräumen für Sehnsucht, Fürsorge und Verletzlichkeit. Seine Arbeiten laden dazu ein, den Blick zu verlangsamen und Intimität, Identität und Verbundenheit jenseits eindeutiger Zuschreibungen wahrzunehmen.

Escape Velocity bringt mit Jonas Hödicke und Kiki Karnstein zwei Positionen zusammen, die sich auf sehr unterschiedliche Weise mit Bewegung, Transformation und dem Verlassen vertrauter Bahnen beschäftigen. Hödickes Skulpturen aus Draht und Stahl wirken wie dreidimensionale Zeichnungen im Raum. Karnsteins Bildwelten verbinden Fotografie, Malerei und digitale Bildprozesse zu vielschichtigen Räumen zwischen Erinnerung und Imagination.

Eine Gruppenausstellung mit KünstlerInnen der Galerie.

Ruthi Helbitz Cohen, geboren 1969 in Israel, studierte von 1989 bis 1991 Kunst und Psychologie an der Universität von Haifa. Ihre künstlerische Ausbildung erfolgte von 1992 bis 1998 an der Hamidrasha Kunstschule des Beit Berl College in Kfar Saba und an der Bezalel Akademie für Kunst- und Kunstgewerbe in Jerusalem. Von 2008 bis 2010 studierte sie an der Oranim Hochschule in Tiw‘on mit dem Abschluss Master of Arts. Seit 1994 sind ihre Werke auf Einzel- und Gruppenausstellungen vor allem in Israel und Europa, in diesem Jahr auch in NewYork zu sehen. 2012 hatte sie eine Soloschau im Skulpturenmuseum Beelden aan Zee in Den Haag. Große Beachtung fand 2019 ihre Einzelausstellung „Beloved“ im Open Museum des Industrieparks Tefen in Israel.

«Übern Wald» führt Fotografien von Peter Bialobrzeski, die seit 2021 in allen deutschen Mittelgebirgen entstanden, und Bilder der Malerin Miwa Ogasawara zusammen. Fotograf und Malerin sind befreundet und schätzen die Arbeit des jeweils anderen.

„Rush Hour“ by Pola van den Hövel

Traffic crawls through the city at a walking pace. A few street corners away, a replacement bus service has taken over for a cancelled train line. People wait, push past one another, and make way. Everything is in motion, yet nothing is really moving forward. The metropolis thrives on this contradiction. It offers opportunities while simultaneously draining our energy. We grow accustomed to the fast pace of life, even when it takes its toll.

Artist Nina Bachmann is interested in this feeling. Her paintings are about pushing, pressing, and being driven along. Yet for Bachmann, the city is by no means purely negative. She draws inspiration from its density. The multitude of people and impressions generates an energy that can be both invigorating and exhausting. “You feel so driven, and at the same time, you somehow need it too,” Bachmann says, describing precisely this ambivalence. Her own surroundings often serve as the starting point for her work, as social and societal questions begin there for her. The city therefore appears in her works less as a specific place than as a framework in which to observe how people interact with one another and how these interactions change under pressure. Even the titles of her works read like fragments of everyday life: Rush Hour, Replacement Bus Service, or Staying Home do not refer to extraordinary events. Quite the opposite.

Language itself offers an entry point into Bachmann’s body of work. “Driving, pushing, pressing—these are all terms that also come from hunting,” the artist explains. During a driven hunt, animals are herded together. An animal “presses itself down” when seeking cover. Suddenly, the ordinary movements of the city take on a new meaning. One is the hunted, only to drive someone else through the streets the next moment. The pressure Bachmann describes is passed on. The artist herself observes a change in the way people interact with one another, though she does not pass judgment on it. Those who have to coordinate work, commuting, family, and financial concerns often have only limited attention to spare for what is happening around them. In the city, peace, space, and retreat are privileges. Making these available is not equally easy for everyone. Those with sufficient financial means can afford a quiet apartment, shorten their commute, or leave the city temporarily. What may seem like a personal feeling of stress is therefore also connected to the conditions under which people live.

Nina Bachmann translates these observations into a visual language that appears light and accessible. Her figures are vibrant, physically exaggerated, and at first glance bizarre: hands are oversized, limbs elongated, and perspectives thrown off balance. Bachmann studied communication design and came to painting through graphic design and illustration. This background is still evident in her direct, figurative visual language. The figures in her works may initially appear cute or absurd, and the titles, too, often have something laconic, almost humorous about them. Bachmann understands humour as an entry point. With prolonged viewing, uncertainty and exhaustion emerge. The paintings therefore do not work despite their comedy, but precisely because of it. The figures can be read as carriers of a feeling familiar to many: the attempt to keep up, to establish boundaries, and yet not disappear entirely into one’s own world. This very act of distancing oneself is ambivalent. Noise-cancelling headphones can make a crowded subway more bearable while simultaneously shutting out one’s surroundings completely. A means of coping with overstimulation thus also removes us, at least to some extent, from shared public space.

Alongside the paintings, Bachmann presents numerous sketches of urban scenes. They are deliberately assembled on simple paper. Through their sheer number, they create a dense bustle of figures, situations, and small observations. Rush Hour normally refers to the hours when the city is at its busiest. For Nina Bachmann, however, the term describes a state of mind. The feeling of being driven continues into everyday working life. The artist does not offer a solution. Her works are instead observations of a condition. Perhaps this is where a small counterproposal lies: in speaking to one another and sharing experiences. People may recognise themselves in the works. The city remains contradictory. It can be loved and questioned at the same time. Perhaps this is precisely the state that Bachmann’s paintings capture so poignantly. We are driven, we push, and we press forward. And sometimes, we still pause for a moment and simply remain present.

Wir freuen uns sehr, eine Co-Ausstellung mit dem französischen Bildhauer Quentin Lefranc und dem deutschen Maler Rainer Splitt zu präsentieren, die sich im Laufe ihrer künstlerischen Laufbahn beide intensiv mit konkreten und minimalistischen Kunstkonzepten auseinandergesetzt haben.

Während der BAW haben wir geöffnet: Do 18:00-22:00, Fr 12:00-20:00, Sa /So 12:00-18:00

Was macht den Menschen aus? In einer Ära digitaler Projektionen ist Identität flüssiger denn je. Die Ausstellung „Poor Traits“ bringt zehn internationale zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler sowie Fotografinnen und Fotografen zusammen, die das klassische Porträt mittels Malerei, Fotografie, Skulptur, Video und Mixed Media hinterfragen.

Das englische Wortspiel im Titel verweist auf die Unvollkommenheiten und Widersprüche, die uns menschlich machen. Die Werke blicken hinter die Fassade und untersuchen, wie Identität heute konstruiert, inszeniert oder verborgen wird. Keine bloße Sammlung von Gesichtern, sondern eine tiefgründige Studie über das Menschsein.

Neue Werke von Franziska Klotz im Dialog mit Videoarbeiten von Antonia Wright

Die Ausstellung untersucht, wie sich das Verhältnis von Mensch, Natur und Imagination in einer Zeit tiefgreifender technologischer Umbrüche verändert – insbesondere vor dem Hintergrund von Digitalisierung und künstlicher Intelligenz. Während Bilder heute in Sekundenschnelle generiert, automatisiert verbreitet und entmaterialisiert werden, entwickelt Murabito eine bewusste Gegenposition: analoge Fotografie als langsamer, materieller und unwiederholbarer Prozess.

Die Galerie Under The Mango Tree freut sich, die erste Berliner Einzelausstellung der in Düsseldorf geborenen und in Berlin lebenden Künstlerin Minh Kha Le (*1999) zu präsentieren. Nach ihrem Abschluss an der Universität der Künste Berlin im Juli 2026 wird unter dem Titel Everything, Everywhere eine Bandbreite ihrer Arbeiten, von Malerei bis hin zu einzigartigen Vernis-mous-Radierungen auf Schleiernessel Textil, gezeigt. Die Ausstellung untersucht die Beziehung zwischen Mensch und Natur und nutzt die Landschaft als metaphorische Leinwand für die Verbundenheit des Mentalen und des Materiellen.

Zwischen Figuration und Abstraktion schaffen Minh Kha Les Gemälde Räume, in denen Körper, Landschaften, Pflanzen, Tiere und andere Formen des Lebens kontinuierlich ineinander übergehen und wieder verschwinden. Anstatt Natur als etwas vom Menschen Getrenntes darzustellen, entwerfen ihre Arbeiten eine Welt, in der die Grenzen zwischen Arten, Körpern und Umwelten fluide bleiben. Diese Verbundenheit erstreckt sich auch auf Fragen der Identität, stellt feste Kategorien infrage und lädt zu einem relationalen Verständnis des Selbst und seiner Umgebung ein.

Strawalde (*1931) ist gleich in zwei visuellen Ausdrucksformen begabt: Unter seinem Pseudonym ist er als Maler bekannt, als Jürgen Böttcher ist er Regisseur und Dokumentarfilmer. Seine Malerei wird in der DDR als formalistisch eingestuft, er wird aus dem Verband Bildender Künstler ausgeschlossen und in der Folge kaum öffentlich ausgestellt. Erst nach der Wiedervereinigung ist er frei in seinem künstlerischen Schaffen. Strawalde zählt zu den wichtigsten Positionen der deutschen Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts. Seine Werke sind in bedeutenden Museen und Sammlungen vertreten.

Strawalde verbindet einen pastosen, mehrschichtigen Farbauftrag, der seinen Gemälden eine besondere Stofflichkeit verleiht, mit einer ausdrucksstarken Linienführung. Formen tauchen als figurative Möglichkeit auf, die in intensivem Austausch miteinander stehen. Seine Bilder sind das Ergebnis eines direkten und intuitiven Prozesses, der in einem lang studierten Tanz seiner Hände ausgeführt wird. Erfahrungen und Erinnerungen, Stimmungen und Gefühle fließen in expressiven Gesten unmittelbar auf den Bildgrund.

Und ich behaupte, wenn mir ein Bild gelungen ist, daß es aus allen Essenzen von tausend Dingen, die ich je gesehn, gerochen, geschmeckt – auch aus Träumen gemacht ist.*

Im Rahmen der Berlin Art Week eröffnet die Galerie Michael Haas eine umfangreiche Einzelausstellung. Der Künstler wird zur Eröffnung der Ausstellung am Donnerstag, den 10. September, anwesend sein. Es erscheint ein begleitender Katalog.

*Sprechtext, in: Strawalde. Zeichnungen und Malerei, Katalog Neue Berliner Galerie im Alten Museum, Berlin 1990, S. 12

Unter dem Titel „Hanglage" zeigt Eric Keller neue Arbeiten der vergangenen zwei Jahre – sein besonderes Augenmerk gilt den nach 1989 aufgegebenen Kulturhäusern der DDR. Seit vielen Jahren erwecken die Festsäle dieser verlassenen Gebäude Kellers besonderes Interesse. Leere Bühnen, verstaubte Kulissenelemente, Requisiten oder Papiergirlanden, vertrocknete Topfpflanzen, aber auch zurückgelassene Stühle oder die verblichenen Farben der Interieurs reizen ihn als Gegenstand seiner Malerei – Orte einstiger kollektiver Geselligkeit, die heute zugleich unheimlich und anheimelnd wirken und in denen eine verschwundene Gesellschaft als blasse Überschreibung fortlebt.

Fäden, Stoffe und Muster begleiten uns wie selbstverständlich in unserem Alltag. Weltweit prägen textile Begriffe unseren Sprachgebrauch, unsere Erzählungen und Mythen. Wir möchten die große Vielfalt in der Gestaltung von textilen Materialien und den unterschiedlichen Techniken aufzeigen. Für die kommende Ausstellung arbeiten wir mit neuen internationalen Künstlern zusammen. Die Ausstellung wird von unserer Künstlerin Patricia Waller kuratiert, die die Auswahl der eingeladenen Künstler zusammengestellt hat. Neben der Textilkunst werden Holzskulpturen des im letzten Jahr verstorbenen Künstlers Gerhard Kehl zu sehen sein, die in einen Dialog mit den textilen Arbeiten treten werden.

In the 1980s, Walter Dahn first gained recognition in Cologne as a pioneer of the “Bad” Painting movement and as a founding member of the Mülheimer Freiheit, a group of neo-expressionist artists known for their rebellious, punk-inflected attitude. During this period, Dahn’s practice centred on a critical reassessment of painting as a medium. Incorporating references to contemporary music and popular culture, his works evoke a broad array of associations, prompting existential and historical questions that aim at deconstructing the visual ideologies of everyday life. Sprüth Magers is pleased to present a survey exhibition of Dahn’s work on the occasion of Berlin Art Week, marking the first show since his passing in 2024.

LIAISONS bringt erstmals die Skulpturen von Wolfgang Flad und die Malerei von Tanja Selzer in einer gemeinsamen Ausstellung zusammen. Ihre Werke nähern sich organischen Strukturen, Wachstum und Veränderung aus unterschiedlichen Perspektiven. Im Dialog entstehen Verbindungen zwischen Form und Raum, Farbe und Material, Mensch und Natur, Wahrnehmung und Erinnerung - offen für den eigenen Blick der Betrachtenden.

Jean-Luc Mylayne has devoted his life to philosophical questions about our place on Earth—questions for which birds and their natural habitats serve as both subject and symbol, and through which he probes what it means to be human alongside nature. Made in close collaboration with his life partner, Mylène, each photograph is the result of months of patient work, a sustained investigation into temporality, perception and community. Sprüth Magers is pleased to present Reflection, a solo exhibition of Mylayne’s work, on the occasion of Berlin Art Week. The majority of the images on view were conceived during a residency in Marfa, Texas, where Mylayne was drawn to the intense shades of blue found in the water and sky, and sometimes in the birds themselves. Reflection, the title of this exhibition, speaks to the contemplation that Mylayne’s work invites, centred around the question how human beings might truly coexist with the natural world.

In dieser Ausstellung zeigen wir einige auch neu erschlossene Werke von Ernst Weil im Dialog mit ausgewählten Werken vom Max Ackermann.

Claudia Kallscheuer hat konsequent die gezeichnete und geschriebene Linie durch die genähte Linie an der Nähmaschine ersetzt. Dabei öffnet und sensibilisiert sie den Blick der Betrachter*innen für das Hintergründige des Alltäglichen. Die Motive und Themen unseres Lebens führt sie auf feinsinnige und vielschichtige Weise der künstlerischen Reflexion zu. 

Die Ausstellung Follow the White Rabbit vereint auf spielerische Weise historische Positionen der Nachkriegsabstraktion mit zeitgenössischem Collectible Design und installativen Arbeiten aus der Gegenwartskunst. Im Zentrum steht der Dialog zwischen der dynamischen, gestischen Malerei des Informel – vertreten durch K.R.H. Sonderborg und Walter Stöhrer – und Objekten, die die Grenzen funktionaler Gestaltung überschreiten. Während Sonderborgs technisch-dynamische Strukturen und Stöhrers emotional-kontrollierter Ansatz traditionelle Malereikonventionen aufbrechen, suchen die Designpositionen den direkten Bezug zum skulpturalen Raum.

 

Die Arbeiten von Gisbert Pöppler zeigen eine dezidiert zeichnerische sowie malerische Qualität und bewegen sich an der Grenze zwischen angewandter Kunst und Skulptur. Heike Buchfelder wiederum erweitert funktionale Materialien durch präzise Oberflächenbearbeitungen zu organischen, raumgreifenden Objekten. MK Kaehne besetzt an dieser Schnittstelle eine Schlüsselrolle: Ausgehend von der Malerei reflektiert er in seinen architektonisch-konstruktivistischen Installationen und surrealen Objektumkehrungen den Nutzen und die Grenzen von Kunst und Design. Das Aufeinandertreffen dieser Disziplinen stellt ein Novum im Galerieprogramm dar und bricht bewusst mit der konventionellen Trennung von freier und angewandter Kunst.

 

Trotz historischer Vorbehalte gegenüber der Kombination beider Gattungen offenbart die Gegenüberstellung überraschende Verwandtschaften in Struktur, Form, Prozess und der Haltung des oder der Schöpfer:in zu seinen/ihren Arbeiten. Die präsentierten Werke fungieren als vertraute Alltagsgegenstände ebenso wie als autonome ästhetische Setzungen. So entsteht ein Spannungsfeld, das die Realität des Ausstellungsraums leicht verschiebt und Sehgewohnheiten hinterfragt. Der Ausstellungstitel Follow the White Rabbit greift das bekannte Motiv aus Lewis Carrolls Alice im Wunderland auf, das für den Mut zum Surrealen, das gezielte Brechen mit eingespielten Denkmustern und das Aufspüren fruchtbarer Antagonismen innerhalb einer eigenen, scheinbar widersprüchlichen Logik steht. Unter diesem Leitmotiv lädt die Schau dazu ein, starre Kategorisierungen hinter sich zu lassen und gedanklich neue, unerwartete Wege zu gehen.

Sonderöffnungszeiten zur BERLIN ART WEEK

Fr; 11. September, 12 - 21 Uhr 
Sa, 12. September, 11 - 18 Uhr
So, 13. September, 11 - 18 Uhr

Die Ausstellung vereint zwei Positionen, die sich mit den verborgenen Ebenen menschlicher Wahrnehmung und Identität beschäftigen. ANIDE (*1994, Lyon; lebt in Paris) verbindet in seinen intuitiv entstehenden Gemälden Abstraktion und Figuration. Oliver Czarnetta (*1966, Düren; lebt in Aachen) macht in seinen charakteristischen Kopfskulpturen Bewusstsein, Erinnerung und Identität sichtbar. Im Dialog entstehen neue Perspektiven auf das Sichtbare und Verborgene des Menschseins.

Spectralogy ist eine Gruppenausstellung mit jüngsten Werken von Rolf Behm, Nicola Rubinstein, Jens-Uwe Körber und Zhao Mengjun. Sie präsentiert zeitgenössisch-abstrakte Malerei in Mischtechnik dieser Künstler der Galerie als ein Feld von Beziehungen, Resonanzen und Übergängen. Vielschichtige Oberflächen lassen Spuren, Überlagerungen und neue Wahrnehmungsräume entstehen. Bedeutungen entfalten sich im Einzelwerk ebenso wie im Dialog zwischen den Arbeiten - zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem.

Anlässlich der Berlin Art Week freut sich die Galerie Thomas Schulte, Kerstin Brätsch im Corner Space der Galerie zu präsentieren. Die Künstlerin folgt der Einladung, den markanten Eckraum mit einer eigens für den Ort entwickelten Präsentation zu bespielen. Die Ausstellung vereint drei wandmontierte Tafeln mit Zeichnungen aus der Serie „Para Psychics“ und verdeutlicht Brätschs Verständnis von Zeichnung als räumlichem und sich im Arbeitsprozess entwickelndem Medium. Ergänzt wird die Präsentation durch eine ortsspezifische Intervention, in der die Künstlerin ihre charakteristische Bildsprache auf Böden und Fenster der Galerie ausweitet und den Ausstellungsraum in eine immersive Umgebung verwandelt.

Zur Berlin Art Week 2026 präsentiert die Galerie Thomas Schulte die Ausstellung Life–Death von Katharina Sieverding. Im Zentrum steht der gleichnamige Film aus dem Jahr 1969, ergänzt durch großformatige Filmstills sowie bislang unveröffentlichte Polaroids. Entstanden im damaligen West-Berlin, verweist das Werk auf eine frühe Schaffensphase der Künstlerin und auf einen historischen Moment, in dem sich politische, gesellschaftliche und ästhetische Umbrüche verdichteten. Nicht zuletzt wurde Life–Death 1972 auf der documenta 5 in Kassel gezeigt und manifestiert so die frühe kunsthistorische Relevanz des Werks.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog: Mona Breede. Ein anderes Venedig, Edition Dittmar, Berlin 2026, Textbeitrag von Petra Schaefer, Deutsches Studienzentrum Venedig, Kommentierte Biographie, 88 Seiten.

Im Zentrum steht nicht das dokumentarische Abbild der Tierwelt, sondern der künstlerische Blick: Nähe, Intimität und emotionale Verbundenheit prägen viele der gezeigten Porträts, etwa Böhmers Kuhbilder „All Ladies" oder Vrbaškis Vogelporträts. Odermatts stille Sachlichkeit findet ihren roten Faden im Werk von Ute und Werner Mahler; Ingar Krauss' präparierter Feldhase verwischt mit seiner lebensechten Haltung die Grenze zwischen Lebendigem und Präpariertem. Burtynskys Flamingo-Weitsicht auf Lake Bogoria, Kenia, zeigt kein Individuum, sondern einen Naturraum, den der Klimawandel dramatisch verändert.

In ihrer Ausstellung »Gesammelte Zeit« zeigt Marita Czepa Zeichnungen, die sich mit Spuren des Vergangenen, mit Erinnerung, Gebrauch und Bewahrung beschäftigen. Im Mittelpunkt stehen Fundstücke aus der Serie »Archäologie der Zukunft«: Die Arbeiten fragen danach, was bleibt, was wir aufheben und was künftige Generationen einmal über unsere Gegenwart erzählen könnten. Mit feinen zeichnerischen Mitteln richtet die Künstlerin den Blick auf das scheinbar Unscheinbare. 

Bronzeskulptur aus der Sammlung Noack aus den 70er und 80er Jahren mit Henry Moore, Ed Kienholz, Kenneth Armitage, Eduardo Paolozzi, u.a. 

Die heute als globale Ikone der LGBTQ+-Bewegung bekannte Rainbow Flag wurde in dieser Form erstmals im Juli 1978 bei der San Francisco Gay and Lesbian Freedom Day Parade präsentiert. Eine Gruppe um den Künstler und Aktivisten Gilbert Baker wollte den bis dahin oft als Symbol der Bewegung genutzten „Rosa Winkel“ mit seiner NS-Symbolik durch ein positives und selbstgewähltes Zeichen ergänzen. Zur Form der Fahne hatte Baker laut eigener Aussage durch die eindrucksvolle Präsenz der US-Flaggen zum 200. Jahrestag der Vereinigten Staaten gefunden. Im Jahr 2015 wurde das Originalkunstwerk vom Museum of Modern Art erworben und im Juni desselben Jahres zum ersten Mal ausgestellt. Die Rainbow Flag ist hier als Leihgabe des MoMA zu sehen.

Die fünfte Ausgabe widmet sich dem Verlust von Wesentlichem - Empathie, Verantwortung, Wahrhaftigkeit und Menschlichkeit in einer Zeit tiefgreifender Veränderungen. Die Ausstellung reflektiert gesellschaftliche Umbrüche, technologische Entwicklungen und die Herausforderungen unserer Gegenwart aus unterschiedlichen künstlerischen Perspektiven. Abstrakte Denkbewegungen und gesellschaftliche Reflexionen eröffnen vielschichtige Perspektiven auf Identität, Wahrnehmung und Wirklichkeit.

Diese Bus-Shuttle-Tour lädt zu einer Entdeckungsreise durch die Ausstellungsreihe Publik Machen ein. Gemeinsam mit den Kuratorinnen Susanne Weiß, Sylvie Kuersten, Luise Schroeder und Katharina von-Hagenow besuchen die Teilnehmenden die ifa-Galerie Berlin, das Schloss Biesdorf und die Galerie am Prater. Bei Führungen durch die Ausstellungen Rauschen: Echos einer Institution, Kosmos: Agenden, Netzwerke, Freundschaften und Courage: Schwestern im Geiste geben die Kuratorinnen Einblicke in die künstlerischen Konzepte und die Verbindungen zwischen den Projekten. Ausgangspunkt der Ausstellungsreihe ist das grafische Konvolut des Zentrums für Kunstausstellungen der DDR (ZfK), das erstmals seit der deutschen Wiedervereinigung in diesem Umfang präsentiert wird. Die Tour eröffnet neue Perspektiven auf die Geschichte des ZfK, dessen Bestand heute Teil der ifa-Kunstsammlung ist, und auf das Spannungsfeld von Kunst, Kulturpolitik und internationalem Austausch.  

Welche Rolle spielte die Biennale von Venedig im kulturellen Wettbewerb zwischen BRD und DDR? Lucia Schreyer beleuchtet die deutsch-deutschen Beiträge zur Biennale und zeichnet nach, wie sich beide Staaten über Kunst international positionierten. Im Mittelpunkt steht der erste Auftritt der DDR 1982, der nach jahrzehntelangen politischen und diplomatischen Auseinandersetzungen möglich wurde. Anhand ausgewählter künstlerischer Positionen zeigt der Vortrag, wie Kunst zum Medium gesellschaftlicher Selbstverständigung und kultureller Repräsentation wurde. Zugleich schlägt Lucia Schreyer eine Brücke zur Gegenwart: Ausgehend von den historischen Beiträgen richtet sich der Blick auf den aktuellen deutschen Pavillon mit Henrike Naumann und Sung Tieu und beleuchtet Kontinuitäten und Veränderungen deutscher Repräsentation auf der Biennale – zwischen Geschichte, Politik und Gegenwartskunst.

Das Internationale Handelszentrum am Abend ist eine ortsspezifische Lecture-Performance von Anna Bromley im Foyer des Internationalen Handelszentrums (IHZ). Ausgehend von Archivalien aus dem Nachlass von Werner Schinko und Fritz Lange sowie Beständen des ifa (Institut für Auslandsbeziehungen), des Bundesarchivs und der Akademie der Künste verbindet Bromley historische Recherche mit autobiografischem Material.

Das 1978 eröffnete IHZ galt als Symbol der internationalen Öffnung der DDR: Westliche Unternehmen und DDR-Außenhandel arbeiteten hier unter einem Dach. Eine Aufgabe, die auch der Architektur des Gebäudes eingeschrieben ist, die häufig als beliebtes Postkartenmotiv präsentiert wurde. Vor der im Foyer original erhaltenen Weltkarte entfaltet die Performance von diesem Ort aus die Beziehungen zwischen der DDR und Ländern in der Region Nordafrika und Westasien in den 1970er und 1980er Jahren. Bromley verknüpft Künstler*innenreisen, Dokumente, Dias und Objekte zu einer Reflexion über die Rolle von Kunst im Spannungsfeld von Kulturpolitik, Außenhandel und internationalen Verflechtungen.

Die Lecture-Performance findet um 16 Uhr auf Deutsch und um 17 Uhr auf Englisch statt.

Der Hamburger Bahnhof präsentiert die erste institutionelle Einzelausstellung von Saâdane Afif in Berlin. Die Ausstellung gibt einen Einblick in das Werk des seit 2003 in der Stadt lebenden, interdisziplinär arbeitenden Künstlers und zeigt unter anderem das vielteilige Werk „The Fountain Archives“. Das künstlerische Archivprojekt widmet sich einem der prominentesten Kapitel der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts: dem legendären Readymade „Fountain“ von Marcel Duchamp aus dem Jahr 1917. Afifs Rauminstallation kam 2023 als großzügige Schenkung von Paul Maenz an das Museum. Die Ausstellung zeigt es mit weiteren Werken, die tiefgründig und mit feinem Humor die Institution des Kunstmuseums und das Prinzip der Autor*innenschaft hinterfragen.

Giulia Andreani eröffnet das Jubiläumsprogramm des Hamburger Bahnhof mit Gemälden, die Brüche in offiziellen Geschichtsschreibungen sichtbar machen. Andreanis künstlerische Praxis des „Malens mit Fotografien“ lebt vom Spannungsfeld zwischen autoritären Figuren und vergessenen Gestalten der Vergangenheit. Ausgangspunkt der figurativen, monochromen Gemälde, deren Paynesgrau an historische Fotografien erinnert, sind Familienalben oder Archive. Sie enthüllen Geschichten, thematisieren kollektives Vergessen und öffnen neue Bedeutungsschichten für die Gegenwart. Andreanis Jubiläumsbeitrag rahmt historische Sammlungen durch zeitgenössische Perspektiven neu: Die Ausstellungsarchitektur verweist auf Sigmar Polkes Ausstellung „Drei Lügen der Malerei“ im Hamburger Bahnhof von 1997 und ihre Gemälde werden gemeinsam mit Werken der Antikensammlung, des Kunstgewerbemuseums, des Museums Europäischer Kulturen und des Kupferstichkabinetts gezeigt.

"It's a Balance Trick" versammelt künstlerische Positionen, die Gleichgewicht nicht als statischen Zustand, sondern als dynamischen, oft prekären Akt des ständigen Aushandelns begreifen. Die Künstler:innen untersuchen den fragilen Moment des Kippens sowohl im Werk als auch in der Ausstellung: Über drei Monate hinweg kommen und gehen Werke, verlassen das Gebäude oder kehren zurück. Installationen, Performances und partizipative Interventionen schaffen neue Dialoge zwischen Kunst und Publikum.

Der in Berlin lebende Künstler Peter Klare geht von einem freien, bildsinnlichen Umgang mit der Malerei aus, indem er Farben und Formen in weiten malerischen Gesten auf übergroße Formate bringt, diese vom Malgrund löst, in den Raum überführt, Leinwände zu skulpturalen Körpern entwickelt oder fotografische Aufnahmen mit Pigmenten überzieht. Wiederkehrende Elemente erscheinen als Fragment, Kontur oder Volumen und wechseln zwischen Fläche und Objekt. So entstehen Zusammenhänge, die Wahrnehmungneu strukturieren und als offene Zustände erfahrbar werden.

Kostenlose Führungen durch die Sammlung Achim Freyer. 

Zur Berlin Art Week öffnen wir auch in diesem Jahr wieder unsere Türen. Am 12. und 13. September ab 12 Uhr führen wir stündlich kostenlos durch die Sammlung und zeigen Filme zum Schaffen von Achim Freyer.

„A stutter… can be a musical instrument“ - so JJJJJerome Ellis, Komponistin, Produzentin, Multiinstrumentalistin und Autorin aus Norfolk, Virginia. Ellis spricht mit einem glottalen Blockstottern, das sich in unwillkürlichen Pausen während des Sprechens äußert. In Ellis’ künstlerischer Praxis wird dieses Stocken zu kompositorischem Material: Pausen, Wiederholungen und gedehnte Zwischenräume brechen Linearität auf, ordnen Zeit neu und eröffnen Räume für ein anderes, aufmerksames Hören.

Die Rauminstallation „Absurdes Berliner Tagebuch ’64“ des italienischen Malers Emilio Vedova (1919–2006) entstand 1964 im Rahmen eines Stipendiums der amerikanischen Ford Foundation. Ausgeführt wurde das Werk im ehemaligen Atelier des nationalsozialistischen Bildhauers Arno Breker, in dem sich heute das Kunsthaus Dahlem befindet. Noch im selben Jahr wurde das Werk auf der documenta III gezeigt.

Die acht Meter hohe Installation, die zu Vedovas Hauptwerken zählt, ist in ihrer Komplexität und Monumentalität innerhalb seines Schaffens einzigartig. 2002 schenkte der Künstler das Werk an die Berlinischen Galerie.

Der Berliner Multimediakünstler Marc Brandenburg (* 1965 ) zählt international zu den wichtigsten Zeichner*innen der Gegenwart. Sein Werk bewegt sich zwischen Grafik, Collage, Installation, Video und Performance. Im Zentrum stehen detailreiche Bleistiftzeichnungen nach fotografischen Vorlagen, die er auf Streifzügen einfängt oder aus Magazinen, Filmen und Büchern sampelt. Brandenburg reflektiert die Gegensätze des großstädtischen Lebens, thematisiert geselschaftliche Missstände ebenso wie Exzess und Konsum als Auswirkungen des Spätkapitalismus. Transportiert wird dabei weniger eine Erzählung als eine melancholische und unheilvolle Stimmung, die subtil auf die Krisen unserer Zeit verweist. Die umfassende Werkschau zeigt rund 150 Zeichnungen sowie Videos, Tattoo Bögen und Fotos.

An kaum einem Ort traten die gesellschaftlichen und kulturellen Umbrüche im Westdeutschland der 1960er und 1970er Jahre so deutlich zutage wie in Berlin-Kreuzberg: Durch Anwerbeabkommen mit Ländern wie Italien, Griechenland und der Türkei und die zunehmende Arbeitsmigration wurden hier im Kleinen Veränderungen sichtbar, die die bundesdeutsche Realität prägten. Die Gruppenausstellung Kreuzberg: Kunst und Migration seit 1960 widmet sich im Herbst 2026 der vielfältigen und bisher kaum gewürdigten Kulturproduktion rund um das Thema der Arbeitsmigration und zeigt, wie sich Künstler*innen in Kreuzberg mit den Spannungen und Fragen ihrer Zeit auseinandersetzen.

Mehr Informationen auf gropiusbau.de

Quelle: Gropius Bau

Die Ausstellung stellt die Notwendigkeit zur Gewährleistung von Ernährungssicherheit angesichts globaler Herausforderungen in den Bereichen Klima, Gesellschaft, Wirtschaft und Politik in den Mittelpunkt. Sie zeigt die Kosten dieser - zuweilen illusorischen - Planungssicherheit und stellt die Frage: Wie kann es gelingen, ein widerstandsfähiges System aufzubauen, das weder unseren Planeten zerstört noch die Menschen, die es mitgestalten?

Die in Berlin lebende iranische Künstlerin Mahsa Aleph arbeitet an der Schnittstelle von Film, Installation und Text. Ihre Arbeit untersucht Sprache, Materialität und Erinnerung und verbindet poetische Setzungen mit existenziellen Fragen. Die Ausstellung zeigt zwei Werke: die Installation Jowhar (2021) als eine Reflexion über Sprache als wandelbare Substanz, sowie Reanimation (2026), eine raumfüllende Filmprojektion, in der das Zuhause als fragile Konstruktion, als ein geliehener, zusammengeflickter Körper erscheint. Beide Arbeiten verhandeln Fragen von Identität, Verlust und kulturellem Gedächtnis.

OnView ist eine kuratierte Filmreihe des PalaisPopulaire: Jeweils im Frühjahr und Herbst präsentiert das Haus über einen Zeitraum von bis zu acht Wochen Filme internationaler Künstler*innen zu einem Themenbereich. Unter dem Titel Transformation vereint die vierte Ausgabe Arbeiten von Lida Abdul, Vajiko Chachkhiani, VALIE EXPORT, Selma Selman, Sam Taylor-Johnson und Gernot Wieland.

Für OnView – Transformation wurden Werke ausgewählt, die unterschiedliche Bedeutungen und Deutungen von „Transformation“ reflektieren. Verortet in sozialen oder politischen Kontexten, beschäftigen sich die Filme mit Vergänglichkeit, dem Wunsch nach Veränderung und Wandel, aber auch mit Stillstand und Verharren.

Eva Schönfeld, Jahrgang 1986, hat ein Studium in Kommunikationsdesign abgeschlossen, eine Ausbildung zur Fotografin absolviert und ist ausgebildete Kommunikationsdesignerin. Sie verbindet technische Meisterschaft mit gesellschaftskritischen und emotionalen Themen. Oft entstehen ihre Werke auch aus persönlicher Erfahrung und inneren Kämpfen. Neben den Aquarell- und Pastellkreide Arbeiten sind besonders die oft surrealen und fantasievollen Öl- und Acrylbilder in kräftigen Farben beeindruckend. Eva Schönfeld´s Werke zeichnen sich durch ungewöhnlichen Kompositionen aus. Sie lebt und arbeitet in Berlin Pankow.

Letzte Ausstellungen: 29..1 – 8.4.2026 im Art Stalker Berlin, 18.4 – 19.4. 2026 Art Sale im Atelier Cocon Coloré, 30. und 31.5. 2026 Open Studio 

Fide Struck fotografierte in den 1930er Jahren in Berlin Szenen aus der Arbeitswelt, dem Stadtleben und der Freizeitgestaltung. 1941 packte er etwa 3.000 Negative in einen Holzkoffer, der den Krieg und eine Odyssee durch das Nachkriegsdeutschland überstand. 2015 öffnete Strucks jüngster Sohn Thomas schließlich den Koffer und begann, den Schatz zu bergen. Das Willy-Brandt-Haus zeigt die besten Berliner Bilder aus Fide Strucks Werk.

Die internationale Gruppenausstellung Wo ich wohne blickt anhand der 1922 für den jüdischen Textilfabrikanten Herrmann Knobloch errichteten Villa, in der nur wenige Wochen nach dem Ende des 2. Weltkriegs das Haus am Waldsee seine Anfänge nahm, auf die Geschichte der Institution. Die Sprache des Gebäudes, in dem sowohl Opfer als auch Täter*innen des Nationalsozialismus lebten, wird dabei nicht nur als Rahmen, sondern als Material begriffen. 

Der Arbeit und dem Wirken des Zentrums für Kunstausstellungen der DDR (ZfK) widmet sich das ifa – Institut für Auslandsbeziehungen mit dem Recherche- und Ausstellungsprojekt PUBLIK MACHEN in Kooperation mit der Wüstenrot Stiftung. Das Ausstellungsprojekt lässt ein Bild von einem bislang nicht umfassend betrachteten Kapitel international, kulturpolitisch eingebetteter Kunstgeschichten entstehen.

Der BFF-Förderpreis prämiert regelmäßig die besten Nachwuchsfotograf:innen, die mit kreativen Perspektiven begeistern. Dieses Jahr lautet das Thema des Wettbewerbes „Spielen“ und die besten Beiträge werden erstmalig im Willy-Brandt-Haus gezeigt.  

Die Fotografinnen am Bauhaus experimentierten mit fotografischen und gestalterischen Techniken und loteten dabei die Grenzen ihres Mediums aus. Sie beobachteten ihre Umgebung durch die Kameralinse und hielten zahlreiche Motive in zum Teil neuen und ungewohnten Perspektiven fest. Das Spektrum ihres künstlerischen Schaffens reicht von der gegenständlichen Porträt- und Architekturfotografie bis hin zur abstrakten experimentellen Fotografie. Die Motive sind heute vielen bekannt, ihre Urheberinnen jedoch nur wenigen. Mit der Ausstellung würdigt das Bauhaus-Archiv die Bedeutung dieser Künstlerinnen und ihr fotografisches Werk nun erstmals umfassend.

Die Ausstellung„What did you see, my darling, young one?“setzt sich mit den Fragen unserer Zeit auseinander. Bereits in A Hard Rain´s A-Gonna Fall zeichnet Bob Dylan ein düsteres Weltbild (Vergleich: Lyrics in der Anlage). Aber ist das unsere einzige Realität? Kunst war schon immer ein feines Messinstrument der Gesellschaft. Allen Drohungen und Katastrophen zum Trotz zeigt Kunst aber auch den nicht zu brechenden Willen, Raum für Schönheit zu schaffen.

Kuratorinnen: Judith Brunner & Monika Bartsch

Das Werk „Double America“ (2012) besteht aus zwei Zeilen: in der oberen Zeile ist jeder Buchstabe des Wortes „AMERICA“ zur Wand hingedreht. Die zweite Reihe hingegen zeigt ein exaktes Spiegelbild des korrekt geschriebenen Wortes. Der Künstler beschreibt den entstehenden Effekt wie folgt: „Das Wort ‚AMERICA‘ scheint einen Schatten zu haben, obwohl dieser Schatten das Wort, das ihn wirft, nicht genau widerspiegelt.“ Glenn Ligon hinterfragt in vielen seiner Werke allzu einheitliche Amerika-Bilder. Seine Kunst fordert den Betrachter dazu auf, sich mit der Geschichte des Landes und dem Konzept von ‚Amerika‘ als Ganzes auseinanderzusetzen.

Seit 1998 führt Künstlerin und Kunsttherapeutin Salome Haettenschweiler in Zusammenarbeit mit dem Jugendamt Mitte das Kunstprojekt „Experiment Tiergarten" für Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene aus unterschiedlichen sozialen und biografischen Kontexten. Im Fokus steht die Entdeckung schöpferischer Potenziale ohne Leistungsdruck: Wo Worte an ihre Grenzen stoßen, wird das Malen zum „Denken in Bildern"*. Märchen, Literatur und der gegenseitige Austausch über die Arbeiten begleiten diesen Prozess. Zum Abschluss des Projekts zeigt die Galerie ausgewählte Werke aus 28 Jahren – darunter auch eigene Arbeiten Salome Haettenschweilers, die die Verbindung zwischen ihrer Atelier- und Projektarbeit sichtbar machen.

*zitiert nach Hubertus Giebe
Kuratiert von Maria Weber

Ursprünglich von der Bildhauerei kommend, befragt die Künstlerin Veronika Witte (*1962) mit unterschiedlichsten Medien die Erscheinung und Rolle des Körpers in der Gegenwartsgesellschaft. In der hybriden Architektur des Gotischen Hauses entfalten die Installationen aus Sound, Video und amorphen Skulpturen ein ambivalentes Wechselspiel zwischen dem sogenannten Menschlichen und dem Kreatürlichem, zwischen Leere und Masse, zwischen amorpher und akustischer Körperlichkeit.

Wegen des großen Publikumsinteresses präsentiert die Neue Nationalgalerie auch in diesem Jahr die ortsspezifische Nebelskulptur der japanischen Künstlerin Fujiko Nakaya in ihrem Skulpturengarten. Nakayas Nebelskulptur bespielt so monumental wie ephemer die ikonische Architektur Mies van der Rohes und eröffnet einen intensiven Dialog der Besuchenden mit ihrer unmittelbaren Umgebung und sich selbst.

Anfang des 20. Jahrhunderts verließen Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff und Erich Heckel die Städte, um in der Natur zu malen und zu leben. In ihren Gemälden, Zeichnungen, Druckgraphiken und Aquarellen feiern sie die Landschaft, das Lebendige, den menschlichen Körper, das dynamische Sein. Die Ausstellung thematisiert das Streben der Brücke-Künstler nach einer Harmonie zwischen Mensch und Natur. Fast 100 Jahre nach der Auseinandersetzung der Brücke hat sich unser Bezug zur Natur grundlegend verändert. Was können wir von der Natur lernen? Wie kann eine neue Beziehung von Natur, Kunst und Menschheit entstehen?

Zeitgleich mit der Ausstellung eröffnet im Garten das Museums der künstlerische Lehrpfad Draußen… Unter Kiefern, für den zeitgenössische Künstler*innen neue ortspezifischen Arbeiten schaffen.

Diese Ausstellung blickt auf das Gebäude von Daniel Libeskind und seine Entstehungszeit. Im Sommer 1989 gewann der New Yorker Architekt den Wettbewerb für den Erweiterungsbau des Berlin Museums – und wurde damit weltberühmt. Anhand von Modellen, Zeichnungen und Diskursen führt die Ausstellungen die Besucher*innen zurück in die Berliner Wende- und Nachwendezeit und trägt zum Verständnis der Genese heutiger Diskussionen um Erinnerung, Gedächtnis und Gedenken bei.

Am 4. Juni 2026 eröffnete die Berliner Newton Foundation zwei neue Ausstellungen: Rooms / Stages und Helmut Newton‘s One-off Album. In den vorderen Räumen finden sich die Werke von einem Dutzend KünstlerInnen zum Thema Raum und Bühne, der Hauptraum wird zum gleichen Thema mit riesigen Motiven von Helmut Newton bespielt. Dieser Teil der Gruppenausstellung Rooms / Stages leitet über zum hinteren Ausstellungsraum, wo ein einzigartiges Fotoalbum von Newton erstmals in Berlin präsentiert wird. Auch in dieser Auswahl finden sich Aufnahmen, die die Transformation eines Raumes in eine Bühne visualisieren.

Am 4. Juni 2026 eröffnete die Berliner Newton Foundation zwei neue Ausstellungen: Rooms / Stages und Helmut Newton‘s One-off Album. In den vorderen Räumen finden sich die Werke von einem Dutzend KünstlerInnen zum Thema Raum und Bühne, der Hauptraum wird zum gleichen Thema mit riesigen Motiven von Helmut Newton bespielt. Dieser Teil der Gruppenausstellung Rooms / Stages leitet über zum hinteren Ausstellungsraum, wo ein einzigartiges Fotoalbum von Newton erstmals in Berlin präsentiert wird. Auch in dieser Auswahl finden sich Aufnahmen, die die Transformation eines Raumes in eine Bühne visualisieren.

Das Prinzip der ungewöhnlichen Nachbarschaft spielt eine wichtige Rolle im Surrealismus. „Schön wie das zufällige Zusammentreffen einer Nähmaschine und eines Regenschirms auf einem Seziertisch“ hieß es schon bei Lautréamont, den André Breton im Ersten Manifest des Surrealismus zitiert. Denn die überraschende Begegnung von Dingen, die man für gewöhnlich nicht miteinander in Verbindung bringt, lässt etwas Drittes entstehen, ein Rätsel, das unsere Wahrnehmung stimuliert und unser Denken auf überraschende Bahnen zu lenken vermag.

Nach seinem Studium bei Otto Steinert reiste Lothar Wolleh nach Mailand zu Lucio Fontana. Es begann ein intensiver Dialog mit dem „Grande Maestro“ des ZERO. In dieser Zeit entwickelte Wolleh sein Konzept des fotografischen Kunstbuchs. Die „Wolleh-Fontana-Kassette“ markiert sein erstes Projekt dieser Art und erwies sich als Modell für die Editionen und Künstlerbücher der folgenden Jahre. 

Die Ausstellung zeigt Porträts und die gemeinsame Edition von 1966/67, die einen entscheidenden Schritt in Wollehs fotografischem Denken markieren. 

Herbert Nauderer nimmt uns mit in eine Fantasiewelt von hoher Suggestionskraft. Er nimmt darin Bezug auf Ereignisse der Geschichte, aktuelle Geschehnisse, Traumata und Verschwörungstheorien. In seinen künstlerischen Welten erschafft er düstere Traumsequenzen sowie rätselhafte Erzählungen, die mysteriös, absurd, komisch und bedrohlich zugleich sind, dabei aber äußerst intensiv in ihrer Wirkung.

Seit einigen Jahren wird dieser Zeichnungskosmos in den großangelegten Werkzyklen „Mausmannsland“, „Das Haus des Erfinders_die Expedition“ und „Parasite Island“ installativ durch Objekte, Photocomposings und Videoloops ergänzt. Seit 2016 entstehen auch eigenständige Filmprojekte, so beispielsweise der Kurzfilm „Parasite Island“ mit Sibylle Canonica und Josef Bierbichler.

Am 26. April 1986 ereignete sich im AKW Tschernobyl der bis dato größte anzunehmende Unfall der zivilen Nuklearnutzung. Knapp 10 Jahre später, 1995, beauftragte das Deutsche Hygienemuseum Dresden den Fotografen Volker Kreidler die Folgen der Katastrophe für die Menschen, die Orte und die Natur zu dokumentieren. 2015 kehrte der Fotograf in die Sperrzone zurück, 2025 reiste Volker Kreidler erneut nach Kyjiw, die Fotografien sind ein hochaktuelles Zeugnis der politischen Gegenwart in der Ukraine. 

Die Künstlerin Margarita Wenzel realisiert im Historischen Keller eine ortsspezifische Klanginstallation. Ausgehend von den räumlichen und historischen Gegebenheiten des Ortes entwickelt sie mehrere Soundpieces, die den labyrinthischen Raumfolgen erstmalig „Stimmen“ verleihen und sie völlig neu erfahrbar machen.

Seit über fünf Jahrzehnten setzt sich Gabriele Stötzer mit Themen wie Gerechtigkeit, Selbstbestimmung und Geschlecht auseinander. Ihr eigener Körper spielt dabei oft eine zentrale Rolle – nicht als Objekt, sondern als Schauplatz von Widerstand und feministischer Selbstbehauptung. Mit Dabei sein und nicht schweigen zeigt der Gropius Bau ab Juni 2026 die bislang größte institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin.

In großformatigen Gemälden und Zeichnungen macht sich die junge Malerin Lunita-July Dorn (*1999) immer wieder zur imaginären Protagonistin. Ob einzeln oder in Vielzahl, ihr eigenes Porträt ist der Ausgangspunkt einer eindringlichen malerischen Selbstbefragung, mit der sie individuelle und soziale Rollenbilder erprobt. Dorn verwebt persönliche Erinnerungen und Gefühle mit fantastischen Motiven und Szenerien zu anmutigen, autofiktionalen Erzählungen. 

Die kommunalen Galerien Tempelhof-Schöneberg loben seit 2002 den Kunstpreis des Haus am Kleistpark aus.Der Preis ist mit 5.000 Euro dotiert. Das Oberthema lautet in diesem Jahr »FRACTURE«. Der Begriff verweist auf Brüche und Risse, die sich sowohl in inhaltlichen Fragestellungen als auch in Materialien, Umsetzung und technischen Verfahren zeigen können. Der Bruch erscheint dabei als Erfahrung
und als künstlerisches Mittel zugleich: als Fragmentierung, Unterbrechung oder Verschiebung, die Wahrnehmung verändert.

Den Juryvorsitz übernimmt in diesem Jahr Franciska Zólyom, Direktorin, Kuratorin, Galerie für zeitgenössische Kunst (gfzk) Leipzig.

Ausgangspunkt von Shilpa Guptas Einzelausstellung im Hamburger Bahnhof ist das monumentale Werk TRUTH an der Schnittstelle von Sprache, Macht und Kontrolle. Während sich die Besucher*innen durch die überdimensionalen Buchstaben im Ausstellungsraum bewegen, hinterfragt das Kunstwerk Mechanismen, die Wahrheit bewahren oder verschleiern. Die skulpturale Installation zeigt auf, wie gemeinschaftlicher Fortschritt davon abhängt, Wahrheit zu beschützen und zu hinterfragen. Ergänzt um weitere Werke der Künstlerin wird Guptas Ausstellung im Hamburger Bahnhof im Dialog mit der Sammlungspräsentation Joseph Beuys gezeigt. Die parallele Betrachtung verweist auf Ähnlichkeiten im Umgang mit Sprache, Partizipation und soziale Reflexion. Als Teil des Jubiläumsprogramms hebt die Ausstellung den künstlerischen Austausch als zentrales Thema des Hamburger Bahnhofs seit der Museumsgründung hervor.

Mit „Ruin und Rausch“ nimmt die Neue Nationalgalerie ausgewählte Werke aus ihrer Sammlung der Klassischen Moderne in den Blick, die das Berlin der 1910er- und 1920er-Jahre thematisieren. Diese Jahrzehnte – geprägt von Erstem Weltkrieg und Weimarer Republik – oszillierten beständig zwischen Gegensätzen: Exzess und Armut, Emanzipation und Extremismus gingen in der rasant wachsenden, kosmopolitischen Metropole Hand in Hand. Mit rund 45 Werken unterschiedlicher Stilrichtungen macht die Ausstellung die Ambivalenz von Glanz und Elend, Aufstieg und Abgrund im damaligen Berlin erlebbar.

Die Ausstellung „On Landscape: Zwischen Eskapismus und Entzauberung“ versammelt internationale Künstler:innen, die das Thema Landschaft im Spannungsfeld ökologischer, technologischer und gesellschaftlicher Fragen neu verhandeln. Zwei Kräfte stehen dabei im Fokus: Zum einen die Überlastung des Planeten seine Überformung durch den Menschen, wie sie in dem Begriff des Anthropozäns greifbar wird. Zum anderen die wachsende Macht des Digitalen, beschleunigt durch Künstliche Intelligenzen, die immer stärker Alltag und künstlerische Praxen durchdringen.

• Eröffnung: Mittwoch, 9. September 2026, 19 Uhr (als Partner der Berlin Art Week).
• Von April bis Anfang November 2027 wird die Ausstellung im Schloss Tirol – Landesmuseum für Kultur- und Landesgeschichte – Südtirol gezeigt werden.
• Ein Teil des Begleitprogramms findet im Rahmen der Kooperation mit der Schering Stiftung statt.

In Zusammenarbeit mit den angolanischen Künstlern Mussunda N'Zombo und Bruno Fonseca ist das Goethe-Institut Angola seit zwei Jahren auf der Suche nach Spuren unbeschriebener Kapitel deutscher Kolonialpräsenz in Angola.

Die Ausstellung „Windstille Nacht“ bringt mit Ewa Finn (* 1979 in Warschau) und Katharina Poos (* 1961 in Berlin) zwei außergewöhnliche Berliner Malerinnen zusammen, deren Arbeiten sich dem Subtilen, dem Unheimlichen und der Psychologie des Unbekannten widmen. 

Funda Özgünaydin (* 1978 in Frankfurt/ Main) arbeitet ausgehend von einem umfangreichen künstlerischen Materialarchiv an hybriden Bildrealitäten und chimärenhaften Wesen, die durch das Collagieren, Dekonstruieren und (Neu-)Konstruieren entstehen.

Seit 1997 vergibt der Freundeskreis der Kunsthochschule, die Mart Stam Gesellschaft, jedes Jahr den Mart Stam Preis für herausragende Abschlussarbeiten aller Fachrichtungen; er setzt sich damit über die übliche Trennung von Kunst und Design hinweg.

Die ebenso beeindruckenden wie rätselhaften Bildwelten von Laura Bruce (* 1959 in East Orange, NJ/ USA) entstehen an der produktiven Schnittstelle von Figuration und Abstraktion. Großformatige Farbstiftzeichnungen, lasurhafte Tuschmalereien und farbig gefasst Keramiken prägen die umfangreiche Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin.

Lina Lapelytės Performance „We Make Years Out of Hours” wandelt die historische Halle des Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart für die zweite CHANEL Commission in einen Ort des gemeinsamen Handelns und Singens.Die Ausstellung übertritt Grenzen zwischen Skulptur und Performance, Individuum und Kollektiv: 400.000 Holzwürfel breiten sich auf dem Boden aus, türmen sich zu Stapeln, verbinden sich zu architektonischen und dann zu hügelartigen Strukturen. Die Klötze wandern durch die Hände von Performer*innen und Besucher*innen und so wandelt sich die hölzerne Landschaft stetig. „We Make Years Out of Hours” ist ein lebendiges Monument für Zeit, Fürsorge und Koexistenz. Das partizipative Format betont mit der aktiven Einbeziehung des Publikums das Verständnis des offenen Museums zum 30. Jubiläum des Hamburger Bahnhof.

Aus Anlass seines 25-jährigen Bestehens lädt das Jüdische Museum Berlin sein Publikum ein, sich anhand von zwölf künstlerischen Projekten von der Gegenwart zu lösen und nach gesellschaftsverändernden Ansätzen zu suchen. Die Werke werden eigens für die Ausstellung entwickelt und sollen das Publikum dazu anregen, die Auseinandersetzung mit einem oft bedrückenden Jetzt aufzunehmen, um ihm eigene Vorstellungen entgegenzusetzen.

GEDOK wir 100 Jahre. Die Auseinandersetzung zu den Themen Frau/Sein und Mut/ Willen ist möglich, Themen, die für das bisherige Bestehen des Vereins und seiner Mitglieder tagtäglich bestimmend sind.

Mit Arbeiten von Anja Asche, Heike Franziska Bartsch,Christin Sophie Bloess, Daniela Butsch, Aenne Burghardt, Katrin Grote-Baker, Gerlind Hentze, Carola Hölting, Brigitte Jennen,Gritt Klassen, Gabriele Nocker, Sibille Riechardt, Ortrun Stanzel, Julia Theek, Ute Vauk-Ogawa

Zum 80-jährigen Jubiläum 2026 beleuchtet das Haus den Wandel vom privaten Wohnhaus zum Ausstellungshaus sowie Brüche und Kontinuitäten der Nachkriegszeit und deren Spuren in der Institution. Eine von der georgischen Kuratorin und Archivarin Nina Akhvlediani entwickelte Displayarchitektur erlaubt flexible Präsentationen von Archivalien im Dialog mit zeitgenössischer Künstler*innen. Seit… gliedert sich in drei Kapitel. Das erste Kapitel, Leidenschaftslose Mechaniken von Luciano Pecoits, ist vom 20.2. bis 25.5. zu sehen.

Josef Kaiser zählt zu den prägenden Vertretern „sozialistischer“ Architekturen der DDR. Zwischen 1950 und 1980 realisierte ergemeinsam mit seinem Kollektiv zahlreiche staatliche und kommunale Bauprojekte, darunter das Berliner Kino International und das Café Moskau an der Karl-Marx-Allee.
Die Ausstellung „Josef Kaiser. Bauen für die DDR“ (AT) rekonstruiert erstmals umfassend Leben und Wirken des Architekten, der in zwei unterschiedlichen diktatorischen Systemen tätig war. Rund 60 Pläne, Fotografien, Filme und Modelle aus dem Bestand der Berlinischen Galerie sowie aus nationalen Sammlungen zeichnen Kaisers Schaffen nach und beleuchten politische wie ästhetische Spannungsfelder. 

Mit „NIGHT“ präsentiert die Neue Nationalgalerie die erste große Einzelausstellung des italienischen Künstlers Maurizio Cattelan in Deutschland. Die Ausstellung findet im Rahmen des Preis der Nationalgalerie 2026 statt, für den Maurizio Cattelan von einer internationalen Jury ausgewählt wurde. Sie vereint wichtige historische Werke Cattelans und neue Arbeiten in dem ikonischen Mies-van-der-Rohe-Gebäude.

[ materialistin ] zeigt Skulpturen und raumspezifische Installationen im Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, die sich mit gesellschafts- und kulturpolitischen Fragestellungen auseinandersetzen. Die Gruppenausstellung der acht in Leipzig arbeitenden Bildhauer*innen Laura Eckert, Enne Haehnle, Elisabeth Howey, Lucy König, Agnes Lammert, Wibke Rahn, Theresa Rothe und Sophie Uchman hebt neue Formen kollektiver Praxis und Solidarität hervor. Sie ist ein Signal, das im Jubiläumsjahr weit über den Hamburger Bahnhof hinausweist.

Jeewi Lee arbeitet in ihrer künstlerischen Praxis mit ortsspezifischen Installationen, Skulpturen, Bildserien und Interventionen. In ihren Werken verwendet sie oft einfache, scheinbar wertlose Materialien und Artefakte, in die sich Zeit, Erinnerung und Vergänglichkeit als Spuren eingeschriebenen haben. Diese Spuren bilden den Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Forschung. In ihr verschmelzen wissenschaftliche Materialanalysen mit Aspekten taoistischer Philosophie und individueller Mythologie zu poetischen, meditativen Bildwelten. In der Berlinischen Galerie wird die Preisträgerin des GASAG Kunstpreises 2026 eine ortsspezifische Präsentation realisieren. Die Ausstellung findet im Rahmen der Berlin Art Week 2026 statt.

Die Neue Nationalgalerie widmet Christoph Schlingensief (1960–2010), dem äußerst einflussreichen deutschen Künstler, Autor, Filmemacher, Theater- und Opernregisseur und Professor der Bildenden Kunst in ihrer aktuellen Sammlungspräsentation „Zerreißprobe. Kunst zwischen Politik und Gesellschaft. Sammlung der Nationalgalerie 1945 – 2000“ einen eigenen Raum. Im Zentrum steht das Werk „Deutschland versenken“ aus dem Jahr 1999, das Teil seines Projekts „Deutschlandsuche ’99“ darstellt. Die Neue Nationalgalerie freut sich besonders, dass dieses Werk dank der großzügigen Schenkung von Aino Laberenz, die den Nachlass von Christoph Schlingensief verwaltet, nun dauerhaft Teil ihrer Sammlung wird.

Kaum eine Ära stand so unter dem Zeichen von Teilung, Zerrissenheit und Aufbruch wie die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. So stellt die Neue Nationalgalerie ihre nächste Sammlungspräsentation zur Kunst nach 1945 ganz bewusst unter den Titel „Zerreißprobe“. Ausgehend von der radikalen Performance von Günter Brus mit ebendiesem Titel zeigt die Neue Nationalgalerie, wie sehr die Kunst nach 1945 vom Spannungsfeld zwischen Politik und Gesellschaft geprägt war.

Die Ausstellung ist die erste große Retrospektive des Komponisten und Künstlers in Europa. Ryuichi Sakamoto gilt als Pionier der elektronischen und experimentellen Musik, der die Grenzen zwischen Klang, Film, Performance und bildender Kunst immer wieder neu definierte.

Eine frei zugängliche Präsentation der Kunstbibliothek erinnert an die kreative, kunstbegeisterte Bewohnerschaft rund um den Matthäikirchplatz vor 100 Jahren. Bilder und Texte zum Leben und Wirken ehemals berühmter Anwohner*innen erzählen von einer glanzvollen Epoche, die 1933 durch den NS-Staat brutal beendet wurden.