In dieser Ausstellung zeigen wir einige auch neu erschlossene Werke von Ernst Weil im Dialog mit ausgewählten Werken vom Max Ackermann.

Claudia Kallscheuer hat konsequent die gezeichnete und geschriebene Linie durch die genähte Linie an der Nähmaschine ersetzt. Dabei öffnet und sensibilisiert sie den Blick der Betrachter*innen für das Hintergründige des Alltäglichen. Die Motive und Themen unseres Lebens führt sie auf feinsinnige und vielschichtige Weise der künstlerischen Reflexion zu. 

Die Ausstellung Follow the White Rabbit vereint auf spielerische Weise historische Positionen der Nachkriegsabstraktion mit zeitgenössischem Collectible Design und installativen Arbeiten aus der Gegenwartskunst. Im Zentrum steht der Dialog zwischen der dynamischen, gestischen Malerei des Informel – vertreten durch K.R.H. Sonderborg und Walter Stöhrer – und Objekten, die die Grenzen funktionaler Gestaltung überschreiten. Während Sonderborgs technisch-dynamische Strukturen und Stöhrers emotional-kontrollierter Ansatz traditionelle Malereikonventionen aufbrechen, suchen die Designpositionen den direkten Bezug zum skulpturalen Raum.

 

Die Arbeiten von Gisbert Pöppler zeigen eine dezidiert zeichnerische sowie malerische Qualität und bewegen sich an der Grenze zwischen angewandter Kunst und Skulptur. Heike Buchfelder wiederum erweitert funktionale Materialien durch präzise Oberflächenbearbeitungen zu organischen, raumgreifenden Objekten. MK Kaehne besetzt an dieser Schnittstelle eine Schlüsselrolle: Ausgehend von der Malerei reflektiert er in seinen architektonisch-konstruktivistischen Installationen und surrealen Objektumkehrungen den Nutzen und die Grenzen von Kunst und Design. Das Aufeinandertreffen dieser Disziplinen stellt ein Novum im Galerieprogramm dar und bricht bewusst mit der konventionellen Trennung von freier und angewandter Kunst.

 

Trotz historischer Vorbehalte gegenüber der Kombination beider Gattungen offenbart die Gegenüberstellung überraschende Verwandtschaften in Struktur, Form, Prozess und der Haltung des oder der Schöpfer:in zu seinen/ihren Arbeiten. Die präsentierten Werke fungieren als vertraute Alltagsgegenstände ebenso wie als autonome ästhetische Setzungen. So entsteht ein Spannungsfeld, das die Realität des Ausstellungsraums leicht verschiebt und Sehgewohnheiten hinterfragt. Der Ausstellungstitel Follow the White Rabbit greift das bekannte Motiv aus Lewis Carrolls Alice im Wunderland auf, das für den Mut zum Surrealen, das gezielte Brechen mit eingespielten Denkmustern und das Aufspüren fruchtbarer Antagonismen innerhalb einer eigenen, scheinbar widersprüchlichen Logik steht. Unter diesem Leitmotiv lädt die Schau dazu ein, starre Kategorisierungen hinter sich zu lassen und gedanklich neue, unerwartete Wege zu gehen.

Sonderöffnungszeiten zur BERLIN ART WEEK

Fr; 11. September, 12 - 21 Uhr 
Sa, 12. September, 11 - 18 Uhr
So, 13. September, 11 - 18 Uhr

Die Ausstellung vereint zwei Positionen, die sich mit den verborgenen Ebenen menschlicher Wahrnehmung und Identität beschäftigen. ANIDE (*1994, Lyon; lebt in Paris) verbindet in seinen intuitiv entstehenden Gemälden Abstraktion und Figuration. Oliver Czarnetta (*1966, Düren; lebt in Aachen) macht in seinen charakteristischen Kopfskulpturen Bewusstsein, Erinnerung und Identität sichtbar. Im Dialog entstehen neue Perspektiven auf das Sichtbare und Verborgene des Menschseins.

Spectralogy ist eine Gruppenausstellung mit jüngsten Werken von Rolf Behm, Nicola Rubinstein, Jens-Uwe Körber und Zhao Mengjun. Sie präsentiert zeitgenössisch-abstrakte Malerei in Mischtechnik dieser Künstler der Galerie als ein Feld von Beziehungen, Resonanzen und Übergängen. Vielschichtige Oberflächen lassen Spuren, Überlagerungen und neue Wahrnehmungsräume entstehen. Bedeutungen entfalten sich im Einzelwerk ebenso wie im Dialog zwischen den Arbeiten - zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem.

die Kölner Galerie Ulf Larsson ist bei uns zu Gast und zeigt Künstler aus ihrem Programm.

Paul Sous lädt uns in seine Phantasiewelt ein. 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog: Mona Breede. Ein anderes Venedig, Edition Dittmar, Berlin 2026, Textbeitrag von Petra Schaefer, Deutsches Studienzentrum Venedig, Kommentierte Biographie, 88 Seiten.

Die Ausstellung „Von Berlin nach Berlin“ zeigt Zeichnungen, Druckgrafiken, Collographien und Gemälde aus verschiedenen Schaffensphasen von Ingrid Dornier. Geprägt durch die Zusammenarbeit mit Oskar Kokoschka und Matschinsky-Denninghoff sowie durch Reisen und Begegnungen entstand ihr Werk über Jahrzehnte hinweg an wechselnden Orten. Mit ihrer Rückkehr nach Berlin, ihrer Geburtsstadt, werden erstmals verschiedene Werkgruppen in dieser Form präsentiert.

Anlässlich der Berlin Art Week freut sich die Galerie Thomas Schulte, Kerstin Brätsch im Corner Space der Galerie zu präsentieren. Die Künstlerin folgt der Einladung, den markanten Eckraum mit einer eigens für den Ort entwickelten Präsentation zu bespielen. Die Ausstellung vereint drei wandmontierte Tafeln mit Zeichnungen aus der Serie „Para Psychics“ und verdeutlicht Brätschs Verständnis von Zeichnung als räumlichem und sich im Arbeitsprozess entwickelndem Medium. Ergänzt wird die Präsentation durch eine ortsspezifische Intervention, in der die Künstlerin ihre charakteristische Bildsprache auf Böden und Fenster der Galerie ausweitet und den Ausstellungsraum in eine immersive Umgebung verwandelt.

Zur Berlin Art Week 2026 präsentiert die Galerie Thomas Schulte die Ausstellung Life–Death von Katharina Sieverding. Im Zentrum steht der gleichnamige Film aus dem Jahr 1969, ergänzt durch großformatige Filmstills sowie bislang unveröffentlichte Polaroids. Entstanden im damaligen West-Berlin, verweist das Werk auf eine frühe Schaffensphase der Künstlerin und auf einen historischen Moment, in dem sich politische, gesellschaftliche und ästhetische Umbrüche verdichteten. Nicht zuletzt wurde Life–Death 1972 auf der documenta 5 in Kassel gezeigt und manifestiert so die frühe kunsthistorische Relevanz des Werks.

Die Berliner Neoexpressionistin der 1960er Jahre. Die Farblust der Senta Minzlaff. Sie rückt das eigenwillige, farbintensive Werk der Berliner Malerin Senta Minzlaff (1909-1999) in den Mittelpunkt - und verbindet diese Wiederentdeckung mit einer Frage von großer Aktualität: Welche Künstlerinnen fehlen bis heute in unserem Bild der Moderne?

Minzlaffs Bilder sprengen die Grenze zwischen beobachteter Wirklichkeit und entfesselter Fantasie. Leuchtende Komplementärfarben, expressive Figuren, Tiere, Gärten, Reisebilder und traumartige Wesen verdichten sich zu einer Bildwelt von großer sinnlicher Präsenz. Ihr Hauptwerk entstand zwischen 1958 und 1975; seit den frühen 1960er Jahren entwickelte sie eine freie, vom Gegenstand gelöste Farbigkeit, die Tendenzen des späteren Neoexpressionismus und der Neuen Wilden vorwegnimmt.

Vernissage: 23. Oktober, 19h

Finissage: 06. November, 19h

Im Zentrum steht nicht das dokumentarische Abbild der Tierwelt, sondern der künstlerische Blick: Nähe, Intimität und emotionale Verbundenheit prägen viele der gezeigten Porträts, etwa Böhmers Kuhbilder „All Ladies" oder Vrbaškis Vogelporträts. Odermatts stille Sachlichkeit findet ihren roten Faden im Werk von Ute und Werner Mahler; Ingar Krauss' präparierter Feldhase verwischt mit seiner lebensechten Haltung die Grenze zwischen Lebendigem und Präpariertem. Burtynskys Flamingo-Weitsicht auf Lake Bogoria, Kenia, zeigt kein Individuum, sondern einen Naturraum, den der Klimawandel dramatisch verändert.

Die Galerie CAMERA WORK präsentiert vom 10. Oktober bis zum 14. November 2026 die Ausstellung It’s About Time mit 30 ausgewählten Werken Russell James’ aus drei Jahrzehnte seines fotografischen Schaffens – von 1996 bis 2026. Darunter sind zahlreiche bislang unveröffentlichte Fotografien sowie zentrale Werke, die erstmals in dieser Zusammenstellung gezeigt werden. Zur Ausstellung wird vor dem offiziellen Release im November das Fotobuch It’s About Time in der Galerie CAMERA WORK vorgestellt und erhältlich sein.
 

Known as the name of the artists’ group founded in Düsseldorf in the post-war years, ZERO described a ‘zero hour’ following the horrors of the Second World War – a new beginning in the form of art reduced in both form and content, whose primary aim was aesthetic. Moritz Lindur calls for nothing less than such a radical new beginning, whilst pursuing a fundamentally contrasting approach. Far from being depoliticised, the works of his untutored artist spring from an attitude that regards the private sphere as inevitably political, making it almost impossible for the viewer not to take a political stance, or at least to take a position on the subject matter, when viewing them. In doing so – free from any institutional constraints – he works across genres and employs a formal language that, in its aesthetics and methods, repeatedly draws upon the written and spoken word. In terms of both form and content, Lindur’s works leave no doubt that the artist is aware of the increasingly pervasive multiple crises of an era in which ever-larger sections of the world’s population live in precarious circumstances, whilst a numerically small elite accumulates ever greater wealth. This impression is reinforced by a manifesto, written by Lindur himself and reproduced as a take-away for all visitors to the exhibition, in which Lindur, for the first time, not only highlights injustices and makes them visible  but actively seeks solutions and puts them up for collective reflection and implementation.

Lindur’s works speak of and for a working class that has long since ceased to be captured by the Marxist concept and no longer wishes to identify with it, so stigmatised does everything associated with this working class appear in the polished, high-gloss world of social media virtual reality. The former ‘Working Class Hero’ finds himself in a society where work is not only no longer valued, but has also lost its value-creating character. The hero has become a zero, a Union of the Overperforming and Underachieving. All the more urgent, then, is the need to regain awareness of a precarious class identity in global digital late capitalism, in which the gig economy and neoliberal isolation have created a burnt out society so preoccupied with avoiding being crushed by this fragmented labour and class order that there is no room left for a critical reflection on one’s own situation, but perhaps just enough for a little self-care – self-optimisation disguised as mindfulness, aimed at increasing productivity, both professionally and privately. This imbalance becomes all too clear in I am not replace(a)ble (2026), which, in the truest sense of the word, holds up a mirror to this society.

In his series Carte Blanche (2026), Lindur transforms conversations with patients suffering from burnout into large-format paintings based on the corresponding transcripts. Only individual words are recognisable; other passages appear to have been generously redacted, reminiscent of blacked-out official documents and thus also alluding to the stigma attached to mental illness in a society where such conditions are linked to individual failure rather than to a question of their systemic causes. What remains is nil on a white background, on a blank page, with the potential to serve as a starting point for a new beginning – perhaps even healing? What is striking is the common theme of reference to community in relation to these zero points of potential new beginnings. Time and again, a return to the social environment, a plea for help, and a breaking free from isolation appear to be crucial.

Healing often requires a radical decision to break free and perhaps equally radical actions, as point zero for rediscovering one’s own capacity for action and self-efficacy. And so, with his work Zero is Everything (2026), Lindur calls on each individual to undertake such an act of liberation from isolation. Whilst the act of tearing down a wall with specially crafted and engraved hammers may seem rather performative in the context of an exhibition, this very act embodies the potential that ZERO seeks to convey: the potential for collective rebellion against a system of isolation.

Text: Elsa Mack

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1. Guy Standing coined the term ‘precariat’ to account for the globalisation of capitalism and the resulting fragmentation of the world of work, and to highlight that a proletariat as described by Marx – a working class with secure, long-term employment, trade union organisation and opportunities for advancement – no longer exists in this form (Guy Standing, The Precariat. The New Dangerous Class (Bloomsbury Academic 2011)).

In ihrer Ausstellung „Flora“ widmet sich die lettische Malerin Edite Grinberga der Widerstandskraft und Schönheit von Wildpflanzen. Monumentale Darstellungen von Gräsern, Ranken und Sträuchern sowie ihr faszinierendes Spiel aus Licht und Schatten eröffnen einen poetischen Blick auf die Resilienz der Natur. Inspiriert von daoistischem Denken entstehen eindrucksvolle Gemälde, die die enge Verbundenheit allen Lebens erfahrbar machen.

In ihrer Ausstellung »Gesammelte Zeit« zeigt Marita Czepa Zeichnungen, die sich mit Spuren des Vergangenen, mit Erinnerung, Gebrauch und Bewahrung beschäftigen. Im Mittelpunkt stehen Fundstücke aus der Serie »Archäologie der Zukunft«: Die Arbeiten fragen danach, was bleibt, was wir aufheben und was künftige Generationen einmal über unsere Gegenwart erzählen könnten. Mit feinen zeichnerischen Mitteln richtet die Künstlerin den Blick auf das scheinbar Unscheinbare. 

Die weiblichen Aktfiguren der afghanischen Künstlerin Kubra Khademi liegen mit ausgebreiteten Armen auf einem Teppich, sind beim Tee im Gespräch, menstruieren oder streiten sich mit einer Katze um einen Phallus. Mit humorvoll-paradiesisch anmutenden Szenen weist Kubra Khademi die Betrachtenden auf Missstände in der Gesellschaft hin und zeigt auf, wie abhängig der Körper und individuelles Leben von politischen Kontexten und gesellschaftlichen Verfasstheiten ist.

Kuratiert von Christoph Tannert

Wir freuen uns, eine Einzelausstellung mit Malereien von CAROLA SCHAPALS präsentieren zu dürfen.

Die Galerie Deschler vertritt seit Ende der 90er Jahre den in Buenos Aires geborenen Argentinier Mariano Rinaldi Goñi, der schon als Student der Malerei an der Escuela Panamericana de Arte in Buenos Aires, bei Professor Horacio Porto, einem bekannten gesellschaftspolitischen Maler, für Aufmerksamkeit sorgte. Geleitet von Neugier, Wissensdrang und einem expliziten Interesse an europäischer Kultur und Sprache zog der Künstler 1996 nach Berlin um, wo er auch heute noch lebt und arbeitet. 

Seit 2006 präsentierte er Ausstellungen, deren Themen der nordischen Mythologie und ihrer Reinterpretation durch Richard Wagner entlehnt sind, mehrmals zeitgleich zu Richard-Wagner-Festspielen, wie etwa 2006 in Wroclaw, Polen, sowie in den Sommern 2007, 2008, 2010 und 2018 in Bayreuth. In den folgenden Jahren integrierte Goñi zunehmend weitere mythologische Elemente in seine Arbeit und setzte sich insbesondere mit den Topi Apokalypse / Naturgewalten / Ratio / Chaos / Wahnsinn / Ekstase auseinander. Dies mündete 2015 in die Ausstellung "La Locura tropical" in der Galerie Deschler, und ab 2016 in einen neuen Themenkomplex in Bezug auf das mittelalterliche Gleichnis des Narrenschiffs. In den Sommern 2016 und 2018 kehrte er damit nach Bayreuth zurück, um abermals im Kontext der Richard-Wagner-Festspiele seine eigene Vision des Gesamtkunstwerkes in der Verbindung von live Malerei, Tanz, Musik und Poesie zu präsentieren. Im Frühjahr 2022 zeigte er eine umfangreiche Ausstellung im UNESCO Weltkulturerbe Rammelsberg in Goslar, die von Performances mit Musik, Tanz und Gesang sowie verschiedenen Workshops begleitet wurde. Außerdem erschien ein gut 50- seitiger Katalog mit zahlreichen Abbildungen. Zudem initiiert Goñi seit 2012 mehrmals im Jahr sogenannte "Luderabende" in dem Lokal "Perlin" in Berlin, wo die Vorstellung neuer Gemälde mit Musik, Gesang und Tanzperformances verbunden wird.    

Zahlreiche Ausstellungen in Galerien und Museen im In- und Ausland und eine Reihe von Katalogen und Veröffentlichungen in den letzten dreißzig Jahren haben seine Arbeiten weithin bekannt gemacht und stoßen immer wieder auf große Resonanz beim Publikum. 

Bronzeskulptur aus der Sammlung Noack aus den 70er und 80er Jahren mit Henry Moore, Ed Kienholz, Kenneth Armitage, Eduardo Paolozzi, u.a. 

Details zur Ausstellung: kornfeldgalerie.com

Die Landschaftsbilder von Lena Keller sind nicht nur Darstellungen der natürlichen Welt, sondern auch Ausdruck unseres Bedürfnisses, „Natur“ durch eine kuratierte, hyperreale Linse zu sehen. Ihre Bilder fordern uns heraus, die Grenzen zwischen Realität und Künstlichkeit zu hinterfragen, zeigen sie doch eine Wahrheit, die alles andere als rein ist – eine Wahrheit, die im ständigen Umgestalten der Welt durch die digitale Sphäre existiert.

Diese Ausstellung blickt auf das Gebäude von Daniel Libeskind und seine Entstehungszeit. Im Sommer 1989 gewann der New Yorker Architekt den Wettbewerb für den Erweiterungsbau des Berlin Museums – und wurde damit weltberühmt. Anhand von Modellen, Zeichnungen und Diskursen führt die Ausstellungen die Besucher*innen zurück in die Berliner Wende- und Nachwendezeit und trägt zum Verständnis der Genese heutiger Diskussionen um Erinnerung, Gedächtnis und Gedenken bei.

Die von Frauke Beeck und Anja Eichler kuratierte Ausstellung nimmt das Grimm’sche Märchen Schneewittchen zum Ausgangspunkt und richtet den Blick auf Geschlechterrollen, Identität und gesellschaftliche Zuschreibungen heute. 

Männlich, weiblich, divers – oder einfach Mensch?

Die Ausstellung versteht sich als künstlerischer Beitrag zu einer vielschichtigen und kontrovers geführten Debatte. Die teilnehmenden Künstler*innen beleuchten diese Themen aus unterschiedlichen Perspektiven.

Vernissage: 09. Oktober 2026 um 19 Uhr 

Einführende Worte der Künstler*innen 
 

Am 4. Juni 2026 eröffnete die Berliner Newton Foundation zwei neue Ausstellungen: Rooms / Stages und Helmut Newton‘s One-off Album. In den vorderen Räumen finden sich die Werke von einem Dutzend KünstlerInnen zum Thema Raum und Bühne, der Hauptraum wird zum gleichen Thema mit riesigen Motiven von Helmut Newton bespielt. Dieser Teil der Gruppenausstellung Rooms / Stages leitet über zum hinteren Ausstellungsraum, wo ein einzigartiges Fotoalbum von Newton erstmals in Berlin präsentiert wird. Auch in dieser Auswahl finden sich Aufnahmen, die die Transformation eines Raumes in eine Bühne visualisieren.

Am 4. Juni 2026 eröffnete die Berliner Newton Foundation zwei neue Ausstellungen: Rooms / Stages und Helmut Newton‘s One-off Album. In den vorderen Räumen finden sich die Werke von einem Dutzend KünstlerInnen zum Thema Raum und Bühne, der Hauptraum wird zum gleichen Thema mit riesigen Motiven von Helmut Newton bespielt. Dieser Teil der Gruppenausstellung Rooms / Stages leitet über zum hinteren Ausstellungsraum, wo ein einzigartiges Fotoalbum von Newton erstmals in Berlin präsentiert wird. Auch in dieser Auswahl finden sich Aufnahmen, die die Transformation eines Raumes in eine Bühne visualisieren.

Das Prinzip der ungewöhnlichen Nachbarschaft spielt eine wichtige Rolle im Surrealismus. „Schön wie das zufällige Zusammentreffen einer Nähmaschine und eines Regenschirms auf einem Seziertisch“ hieß es schon bei Lautréamont, den André Breton im Ersten Manifest des Surrealismus zitiert. Denn die überraschende Begegnung von Dingen, die man für gewöhnlich nicht miteinander in Verbindung bringt, lässt etwas Drittes entstehen, ein Rätsel, das unsere Wahrnehmung stimuliert und unser Denken auf überraschende Bahnen zu lenken vermag.

Nach seinem Studium bei Otto Steinert reiste Lothar Wolleh nach Mailand zu Lucio Fontana. Es begann ein intensiver Dialog mit dem „Grande Maestro“ des ZERO. In dieser Zeit entwickelte Wolleh sein Konzept des fotografischen Kunstbuchs. Die „Wolleh-Fontana-Kassette“ markiert sein erstes Projekt dieser Art und erwies sich als Modell für die Editionen und Künstlerbücher der folgenden Jahre. 

Die Ausstellung zeigt Porträts und die gemeinsame Edition von 1966/67, die einen entscheidenden Schritt in Wollehs fotografischem Denken markieren. 

Herbert Nauderer nimmt uns mit in eine Fantasiewelt von hoher Suggestionskraft. Er nimmt darin Bezug auf Ereignisse der Geschichte, aktuelle Geschehnisse, Traumata und Verschwörungstheorien. In seinen künstlerischen Welten erschafft er düstere Traumsequenzen sowie rätselhafte Erzählungen, die mysteriös, absurd, komisch und bedrohlich zugleich sind, dabei aber äußerst intensiv in ihrer Wirkung.

Seit einigen Jahren wird dieser Zeichnungskosmos in den großangelegten Werkzyklen „Mausmannsland“, „Das Haus des Erfinders_die Expedition“ und „Parasite Island“ installativ durch Objekte, Photocomposings und Videoloops ergänzt. Seit 2016 entstehen auch eigenständige Filmprojekte, so beispielsweise der Kurzfilm „Parasite Island“ mit Sibylle Canonica und Josef Bierbichler.

Künstlerstatement

"Ich fokussiere Zustände, die mich umgeben, beschäftigen und berühren und übersetze mein Erleben in Farben und Formen - teile so meine Sicht auf die Welt.

Hierbei sind für mich zum einen die unendlich vielen Licht- und Farbstimmungen in der Natur Faszination und wichtige Inspirationsquelle:

- Der Farbe ihren Reichtum an Nuancen entlocken“ 

Zum anderen beschäftigt mich die allgegenwärtige Vergänglichkeit in ihrer ihr eigenen Ästhetik. 

In diese Farbwelten, die geprägt sind durch eine hohe Farbtiefe, setze ich Spuren unseres menschlichen Daseins - mal dezent, die Anwesenheit des Menschen nur symbolhaft wahrnehmbar, mal die menschliche Figur konkretisierend. 

In meinem gesamten Gestaltungsprozess wirken emotionale, bildnerische und inhaltliche Entscheidungen - wechseln sich ab, überlagern und durchdringen sich - fügen sich zu einem großen Ganzen, einer Parallelwelt auf der Leinwand unter den Gesetzen der Malerei."

Ahnungen 

Frank Markowski ist ausgebildeter Keramiker und Journalist. Als nunmehr freier Künstler schöpft er aus beiden Berufsfeldern, kombiniert Form und Sprache: Er modelliert organische Objekte aus Steinzeug oder Papier und verbindet sie mit assoziativen Worten, die er als Titel und Untertitel auf die Sockel druckt. Einige Arbeiten lässt er in Bronze gießen. Auch sie werden mit der Weite der Sprache bereichert. So entstehen gehaltvolle Unikate, deren geistige Dimensionen die Betrachtenden selbst bestimmen: Sie sind eingeladen, luftige Räume zu entdecken – im Diskurs mit dem Objekt, dessen vom Künstler vorgeschlagener Bedeutung und eigenen Vorstellungen. Die Anmut seiner Arbeiten verlockt zu schauen, die Rundungen verführen zu berühren und die Worte lassen die Gedanken schweifen. Das Sinnliche öffnet die Tür zum Sinn; die Ahnung ist der Schlüssel. „Markowskis Skulpturen sind komprimierte gegenstandlose Figuren, die Gefühle oder geistige Prozesse symbolisieren.“ (Zitat Arie Hartog, Direktor Gerhard-Marcks-Haus, Bremen).

Markowski, Mitglied im Berufsverband Bildender Künstler (BBK), lebt und arbeitet in Berlin und Worpswede. Jüngste Ausstellungen (u.a.): Galerie Reichert (Berlin), Gerhard-Marcks-Haus (Bremen)

Alfred Bouß, Fotodesigner; Sublimationsdruck auf Fliesen mit individuell bearbeiteten Stahlplatten

In einer Zeit, in der Bilder des Tötens und der Entwürdigung die Nachrichten füllen, lässt sich Schönheit kaum noch ungebrochen darstellen. Die gezeigten Bilder wurden deshalb digital „altern“ lassen – bis sie wie Fundstücke einer untergegangenen Welt erscheinen: geborgen von Archäologen nach dem Ende der Menschheitsgeschichte. Eine zukünftige Spezies versucht, jene Wesen zu verstehen, die ihre eigene Lebensgrundlage zerstörten. Zugleich verweist die Anmutung der Exponate – in Anspielung auf die Anfänge der Fotografie – auf eine Zukunft des 19. Jahrhunderts.

Im Sublimationsdruck auf Fliesen übertragen, fanden die Bilder ihren Träger schließlich in Stahlplatten, bearbeitet mit Salzwasser, Säuren, Farben und Feuer. Rost schläft nicht – die Oberflächen bleiben ein offener Prozess. Jedes Exponat trägt deshalb Zeit in sich: stetige Veränderungen sind Teil seiner Natur.

Alfred Bouß, Jahrgang 1952, lebt und arbeitet in Berlin. Er ist Fotograf, Autor, Kultur- und Veranstaltungsmanager, Internetgestalter seit den Anfängen, Religionswissenschaftler, Philosoph, Publizist, Kommunikationsprofi. Und immer wieder: die Kamera.

Am 26. April 1986 ereignete sich im AKW Tschernobyl der bis dato größte anzunehmende Unfall der zivilen Nuklearnutzung. Knapp 10 Jahre später, 1995, beauftragte das Deutsche Hygienemuseum Dresden den Fotografen Volker Kreidler die Folgen der Katastrophe für die Menschen, die Orte und die Natur zu dokumentieren. 2015 kehrte der Fotograf in die Sperrzone zurück, 2025 reiste Volker Kreidler erneut nach Kyjiw, die Fotografien sind ein hochaktuelles Zeugnis der politischen Gegenwart in der Ukraine. 

Die Künstlerin Margarita Wenzel realisiert im Historischen Keller eine ortsspezifische Klanginstallation. Ausgehend von den räumlichen und historischen Gegebenheiten des Ortes entwickelt sie mehrere Soundpieces, die den labyrinthischen Raumfolgen erstmalig „Stimmen“ verleihen und sie völlig neu erfahrbar machen.

Seit über fünf Jahrzehnten setzt sich Gabriele Stötzer mit Themen wie Gerechtigkeit, Selbstbestimmung und Geschlecht auseinander. Ihr eigener Körper spielt dabei oft eine zentrale Rolle – nicht als Objekt, sondern als Schauplatz von Widerstand und feministischer Selbstbehauptung. Mit Dabei sein und nicht schweigen zeigt der Gropius Bau ab Juni 2026 die bislang größte institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin.

Die Ausstellung »Silberstreif« der Künstlerin Daniela Friebel basiert auf dem Nachlass eines ostdeutschen Teilchenphysikers aus der Anfangsphase des geteilten Deutschlands. Die Briefe und Fotografien zeichnen das Coming-of-Age eines jungen Mannes nach, der sich in einer historischen Umbruchszeit intellektuell und existenziell verortet. Die physische Substanz der Dokumente – Faltungen, Schriftzüge, Stanzungen – wird zum Bildträger, zum Zeichen und zur Metapher. Aus der persönlichen Korrespondenz entstehen visuelle Verdichtungen, die über das Biografische hinausweisen und grundlegende Fragen nach Freiheit, Willkür und Verantwortung in den damaligen Zeiten politischer Verhärtung stellen.

In großformatigen Gemälden und Zeichnungen macht sich die junge Malerin Lunita-July Dorn (*1999) immer wieder zur imaginären Protagonistin. Ob einzeln oder in Vielzahl, ihr eigenes Porträt ist der Ausgangspunkt einer eindringlichen malerischen Selbstbefragung, mit der sie individuelle und soziale Rollenbilder erprobt. Dorn verwebt persönliche Erinnerungen und Gefühle mit fantastischen Motiven und Szenerien zu anmutigen, autofiktionalen Erzählungen. 

Die kommunalen Galerien Tempelhof-Schöneberg loben seit 2002 den Kunstpreis des Haus am Kleistpark aus.Der Preis ist mit 5.000 Euro dotiert. Das Oberthema lautet in diesem Jahr »FRACTURE«. Der Begriff verweist auf Brüche und Risse, die sich sowohl in inhaltlichen Fragestellungen als auch in Materialien, Umsetzung und technischen Verfahren zeigen können. Der Bruch erscheint dabei als Erfahrung
und als künstlerisches Mittel zugleich: als Fragmentierung, Unterbrechung oder Verschiebung, die Wahrnehmung verändert.

Den Juryvorsitz übernimmt in diesem Jahr Franciska Zólyom, Direktorin, Kuratorin, Galerie für zeitgenössische Kunst (gfzk) Leipzig.

Der ukrainische Künstler Vitalii Shupliak konzipiert für das Gotische Haus eine ortsbezogene Installation. Rekurrierend auf die Architektur und die wechselvolle Geschichte des Hauses entwickelt er in unterschiedlichen Medien Arbeiten, die aktuelle Fragen nach Identität, Migration und räumlichen Grenzen aufwerfen und den historischen Ort in einen zeitgenössischen Kontext stellen.

Tacita Dean, Thomas Demand, Olafur Eliasson, Henrik Håkansson und Tomás Saraceno kehren zurück zum Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart: In den frühen 2000er Jahren hatten sie Ateliers in angrenzenden Lagerhäusern. Diese Relikte der Berliner Industriegeschichte wurden teilweise in das Museumsgebäude integriert. 20 Jahre später treffen sich die fünf Künstler*innen anlässlich des 30. Jubiläums des Hamburger Bahnhof und zeigen in der Gruppenausstellung „Next Door“ neue und großformatige Werke. Das Wiedersehen bringt unterschiedliche künstlerische Werdegänge zusammen, die an diesem gemeinsamen Arbeitsort ihren Ausgangspunkt nahmen.

Ausgangspunkt von Shilpa Guptas Einzelausstellung im Hamburger Bahnhof ist das monumentale Werk TRUTH an der Schnittstelle von Sprache, Macht und Kontrolle. Während sich die Besucher*innen durch die überdimensionalen Buchstaben im Ausstellungsraum bewegen, hinterfragt das Kunstwerk Mechanismen, die Wahrheit bewahren oder verschleiern. Die skulpturale Installation zeigt auf, wie gemeinschaftlicher Fortschritt davon abhängt, Wahrheit zu beschützen und zu hinterfragen. Ergänzt um weitere Werke der Künstlerin wird Guptas Ausstellung im Hamburger Bahnhof im Dialog mit der Sammlungspräsentation Joseph Beuys gezeigt. Die parallele Betrachtung verweist auf Ähnlichkeiten im Umgang mit Sprache, Partizipation und soziale Reflexion. Als Teil des Jubiläumsprogramms hebt die Ausstellung den künstlerischen Austausch als zentrales Thema des Hamburger Bahnhofs seit der Museumsgründung hervor.

Mit „Ruin und Rausch“ nimmt die Neue Nationalgalerie ausgewählte Werke aus ihrer Sammlung der Klassischen Moderne in den Blick, die das Berlin der 1910er- und 1920er-Jahre thematisieren. Diese Jahrzehnte – geprägt von Erstem Weltkrieg und Weimarer Republik – oszillierten beständig zwischen Gegensätzen: Exzess und Armut, Emanzipation und Extremismus gingen in der rasant wachsenden, kosmopolitischen Metropole Hand in Hand. Mit rund 45 Werken unterschiedlicher Stilrichtungen macht die Ausstellung die Ambivalenz von Glanz und Elend, Aufstieg und Abgrund im damaligen Berlin erlebbar.

Die Ausstellung „On Landscape: Zwischen Eskapismus und Entzauberung“ versammelt internationale Künstler:innen, die das Thema Landschaft im Spannungsfeld ökologischer, technologischer und gesellschaftlicher Fragen neu verhandeln. Zwei Kräfte stehen dabei im Fokus: Zum einen die Überlastung des Planeten seine Überformung durch den Menschen, wie sie in dem Begriff des Anthropozäns greifbar wird. Zum anderen die wachsende Macht des Digitalen, beschleunigt durch Künstliche Intelligenzen, die immer stärker Alltag und künstlerische Praxen durchdringen.

• Eröffnung: Mittwoch, 9. September 2026, 19 Uhr (als Partner der Berlin Art Week).
• Von April bis Anfang November 2027 wird die Ausstellung im Schloss Tirol – Landesmuseum für Kultur- und Landesgeschichte – Südtirol gezeigt werden.
• Ein Teil des Begleitprogramms findet im Rahmen der Kooperation mit der Schering Stiftung statt.

Weitere Veranstaltungen

• Vortrag: 24. September 2026, 18:30 Uhr | Über KI - Vortrag von Ornella Fieres
• Kuratorentour in Kooperation mit der Schering Stiftung: 16. Oktober 2026, 17:00 Uhr
• Panel: 20. November 2026, 18:30 Uhr | Stop The Destruction Now
• Vortrag: 04. Dezember 2026, 18:30 Uhr | Die Befreiung der Landschaft aus den Fesseln der Gattung - Prof. Dr. Werner Busch

Seit 1997 vergibt der Freundeskreis der Kunsthochschule, die Mart Stam Gesellschaft, jedes Jahr den Mart Stam Preis für herausragende Abschlussarbeiten aller Fachrichtungen; er setzt sich damit über die übliche Trennung von Kunst und Design hinweg.

Die ebenso beeindruckenden wie rätselhaften Bildwelten von Laura Bruce (* 1959 in East Orange, NJ/ USA) entstehen an der produktiven Schnittstelle von Figuration und Abstraktion. Großformatige Farbstiftzeichnungen, lasurhafte Tuschmalereien und farbig gefasst Keramiken prägen die umfangreiche Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin.

In Zusammenarbeit mit den angolanischen Künstlern Mussunda N'Zombo und Bruno Fonseca ist das Goethe-Institut Angola seit zwei Jahren auf der Suche nach Spuren unbeschriebener Kapitel deutscher Kolonialpräsenz in Angola.

Die Ausstellung „Windstille Nacht“ bringt mit Ewa Finn (* 1979 in Warschau) und Katharina Poos (* 1961 in Berlin) zwei außergewöhnliche Berliner Malerinnen zusammen, deren Arbeiten sich dem Subtilen, dem Unheimlichen und der Psychologie des Unbekannten widmen. 

Funda Özgünaydin (* 1978 in Frankfurt/ Main) arbeitet ausgehend von einem umfangreichen künstlerischen Materialarchiv an hybriden Bildrealitäten und chimärenhaften Wesen, die durch das Collagieren, Dekonstruieren und (Neu-)Konstruieren entstehen.

Lina Lapelytės Performance „We Make Years Out of Hours” wandelt die historische Halle des Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart für die zweite CHANEL Commission in einen Ort des gemeinsamen Handelns und Singens.Die Ausstellung übertritt Grenzen zwischen Skulptur und Performance, Individuum und Kollektiv: 400.000 Holzwürfel breiten sich auf dem Boden aus, türmen sich zu Stapeln, verbinden sich zu architektonischen und dann zu hügelartigen Strukturen. Die Klötze wandern durch die Hände von Performer*innen und Besucher*innen und so wandelt sich die hölzerne Landschaft stetig. „We Make Years Out of Hours” ist ein lebendiges Monument für Zeit, Fürsorge und Koexistenz. Das partizipative Format betont mit der aktiven Einbeziehung des Publikums das Verständnis des offenen Museums zum 30. Jubiläum des Hamburger Bahnhof.

Aus Anlass seines 25-jährigen Bestehens lädt das Jüdische Museum Berlin sein Publikum ein, sich anhand von zwölf künstlerischen Projekten von der Gegenwart zu lösen und nach gesellschaftsverändernden Ansätzen zu suchen. Die Werke werden eigens für die Ausstellung entwickelt und sollen das Publikum dazu anregen, die Auseinandersetzung mit einem oft bedrückenden Jetzt aufzunehmen, um ihm eigene Vorstellungen entgegenzusetzen.

GEDOK wir 100 Jahre. Die Auseinandersetzung zu den Themen Frau/Sein und Mut/ Willen ist möglich, Themen, die für das bisherige Bestehen des Vereins und seiner Mitglieder tagtäglich bestimmend sind.

Mit Arbeiten von Anja Asche, Heike Franziska Bartsch,Christin Sophie Bloess, Daniela Butsch, Aenne Burghardt, Katrin Grote-Baker, Gerlind Hentze, Carola Hölting, Brigitte Jennen,Gritt Klassen, Gabriele Nocker, Sibille Riechardt, Ortrun Stanzel, Julia Theek, Ute Vauk-Ogawa

Die Ausstellung zeigt ausgewählte Tafelbilder des Spandauer Künstlers Helmut Frelke (*1951, Kasachstan). Seine Holzmalereien sind Ausdruck eines einzigartigen Dialogs zwischen Natur und kunsthistorischer Bildtradition. Das Edelholz als Material gibt durch seine Maserung die Bildwelten vor, die der Künstler gekonnt durch Schichten von Beize hervorhebt. So treten verborgene mythische Gestalten und biblische Szenen ans Licht, die im Wurzelholz bereits angelegt schienen. Ein bedeutender Teil der gezeigten Arbeiten widmet sich christlichen Motiven, die bei Frelke eine ganz eigene, zeitgenössische Sprache finden. 

Zum 80-jährigen Jubiläum 2026 beleuchtet das Haus den Wandel vom privaten Wohnhaus zum Ausstellungshaus sowie Brüche und Kontinuitäten der Nachkriegszeit und deren Spuren in der Institution. Eine von der georgischen Kuratorin und Archivarin Nina Akhvlediani entwickelte Displayarchitektur erlaubt flexible Präsentationen von Archivalien im Dialog mit zeitgenössischer Künstler*innen. Seit… gliedert sich in drei Kapitel. Das erste Kapitel, Leidenschaftslose Mechaniken von Luciano Pecoits, ist vom 20.2. bis 25.5. zu sehen.

Mit seinen Arbeiten richtete Christoph Schlingensief den Blick schonungslos auf die Zumutungen der Gegenwart. Im Herbst 2026 widmet der Gropius Bau ihm mit ES IST NICHT MEHR MEIN PROBLEM, MACHT EURE SCHEISSE ALLEINE (AT) eine Ausstellung, die sein visionäres Werk zwischen aufsehenerregenden politischen Aktionen, radikalen theatralen Inszenierungen und der Verschmelzung von Performance und bildender Kunst beleuchtet.

Die in Berlin lebende serbische Künstlerin und Fotografin Mirjana Vrbaški (*1978) erhielt 2024 das Fotoarbeitsstipendium des Haus am Kleistpark. Ihr Projekt widmete sich dem Dreifaltigkeitsfriedhof III in Mariendorf Nord als fragile urbane Oase und vielfältiges Biotop, das durch die geplante gewerbliche und wohnbauliche Nutzung verschwindet. Für die Ausstellung bearbeitet Vrbaški fotografische Bilder der Natur und überführt diese auf verkohlte Holzplatten und untersucht dadurch das Element Feuer als zerstörerische wie transformative Kraft, aus der neues Leben und neue Bildräume entstehen.

Im Herbst 2026 präsentiert das Haus am Waldsee die erste umfassende institutionelle Einzelausstellung des Künstlers Peter Wächtler in Berlin. Wächtler (*1979 in Hannover, lebt und arbeitet in Berlin) entwickelt seine Arbeiten jenseits fester Werkbegriffe oder Einordnungen. Er schreibt, filmt, zeichnet, malt, baut Skulpturen und Filmsets um vertraute Genres und Erzählweisen in eine fragile Balance von Nostalgie, Tragik und absurdem Humor zu überführen.

Der Titel der neuen Ausstellungsreihe Wissen um Weiss / 1 geht auf ein Gedicht von Alexander Camaro zurück, in dem er Weiss, Wissen und Weisheit verbindet.

Eine unserer Prioritäten ist es, wichtige Aspekte seines Werkes im Dialog mit zeitgenössischen Positionen sichtbar zu machen. Dabei interessieren uns nicht nur direkte biografische Verbindungslinien, sondern auch innere, generationsübergreifende Verwandtschaften – gerade dort, wo Künstler:innen einander nie begegnet sind oder keine unmittelbare Prägung stattgefunden hat. WISSEN UM WEISS steht damit in der Kontinuität von Ausstellungen wie „Schatten aus Licht“ mit Lothar Wolleh (2023) und „Swing“ mit Dieter Mammel (2025).

Bei Sabine Herrmann erscheint Weiss als eigene Farbe und zugleich als transparente Linienführung, die sich über farbige Kompositionen legt und diese verdichtet. Bei Bernd Kerkin ist es das Ergebnis einer zunehmenden Reduktion und Konzentration.

Licht als eine erarbeitete Abwesenheit von Finsternis wird in der Malerei durch schichtenweise Überlagerungen ebenso erreicht wie durch die vorausschauende Aussparung auf weißem Grund. Aus diesen individuell sehr unterschiedlichen Verfahren entstehen Bildwelten von melancholischer Tiefe und zugleich erhebender Leichtigkeit. Ihre innewohnende Poesie sprengt den engen Horizont unseres komplexen Alltags.

Weiss ist die Summe aller Lichtfarben. Auch die hier zusammengestellten Werke bilden eine Summe individueller Farbwelten – mit Nuancen und Feinheiten, die sich in der Betrachtung und im Gespräch erschließen.

Im Rahmen der Ausstellung gibt es Gelegenheit, Sabine Herrmann und Bernd Kerkin kennenzulernen und mit ihnen ins Gespräch zu kommen:

14.10.2026, 18.30 Uhr Ausstellungseröffnung, mit Musik von Conny Bauer (Jazz)

29.10.2026, 18.00 Uhr Führung mit Bernd Kerkin

05.11.2026, 18.00 Uhr moderiertes Gespräch mit Sabine Herrmann und Bernd Kerkin

14.01.2027, 18.00 Uhr Führung mit Sabine Herrmann

21.01.2027 Finissage

Lovis Corinths Bedeutung für die Moderne ist kaum zu überschätzen. Bereits zu Lebzeiten zählte der virtuose Maler (1858–1925) zu den bekanntesten Persönlichkeiten der Berliner Kunstszene. 1900 zog er von München in die Reichshauptstadt. „Angefangen hat es erst in Berlin“, soll Corinth seine Erfolgsgeschichte an der Spree kommentiert haben. Im Fokus der Ausstellung stehen Corinths steile Karriere und sein Einfluss auf die Kunstszene der Stadt, aber auch sein privates Umfeld. Wie modern der Künstler malte, lebte und dachte, zeigen darüber hinaus weniger bekannte Themen: Corinths Malschule, in der er vor allem Frauen unterrichtete, und seine Arbeit für das Berliner Theater.

Mit Werken der ifa-Kunstsammlung u.a. von Franz Erhard Walther, Sharon Lockart, Wolfgang Laib, Antonio Paucar in Dialog mit u.a. mit Hana Miletic, Egle Budvytyte, Sivi Naci. 

Mit der Ausstellung führt das ifa die künstlerisch kuratorische Auseinandersetzung mit Werken aus der ifa-Kunstsammlung im Kontext zeitgenössischer Positionen fort. Die Ausstellung thematisiert den menschlichen Körper, seine Bewegungsmöglichkeiten und Rollen und bezieht weitere Aspekte u.a. der Social Choreography oder das Thema Textil ein. Gezeigt werden Objekte und Videos aus der ifa-Kunstsammlung, ergänzt um die Perspektive internationaler Künstler:innen. Die künstlerischen Positionen stehen z. T. im Kontext mit dem östlichen Europa und thematisieren auch diasporische Erfahrungen.

Kuratiert von Inka Gressel in Zusammenarbeit mit weiteren Kurator:innen
Eröffnung: 15.10.2026

Josef Kaiser zählt zu den prägenden Vertretern „sozialistischer“ Architekturen der DDR. Zwischen 1950 und 1980 realisierte ergemeinsam mit seinem Kollektiv zahlreiche staatliche und kommunale Bauprojekte, darunter das Berliner Kino International und das Café Moskau an der Karl-Marx-Allee.
Die Ausstellung „Josef Kaiser. Bauen für die DDR“ (AT) rekonstruiert erstmals umfassend Leben und Wirken des Architekten, der in zwei unterschiedlichen diktatorischen Systemen tätig war. Rund 60 Pläne, Fotografien, Filme und Modelle aus dem Bestand der Berlinischen Galerie sowie aus nationalen Sammlungen zeichnen Kaisers Schaffen nach und beleuchten politische wie ästhetische Spannungsfelder. 

Das Beste aus der Welt der Fotografie. Zu sehen gibt es die schönsten Bilder des Wettbewerbes aus Bereichen wie Architektur & Design, Kreativ, Dokumentarische Projekte, Umwelt, Landschaft, Portfolio, Porträt, Sport, Stillleben, Natur & wilde Tiere.

Mit „NIGHT“ präsentiert die Neue Nationalgalerie die erste große Einzelausstellung des italienischen Künstlers Maurizio Cattelan in Deutschland. Die Ausstellung findet im Rahmen des Preis der Nationalgalerie 2026 statt, für den Maurizio Cattelan von einer internationalen Jury ausgewählt wurde. Sie vereint wichtige historische Werke Cattelans und neue Arbeiten in dem ikonischen Mies-van-der-Rohe-Gebäude.

[ materialistin ] zeigt Skulpturen und raumspezifische Installationen im Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, die sich mit gesellschafts- und kulturpolitischen Fragestellungen auseinandersetzen. Die Gruppenausstellung der acht in Leipzig arbeitenden Bildhauer*innen Laura Eckert, Enne Haehnle, Elisabeth Howey, Lucy König, Agnes Lammert, Wibke Rahn, Theresa Rothe und Sophie Uchman hebt neue Formen kollektiver Praxis und Solidarität hervor. Sie ist ein Signal, das im Jubiläumsjahr weit über den Hamburger Bahnhof hinausweist.

Das Institut für Architekturbezogene Kunst (IAK) der TU Braunschweig präsentiert sich für sechs Monate in Berlin. Unter der Leitung der Künstlerin Folke Köbberling, die seit 2016 das Institut im Querumer Forst leitet und das von den Studierenden liebevoll „Busch“ bezeichnet wird, verfolgt das IAK einen interdisziplinären Ansatz. Das IAK bietet den Studierenden neben der künstlerisch gestaltenden Grundlagenausbildung auch die Möglichkeit, großformatige Arbeiten im Außenraum zu realisieren.

Jeewi Lee arbeitet in ihrer künstlerischen Praxis mit ortsspezifischen Installationen, Skulpturen, Bildserien und Interventionen. In ihren Werken verwendet sie oft einfache, scheinbar wertlose Materialien und Artefakte, in die sich Zeit, Erinnerung und Vergänglichkeit als Spuren eingeschriebenen haben. Diese Spuren bilden den Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Forschung. In ihr verschmelzen wissenschaftliche Materialanalysen mit Aspekten taoistischer Philosophie und individueller Mythologie zu poetischen, meditativen Bildwelten. In der Berlinischen Galerie wird die Preisträgerin des GASAG Kunstpreises 2026 eine ortsspezifische Präsentation realisieren. Die Ausstellung findet im Rahmen der Berlin Art Week 2026 statt.

Die Neue Nationalgalerie widmet Christoph Schlingensief (1960–2010), dem äußerst einflussreichen deutschen Künstler, Autor, Filmemacher, Theater- und Opernregisseur und Professor der Bildenden Kunst in ihrer aktuellen Sammlungspräsentation „Zerreißprobe. Kunst zwischen Politik und Gesellschaft. Sammlung der Nationalgalerie 1945 – 2000“ einen eigenen Raum. Im Zentrum steht das Werk „Deutschland versenken“ aus dem Jahr 1999, das Teil seines Projekts „Deutschlandsuche ’99“ darstellt. Die Neue Nationalgalerie freut sich besonders, dass dieses Werk dank der großzügigen Schenkung von Aino Laberenz, die den Nachlass von Christoph Schlingensief verwaltet, nun dauerhaft Teil ihrer Sammlung wird.

Kaum eine Ära stand so unter dem Zeichen von Teilung, Zerrissenheit und Aufbruch wie die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. So stellt die Neue Nationalgalerie ihre nächste Sammlungspräsentation zur Kunst nach 1945 ganz bewusst unter den Titel „Zerreißprobe“. Ausgehend von der radikalen Performance von Günter Brus mit ebendiesem Titel zeigt die Neue Nationalgalerie, wie sehr die Kunst nach 1945 vom Spannungsfeld zwischen Politik und Gesellschaft geprägt war.

Die Ausstellung ist die erste große Retrospektive des Komponisten und Künstlers in Europa. Ryuichi Sakamoto gilt als Pionier der elektronischen und experimentellen Musik, der die Grenzen zwischen Klang, Film, Performance und bildender Kunst immer wieder neu definierte.

Eine frei zugängliche Präsentation der Kunstbibliothek erinnert an die kreative, kunstbegeisterte Bewohnerschaft rund um den Matthäikirchplatz vor 100 Jahren. Bilder und Texte zum Leben und Wirken ehemals berühmter Anwohner*innen erzählen von einer glanzvollen Epoche, die 1933 durch den NS-Staat brutal beendet wurden.