Simone Kornfeld hat ihr Œuvre aus ihren jahrzehntelangen Experimenten mit dem Phänomen Farbe entwickelt. Farbaktion, Farbintensität und Farbbewegungen sind die beherrschenden Stilelemente ihrer Kunst. Ihre großformatigen Bilder malt Simone Kornfeld mit Verve, Schicht um Schicht: „Ich male mit den bloßen Fingern um das auf dem Boden liegende Bild herum, in tänzerisch-spielerischer Bewegung kreisend.“

Die Galerie CAMERA WORK präsentiert ab dem 19. März 2022 die Ausstellung »Witnessing History«, die sich mit 40 eindrücklichen Werken von über 20 weltberühmten Fotograf:innen, der bedeutsamen Geschichte des Fotojournalismus widmet. Gezeigt und kontextualisiert werden visuelle Dokumente aus nahezu 80 Jahren Welthistorie, die Geschichte geschrieben haben und ein fester Bestandteil des kollektiven Gedächtnisses geworden sind.

Gisoo Kim will mit ihren Fotocollagen neue Realitäten schaffen. Dies gelingt ihr, indem sie Fotografien ganz unterschiedlicher Orte und Sujets manuell – und bewusst nicht am Computer und ohne Kleber – zusammenfügt.  

Dieses Jahr ist den Künstlern der Galerie bzw all denjenigen gewidmet, die schon einmal hier ausgestellt haben bzw Neuentdeckungen der Galerie.

Es werden drei Werkschauen stattfinden. Der erste Teil beschäftigt sich mit

Skulpturen, Objekten und anderen Dingen...

Auf Grund der aktuellen Corona-Situation verzichten wir auf eine Eröffnung der Ausstellung. Die Werke sind aber ab dem 5. Februar in der Galerie zu sehen.

Zum ersten Mal präsentieren wir den Künstler und Fotografen Ingar Krauss mit einer Ausstellung, die der Entwicklung und Wiederkehr des Naturthemas in seinem Werk nachgeht – von frühen Porträts zu jüngsten seriellen Arbeiten, von denen einige bisher noch nie zu sehen waren. Seine Bilder stehen im Zeichen eines Realismus, der auf natürliche Art magisch ist: als Wahrnehmung des Poetischen und Surrealen, manchmal Unheimlichen im Alltäglichen.

Mårten Lange zeigt hypermoderne Stadtlandschaften durch den gespenstischen Dunst von LEDs und Smog und beschreibt mit China ein Land, das sowohl von seiner Vergangenheit als auch von seiner Zukunft heimgesucht wird. Die in den sechs größten Städten des Landes entstandene Serie zeigt urbane Orte, die in den letzten Jahren rasant gewachsen sind und die sowohl futuristisch wirken als auch außerhalb der Zeit zu schweben scheinen.

In der Ausstellung „Stauden, Blumen und Verfall“ entdeckt die junge Fotografin Tilyen Mucik (*1995 Ljubljana) die Vielfalt der Natur, der Bildhauer Zadok Ben-David (*1949 Bayhan, Jemen) erschafft sie mit eigener Hand. Künstliche und natürliche Natur treffen aufeinander. 

Ihr Sujet ist die Stille. Das Werk der Berliner Malerin Ursula Schumacher umfasst Stillleben und Landschaftsstücke, Arrangements mit Blumen, Stoffen, Schachteln, Gläsern und Puppen, Booten und Bäumen im Wechselspiel von Licht und Schatten. Fast unscheinbare Dinge, die in ihren Kompositionen in magischer Weise zum Ausdruck gelangen. 

Wie findet man Fokussierung in einer diffusen Welt, die Ruhe in Zeiten der Unruhe? In ihrer ersten Einzelausstellung SUR LA TABLE widmet sich die 1994 geborene Wahlberlinerin Anna Tunikova den großen Fragen. Für ihre Auseinandersetzung mit der Gegenwart greift die Künstlerin auf die Vergangenheit zurück und abstrahiert in ihren Gemälden Formen, die an die Steinzeit erinnern. In diesem Spannungsfeld der Zeiten eröffnet sich dem Publikum das Gesuchte: Ruhe und Fokus.

Der Berliner Künstler Wolfram Beck (1930-2004) hinterließ als Bildhauer, Zeichner, Maler und Lyriker ein umfangreiches und vielgestaltiges Œuvre. Er war ein Meister der ästhetischen Strenge und der handwerklichen Präzision mit hoher Sensibilität für die Bearbeitung des jeweiligen Materials wie Holz, Stein, Stahl, Bronze und Acryl. Die Ausstellung präsentiert Skulpturen, Assemblagen, Zeichnungen und Gemälde aus den aus den 1960er bis 1990er Jahren.

Vom 22. April bis zum 4. Juni 2022 präsentiert Jarmuschek + Partner fünf Positionen aus der Klasse von Prof. Thomas Scheibitz der Kunstakademie Düsseldorf. Unter dem Titel "Accurate Glitch" werden malerische und dreidimensionale Arbeiten von Filip Gudović, Luc Palmer, Katharina Stadler, Andreas Steinbrecher und Denise Werth gezeigt.

In unserer ersten Ausstellung mit Joanna Buchowska zeigen wir vor allem eine Werkserie, die sich mit wenig bekannten Wissenschaftlerinnen beschäftigt. Joanna sagt dazu: Weltweit liegt der Frauenanteil in der Wissenschaft (2016) bei 29,3 Prozent, im südlichen und westlichen Asien bei nur 18,5 Prozent. Deutschland liegt innerhalb der EU mit genau 28 Prozent nur knapp vor dem Schlusslicht Niederlande. Das ist erschreckend wenig und ich möchte den weiblichen Wissenschaftlerinnen ein Gesicht geben.

Neue Arbeiten des norwegischen Künstlers Anders Gjennestad. Urban Art. 

Galerie Gilla Lörcher freut sich sehr, eine Einzelausstellung der britischen Malerin Joanna Jones (Jahrgang 1945) zu präsentieren. Zu sehen sind Arbeiten der 2020/2021 entstandenen Serie "It cut through blood". 

Seit El Bocho von der Straße auf die Leinwand gewechselt ist, stellt die JRGallery regelmäßig seine neusten Arbeiten in Einzelausstellungen aus. Durch diese jahrelange Zusammenarbeit hat die Galerie das Glück, die neusten Entwicklungen in seinem Werk als erstes präsentieren zu dürfen. Freuen Sie sich auf neue Arbeiten des inzwischen ikonischen Berliner Street Art Künstlers.
 

Juan Logan, 1946 in Nashville, Tennessee geboren, lebt und arbeitet in Belmont, NC. Seine Werke, ursprünglich bezogen auf die amerikanische Geschichte und die Zusammenhänge von Rasse und Macht, veranschaulichen heute von vielen Menschen geteilte universale, meist leidvolle Ereignisse in der Geschichte. Seine Bilder sind Chiffren für Erinnerungen, die in Vergessenheit zu geraten drohen. In den USA sind Juan Logans Werke sind Teil zahlreicher Sammlungen und in vielen Museen zu sehen. 

Fast 50 Jahre lang starteten und landeten auf dem Flughafen Berlin-Tegel Propeller- und Düsenmaschinen. Als TXL im November 2020 geschlossen wurde, konnte Daniel Poller dort einige Tage zuvor bereits Krähen, Tauben, Stare und Kraniche fotografieren, die wenig später Start- und Landebahnen endgültig übernehmen sollten. Entstanden ist die Serie „Birds of Tegel“ (2022). Es erscheint eine Publikation mit einem Text von Andreas Prinzing bei Edizione Multicolore.

Howard Sherman gehört zu den bekanntesten Künstlern in Texas, wo er 2006 seinen Master of Fine Arts an der University of North Texas erhielt und heute lebt und arbeitet. Shermans Leinwände tragen Spuren seines Hintergrunds als Cartoonist und verbinden die rohe Kraft aggressiver Pinselstriche mit einem spielerischen Sinn für Humor. Wir freuen uns, ihn zu seiner ersten Ausstellung in Europa in der Galerie zu begrüßen.

Wir freuen uns sehr, zum Gallery Weekend 2022, neue Arbeiten von Jenny Brillhart zu zeigen. Die Basis für Jenny Brillharts Bilder, bildet ihr unmittelbares Umfeld im Atelier. Viele Motive, die sie anschliessend in Malerei umsetzt, entstehen durch das Bauen und Arrangieren von Objekten, Gegenständen und profanen Materialien im Studio. 

„Meine Bilder sind immer aus purer Freude an der Arbeit entstanden.“ Werner Kunkel (Magdeburg 1922 – 2017 Braunschweig), Meisterschüler von Hans Kuhn an der HfbK Berlin, malte zeitlebens figurativ und hielt sich bewusst vom Kunstbetrieb fern. Er schuf einen eigenwilligen künstlerischen Kosmos, der sachliche Abbildung mit hintergründiger Sinnbildhaftigkeit verbindet. Anlässlich seines 100. Geburtstags zeigen wir eine Auswahl seiner Bilder und Zeichnungen.

Anton Henning ist der Meister der Widersprüchlichkeit, ein Allesfresser, dessen offensichtlich unstillbarer Appetit besonders der Moderne gilt. In der Ausstellung „Zukunft und Anmut, No. 1“ verbindet er mit Gemälden, Skulpturen, Mobiliar den Entwurf zum schöneren Wohnen mit der Vergeblichkeit von Idee und Zukunft in einer mit einer ordentlichen Prise romantischer Ironie auf die Räume der Galerie zugeschnittenen Komposition.  

Seit den frühen 2000er Jahren bewegt sich Sterling Rubys künstlerische Arbeit zwischen verschiedenen Medien und Disziplinen und verbindet Bereiche wie Kunst, Kunsthandwerk, Populärkultur, Geschichte und philosophischen Fragestellungen zu einem vielseitigen Œuvre von Objekten und Bildern. Ruby beschäftigt sich eingehend mit den eingesetzten Materialien und lässt deren Geschichte sowie haptische und textuelle Qualitäten in seine Werke einfließen.

André Thomkins, von DADA und Surrealismus geprägt, gehört zu den wichtigsten Schweizer Künstlern des 20. Jahrhunderts. Er lehrte an der Düsseldorfer Kunstakademie. 1982 kam er mit einem DAAD-Stipendium nach Berlin. Eng befreundet war er u.a. mit Dieter Roth, Daniel Spoerri, Berhard Luginbühl; teils entstanden Gemeinschaftswerke. Thomkins' Werk prägt die enorme Vielfalt an Ausdrucksformen – z.B. entstehen Lackskins, Rollagen, Palindrome – und ein spielerischer, assoziativer Erfindergeist.

Mit dieser Ausstellung zeigt Kang Contemporary die Beziehungen zwischen mentalen und physischen Räumen auf. Durch die Fokussierung auf Überschneidungen und Übergänge wird die Isolierung zwischen Kunst, Raum und Menschen verkompliziert und die Klarheit der Interpretation erschwert. Gleichzeitig eröffnet es die Möglichkeit, eine Fülle von Verbindungen und Korrelationen zu entdecken, die das alltägliche Leben tangieren.

40 Jahre nach der legendären Zeitgeist-Ausstellung 1982, mit Schwerpunkt Malerei, insbesondere der "Heftigen Malerei", im seinerzeit nur notdürftig sanierten und direkt an der Berliner Mauer gelegenen Martin-Gropius-Bau, wirft die Ausstellung in der Galerie Deschler noch einmal einen Fokus auf die so lebendige Kunstszene der 1980er Jahre in Berlin. 

Die Österreichische Künstlerin Barbara Anna Husar installiert emotionale Wärmefelder. Die Ausstellung ist Nährboden und -stoff um sich selbst in einem emotionalen Wärmefeld zu spiegeln bzw sich zu vereinen.
Beuys räumt den Bienen und ihrem Vorgehen, durch Wärmeerzeugung aus dem Chaotischen,eine besondere Stellung ein. Das Prinzip der Wärmeerzeugung steht für das Prinzip der Formung, welches wiederum für den besonderen Akt des Menschen steht, sich seiner Freiheit bewusst zu werden.

In der multiethnischen Gesellschaft von heute hat diese Frage nach heimatlicher Geborgenheit und kultureller Identität sogar eine zentrale Rolle erhalten und ist zusätzlich durch den neuen kritischen Umgang mit dem Thema Kolonialismus und auch durch die Bedrohung seitens autokratischer Staatsformen von höchster politischer Aktualität.

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Für die Ausstellung schafft der Industriedesigner Konstantin Grcic Environments, in denen er von ihm gestaltete Objekte mit Materialien und alltäglichen Gegenständen unserer Gegenwart interagieren lässt. Diese sogenannten „New Normals“ verweisen auf eine Zukunft, in der andere Konstellationen von Zusammenleben und Zusammenarbeiten ausprobiert werden und konfrontieren die Betrachtenden mit ihren eigenen Vorstellungen von utopischen und dystopischen Zukünften.

Ruth Hildegard Geyer-Raack (1894–1975) war in der Weimarer Republik eine weit über Berlin hinaus bekannte Innenarchitektin, Wandmalerin und Designerin. Sie hatte sich auf hochwertige und anspruchsvolle Raumausstattungen spezialisiert. 
Die Berlinische Galerie präsentiert in ihrer Dauerausstellung neben Archivmaterialien erstmalig einen Originalstoff der „Vereinigten Werkstätten“, 12 ausgewählte Musterentwürfe für Stoffe und Tapeten sowie 15 Fotografien realisierter Raumgestaltungen.

Ab dem 31. Oktober 2021 zeigt die Helmut Newton Stiftung die große Retrospektive „HELMUT NEWTON. LEGACY“. Die Ausstellung hält neben zahlreichen Bildikonen von Helmut Newton auch manche Überraschungen für die Besucher*innen bereit. Auf der gesamten Ausstellungsfläche im 1. Stock des Museums wird das Leben und das visuelle Vermächtnis des gebürtigen Berliner Fotografen chronologisch und mit Hilfe von 300 Werken nachgezeichnet.

Nachdem sich Nils Ohlsen als Kurator mit Lovis Corinth und dessen Aquarellen befasste, begann er sich 2003 auch von einer künstlerischen Position her mit Aquarellen zu beschäftigen. Inspiriert von modernen und zeitgenössischen Künstler*innen, hat Ohlsen die letzten zwei Jahrzehnte damit verbracht, seine Umgebung zu malen. Im Laufe der letzten zwanzig Jahre experimentierte er mit Farben, Materialien und Formaten und bindet  Medien wie Fotografie in seine malerische Praxis ein. 

Ohne ein spezifisches Thema ist UPDATE eine Gruppenausstellung, in der die Kunstschaffenden des VBK jedes Jahr die individuellen Auseinandersetzungen mit ihrer Gegenwart in künstlerischer Form zum Ausdruck bringen. In der diesjährigen Edition versammeln sich aktuelle 79 Perspektiven von Künstlerinnen und Künstlern, die gleichzeitig die Vielseitigkeit des Kunstbegriffs und die vielfältigen Positionen der Mitglieder des VBK präsentieren.

Nadja Bournonvilles beschäftigt sich in ihrem neuen künstlerischen Projekt auf vielseitige Weise mit dem Leben, der Artenvielfalt, dem Vermächtnis, der Darstellung und dem Aussterben von Tieren. Die Künstlerin hat im Naturhistorischen Museum Wien Objekte und Präparate fotografiert. Entstanden ist ein visueller ästhetischer Kosmos, tief verwurzelt im Sein zwischen Schönheit und Deformation. Die Fotografien verweisen zugleich auf die dem Museum innewohnende Heterotopie. 

«Bernadette Schweihoffs intimer Reisebericht entführt uns nicht nur ins tiefste Sibirien, er taucht auch ein in ihre eigene Gedankenwelt. Weiblich, sinnlich, voll spannender Zwischentöne, berührender Charaktere und einem präzisen und liebevollen Blick für die kleinen Details, die eine Reise unvergesslich und einzigartig machen. Zwischen den Buchseiten spürt man die klirrende Kälte, die endlose Weite, die verblüffende Schönheit und meint einen Hauch der russischen Seele zu erkennen"A. Wendlandt

Dorit Bearach wurde 1958 in Tel-Aviv/Israel geboren. In ihren farbintensiven pastosen Bildern verbinden sich Einflüsse ihrer Herkunft und ihrer Lebensumstände sowie daraus resultierender unterschiedlicher kultureller Prägungen zu vielschichtigen Metaphern und Allegorien, die sich einer direkten Deutung entziehen, die Fragen stellen ohne Antworten preiszugeben und vor allem über ihre sinnliche Qualität erfahrbar sind.

Neben zahlreicher Modefotografien quer durch das 20. Jahrhundert sprechen ebenso viele Gemälde und Zeichnungen von der Rolle der Mode als Ausdrucks- und Repräsentationsmittel einer Zeit: vom Reformkleid um 1900 über die Dada-Dandies der 1920er Jahre bis zu avantgardistischen Kleidungsentwürfen in der zeitgenössischen Kunst. 

Sofie Dawos (1926-2010) textile Arbeiten entstehen überwiegend aus dem Material selbst heraus: seinen Eigenschaften, seinen Gestaltungsmöglichkeiten. Zu entdecken gibt es eine Künstlerin, deren Arbeiten lange vergessen waren, die mit ihrem experimentellen Ansatz einen wichtigen Beitrag zur konkreten Kunst geleistet hat.

The second part of the exhibition "Gods Moving in Places. The Day Reader" will dive deeper into the relationship of  living landscapes to memories, histories and colonial trauma. Through the works of French-Guyanese artist Mathieu Kleyebe Abonnenc the exhibition will take the Amazonian forest of the Guiana Shield as a starting point to explore the interwoveness of times and place.

Die Ausstellung „Ultrasocial Pop“ von Filip Markiewicz im Haus am Lützowplatz (HaL) ist Teil eines größeren, weit verzweigten Projekts gleichen Namens, das sich an verschiedenen Orten und zu verschiedenen Zeitpunkten verwirklicht. Das poetologische Zentrum des Projektes ist das Album Ultrasocial Pop von Raftside, dem musikalischen Alter Ego von Filip Markiewicz, das im September 2021 beim Berliner Label Grzegorzki Records erschienen ist.

Susanne Ring / Oliver Möst, Skulptur, Grafik, Fotografie Stefan Roigk / Daniela Fromberg, Objekte, Klanginstallation, Video # KAMEL / Elisa Dierson / Katja Marie Voigt, Installation, Cyanotypie, Druckgrafik

Die Ausstellung zeigt unterschiedliche Formen von Kooperation in der Kunst von der Zusammenarbeit als klassisches Künstlerpaar, über Kollaboration als künstlerische Praxis bis zur Teilhabe und Partizipation als künstlerischen Prozeß.

In Kooperation mit dem Stadtgeschichtlichen Museum Spandau haben sich Studierende des Masterstudiengangs „Bühnenbild_Szenischer Raum“ der TU Berlin im Zuge des Projekts „Ideenseminar zur Erweiterung der Ausstellung: ‚Enthüllt. Berlin und seine Denkmäler in Zusammenhang mit den schreitenden Pferden von Josef Thorak‘“ im Wintersemester 2021/22 mit der Entwicklung und Erprobung neuer Formen der narrativen Raumgestaltung beschäftigt.

Moritz Haase nähert sich mit seinen fotografischen Arbeiten der Vergangenheit. Der eigenen, wie auch der menschlichen im Allgemeinen. Er stellt sich seiner Herkunft und dringt so von der eigenen Kindheit, seinen Eltern und Großeltern immer weiter in der Zeit vor. Kuratiert von Julia Kochanek, wissenschaftliche Volontärin des Haus am Kleistpark.

Die Ausstellung pain/t/h/ing – ausser Haus zeigt sieben Positionen, die sich im fließenden Terrain zwischen Malerei, Skulptur, Objekt und Installation verorten lassen. Im künstlerischen Arbeitsprozess wird dabei direkt Hand an Material und Dinge gelegt, ebenso wie organische Eigenschaften oder physische Konditionen zu Autorinnen der Werke werden.

Am 4. Oktober 2021 tagte die Jury für den XIII. Egmont Schaefer Preis für Zeichnung.
Sie hat sich mit großer Mehrheit für HAVIN AL-SINDY als Preisträgerin entschieden. Besonders ihre Zeichnungen zum Thema Begraben/Ausgraben und Bewegungen/Sichten haben die Jury überzeugt. Die Preisträgerausstellung wird voraussichtlich vom 26. April bis zum 26. Juni 2022 in der Galerie Parterre Berlin zu sehen sein.

Seit den 1980er Jahren leistet Dayanita Singh Pionierarbeit auf dem Gebiet der Fotografie und überwindet immer wieder die Grenzen des Mediums. Dancing with my Camera präsentiert die wichtigsten Schaffensphasen im Œuvre der international renommierten Künstlerin – von ihren frühesten Arbeiten bis heute. Die Arbeit Let’s See wird speziell für die Ausstellung im Gropius Bau realisiert und zusammen mit ihren Schlüsselwerken wie den „museums“ präsentiert.

Nina Canell befasst sich mit Prozessen, Transformationen und der Interaktion von Materialien. In ihrer künstlerischen Praxis geht es weniger um abgeschlossene Werke. Vielmehr stehen Synergien, Verbindungen und Unvorhersehbarkeiten im Vordergrund. Canell setzt vielfältige Materialitäten ein, ihre Arbeiten sind bekannt für ihren experimentellen Charakter. Sie stellen die Eigenschaften vermeintlich toter, inaktiver oder instrumentalisierter Materie in Frage.

1962 begann Lothar Wolleh an seinem radikal abstrakten Farbwerk zu arbeiten, welches jenseits fotografischer Dokumentation ist. Diese frühen Arbeiten, die in Rom entstanden, fanden keinen Eingang in Wollehs ersten großen Fotoband. Seine Bilder, welche die Individualität der Handelnden nicht mehr erkennen ließ schien den Herausgebern zu radikal. 

Die Ausstellung „Ein Verhältnis mit Kunst“ Alexander und Renata Camaro. Katalyse, Symbiose, Muse? befasst sich mit der Periode des symbiotischen Schaffens Alexander und Renata Camaros. Sie zeigt Alexander in seiner Rolle als Lehrer und Katalysator für seine SchülerInnen und hinterfragt gleichzeitig das Bild von Künstler und Muse.

Lothar Wolleh und Günther Uecker lernten sich Mitte der 1960er Jahre in Düsseldorf kennen. Aus der Freundschaft entwickelte sich schon früh ein intensiver künstlerischer Austausch. Der Fotograf Wolleh hat Günther Uecker mehrere dutzend Mal porträtiert. Darüber hinaus kommt ihren vielgestaltigen Kooperationsprojekten eine besondere Bedeutung zu.

Gezeigt werden Lothar Wollehs Fotografien und ein gemeinsam konzipiertes Künstlerbuch mit dem Titel „Das Nagelbuch“ (1970–’71). 

Geplant ist der Bau einer fensterlosen, leicht schräg stehenden Holzhütte auf den Bodenplatten im Hofgarten. Die Holzbohlen der Konstruktion werden von der Künstlerin mit einem Gasbrenner so lange behandelt, bis ihre Oberflächen auf beiden Seiten verkohlt sind. Der Titel des Werks bezieht sich auf die Zündtemperatur des Holzes, in diesem Fall Fichte. Die dystopische Anmutung der Installation steht im Kontrast zum idyllischen Charakter des Hofes.