"Lina lebt" hat von 2007-2012 an der Akademie für Malerei Berlin studiert. Sie ist 2024 verstorben. Aus diesem Anlass zeigen wir in einer Gedenkausstellung ihre konzeptionellen Werke, die vielfach partizipatorisch Menschen in alltäglichen und kunstfernen Lebenssituationen mit einbezogen hat. "Lina lebt" bestimmte die Regeln und Gesetze ihrer Kunst und war dennoch oft nicht die alleinige Urheberin. Konzept, Projekt und Bild - was macht der Betrachter in der Kunst?

Arnulf Rainer (*1929 in Baden bei Wien) gilt als einer der wichtigsten europäischen Künstler der Nachkriegszeit. Seine Kunst ist von einer tiefen Spiritualität und einer Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz geprägt. In unserer Ausstellung zeigen wir sowohl Werke aus den Kreuzserien ab 1977 als auch frühere Übermalungen.

An Male Shibari kommt man inzwischen nicht herum, wenn man sich für die Kulturtechnik des shibari interessiert. Aus aller Welt kommen die Männer zu ihm ins Studio, die von diesem shibari-Meister gefesselt und fotografiert werden möchten. Die Lichttechnik bei Male Shibari ist sorgfältig geplant. Er löst sich hier von der Lichtführung in der klassischen shibari-Fotografie und verwendet wie in der ihn inspirierenden Barockmalerei nur eine Lichtquelle.

Male Shibaris Kunst ist perfekt in der wohlponderierten (Bild- und Körper-!)Spannung: Höchste Versammlung und ausgeglichenen Ruhe. Die Ausleuchtung der Aktionsbühne mit dem im weichen Licht getauchten schwebenden Körper, umgeben von einer scharzen Dunkelheit, lassen zwei Welten, die der Aktion und die des künstlerischen Mediums Fotografie überzeugend zu einer werden.

 

Zum Gallery Weekend stellt die Galerie Poll erstmals Bilder des 2012 im Alter von 84 Jahren verstorbenen Düsseldorfer Malers Gerhard Taubert vor. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Schaffensphasen von 1960 bis 2000. In seinen Landschaften spannt Taubert den Bogen von detailliert ausgearbeiteten Baumgruppen und Olivenbäumen über Weinberge und Lavendelfelder bis zur maximal möglichen Abstraktion in Form von zwei farbigen Flächen – Erde und Himmel.

Shanee Roes Ausstellung erkundet Intimität jenseits romantisierter Vorstellungen. Ihre Figuren sind verletzlich, fragmentiert und direkt – weder verherrlicht noch verborgen. Mit spielerischer Härte stellt sie unsere Sicht auf Körper, Begehren und Nähe infrage. Zwischen Zärtlichkeit und Unbehagen entsteht ein Raum, der dazu einlädt, die widersprüchliche, rohe Realität menschlicher Verbindung neu zu betrachten.

Aftermath zeigt eine neue Serie von Aquarellen, die sich mit Zerstörung und ihren bleibenden Spuren auseinandersetzen. Azzam richtet seinen Blick auf urbane Landschaften, die durch Krieg und Gewalt entstellt wurden. Seine Stadtansichten erscheinen wie fragile Skelette – Ruinen einst lebendiger Orte. Mit feinen Linien und markanten Farbakzenten schafft er eindrucksvolle Kompositionen, die nicht nur Syrien, sondern die universellen Folgen bewaffneter Konflikte widerspiegeln. 

Die Galerie Georg Nothelfer freut sich eine Gruppenausstellung zum Thema Tusche zu präsentieren. Ursprünglich häufig für Skizzen und Studien verwand. Gibt die Ausstellung einen Einblick darin, wie vielfältig das Medium Tusche sein kann.

Pop, bunt, wild – doch hinter der farbenfrohen Fassade der schon legendären TOYGIANTS von Daniel & Geo Fuchs, mit der sie internationales Renommee erlangten, steckt weit mehr: ikonische Figuren der Popkultur werden in monumentalen Porträts in Szene gesetzt, einzeln oder in überraschenden Gruppierungen und nicht selten schwingt auch eine politische Dimension mit.

Zwischen Ruhe und Bewegung pendelt die zweite Frühjahrsausstellung der Galerie TVD ART in Berlin-Charlottenburg.

Iveta Šmita wirft den Blick in einen Ballettsaal, wo Tänzerinnen und Tänzer eine anmutige Choreografie nach klassischer Art einstudieren. Gemalt als Grisaille mit Tusche auf Seide und Leinen, wirkt die Szene wie eine Traumsequenz aus einem Film. Demgegenüber beobachtet Svitlana Galdetska in ihren fotorealistischen Ölgemälden voll strahlender Farbigkeit das unbeschwerte spontane Spiel ihrer beiden Töchter an der sommerlichen Schwarzmeerküste. Spaß hat auch die junge Frau bei Paulis Postazs, der ihren Hundespaziergang am Strand des lettischen Seebades Jūrmala verfolgt – am fernen Horizont ist, minutiös dargestellt, die Skyline von Riga zu sehen. 

Inspiriert von den Alten Meistern wurde Postazs‘ Birnenstillleben, versehen mit den tradierten Zeichen der Vergänglichkeit. Ruhe kehrt auch in einem Werk von Elena Tarasenko ein: im kühlen distanzierten Stil der Neuen Sachlichkeit und in einer nuancierten Palette präsentieren sich weiße Iris-Blüten vor schwarzem Grund. 

Wer es modisch liebt, ist bei Simona Galeckaite, die zuerst an der Kunsthochschule Kaunas in Litauen Design studierte, gut aufgehoben. In kessem, geometrisch gemusterten Look zeigt sich ihr Modell, hier stand auch die Pop Art Pate. 

„In der Malerei geht es heute noch mehr um die Malerei selbst als jemals zuvor. Gerade weil andere Funktionen durch digitale Medien ersetzt werden, kristallisiert sich nun das heraus, was nur Malerei kann“, so die Künstlerin Simone Strasser. 

Die Hilleckes Gallery freut sich, die Ausstellung der Künstlerin Daria Kowalewska,
"In Silence, I Grow", vom 1. Mai bis zum 14. Juni 2025 zu präsentieren.

In der Ausstellung 'In Silence, I Grow' gelingt es der Künstlerin Daria Kowalewska, mit ihren minimalistisch und prekär fragil geformten Kunstwerken einen Ort der Kontemplation zu schaffen, an dem sich Erinnerung und Natur auf einer feinen übergeordneten Ebene in einem zarten Gleichgewicht begegnen. Es ist eine Einladung, innezuhalten, genau hinzusehen und der leisen, beharrlichen Kraft des Werdens zu begegnen.

Wir laden Sie herzlich ein, mit uns die Vernissage am Samstag, dem 3. Mai, um 18 Uhr zu feiern. Wir freuen uns darauf, Sie in der Galerie begrüßen zu dürfen!

Ihr Hilleckes Gallery Team

Marina Adams' zweite Einzelausstellung in der Galerie Thomas Schulte trägt den Titel The Art of Living Slowly – ein subtiler Kommentar zur Beschleunigung und Orientierungslosigkeit unserer digital geprägten Gegenwart. Adams erforscht, wie ein bewusstes Verlangsamen die Wahrnehmung von Zeit und Raum transformieren kann, indem es Klarheit schafft und – vergleichbar mit einem tiefen Atemzug – eine innere Weite eröffnet, die Empathie und emotionale Resonanz vertieft.

Die Ausstellung vereint mittel- und kleinformatige Gemälde sowie Arbeiten auf Papier. In ihrem Atelier auf Long Island, umgeben von der Natur, hat sich Marina Adams erneut der Darstellung von Bäumen gewidmet – einem Motiv, das sie bereits zu verschiedenen Zeitpunkten ihrer Karriere erkundet hat. Über diese Werke sagt sie: „Mich interessiert nicht das bloße Abstrahieren. Vielmehr versuche ich, die Energie eines Baumes, die Dynamik einer Linie, die Präsenz eines Raumes zu evozieren." Dieser Energietransfer verbindet das Gegenständliche mit dem Ungegenständlichen – denn in allem steckt Lebenskraft.

Lena Henke zeigt in der Galerie Thomas Schulte zwei neue Skulpturen für das Gallery Weekend Berlin 2025. In einer ortsspezifischen Bearbeitung des Eckraums hat ein hoch aufragender Pferdehuf seinen Fußabdruck auf den Boden eines des frühesten Berliner Damenkaufhauses gesetzt.

Die Galerie Thomas Schulte freut sich, mit Sekunde eine neue Einzelausstellung von Jonas Weichsel zu präsentieren. Aufbauend auf seiner analytischen Malpraxis der letzten 15 Jahre verfolgt Weichsel einen innovativen Ansatz, der analoge und digitale Prozesse miteinander verbindet. Durch Scannen, Collagieren und digitale Manipulation transformiert er Farbstudien, Aquarelle und Druckmaterialien zu komplexen Kompositionen. Durch die bewusste Verbindung traditioneller Maltechniken mit digitalen Verfahren entstehen dynamische Wechselwirkungen, in denen sich Elemente überlagern, kommentieren und herausfordern. Weichsels Arbeiten spielen mit Schärfe und Unschärfe, mikroskopischen Details und gestischen Ausdrucksformen - und eröffnen so neue Wahrnehmungsräume.

The work series "Elsewhere" is a journey to the land of historic Palestine, a place that lives in our imagination. Steve Sabella reveals an archaeology of the future in multi-layered photo-chrome images from 19th century historic Palestine, including a pictures from Syria and Lebanon.

Steve Sabella (*1975 in Jerusalem, Palestine)is a Berlin-based widely exhibited international artist using photography and photographic installations as his primary forms of expression. Probing into the colonization of the imagination, he is the author of the award-winning memoir The Parachute Paradox  (2016). 

GEIST ist eine Schau über das geheime, verborgene Leben der Dinge, hinter den Oberflächen der Objekte, unsichtbar, aber offensichtlich, Stillleben, ob abstrakt arabesk oder in erzählerischen Gebrauchszusammenhängen. Dänische, schwedische und deutsche Künstler*innen zeigen aktuelle Skulptur, Installation und Malerei.

Die Ausstellung zeigt das Spektrum des jüngsten Schaffens des chinesischen Künstlers Li Zhi. Die Schau führt in seine individuellen Bildwelten ein, in denen philosophische Überlegungen zum Ausdruck kommen und Intuition, Inspiration und Konzentration vereint werden. Sein und Zeit finden in Li Zhis Farb- und Formkompositionen in einem Kontinuum von Raum und Zeit ihren Weg zu einem harmonischen, schwebenden Ganzen.

Die Galerie freut sich die Werke des tamilischen Künstlers Sivasubramaniam Kajendran (*1988, Mullaitivu, Sri Lanka) in seiner ersten europäischen Einzelausstellung zu präsentieren. Visuell und konzeptionell fesselnd, repräsentiert Kajendrans Werk die tamilische Erfahrung in Sri Lanka, die von politischen und ökologischen Herausforderungen geprägt ist und von der internationalen Gemeinschaft übersehen wird. Die Ausstellung dient als Archiv der Ausdauer, Kapazitätsaufbau und ungebändigte Hoffnung.

Noah Becker kombiniert in den großformatigen Gemälden Farben, Symbole, Zeichen, Texturen und graffitiartige Schrift zu einfachen, oft aber komplexen Strukturen, die dazu ein­laden, sie zu erforschen, visuelle Verbindungen herzustellen und neue Motive zu finden. Sein Ansatz ist dabei intuitiv und von Musik und Emotionen inspiriert. Das Prozessshafte wird nicht kaschiert, sondern trägt zum visuellen Reiz seiner Gemälde bei, die oft wie rätselhaften Landkarten einer untergegangenen Kultur wirken. 

In FARBENRAUSCH anläßlich des EMOP 2025 werden Serien von Ute Mahler, Werner Mahler und Ludwig Schirmer, dem Vater von Ute Mahler gezeigt.

Alle drei sind vor allem für Ihre Schwarz-Weiß Fotografie bekannt. In der Ausstellung werden ausschließlich Farbarbeiten von herausragender Qualität gezeigt, die dazu einladen, die positive Wechselwirkung familiärer Bindungen zu analysieren.

Die Arbeiten des chinesischen Künstler Li Zhi zeugen von großer Gelöstheit. In seinen neuen Gemälden widmet er sich  der Zeit in ihrer Vergänglichkeit und der Stille, der Stimme, dem Flüstern und Rauschen, das aus der Stille zu uns dringt. Li Zhi wendet sich ab vom Lärm und Dröhnen des Zeitgeistes: mit einfachen Gedanken-Linien, mit unvermutet aufscheinender Helligkeit. Er kombiniert die Tradition der chinesischen Landschaftsmalerei mit der deutschen Romantik zu einem schwebenden Ganzen.

Im Bewusstsein von immer gravierenderen Folgen für Natur und Gesellschaft durch menschliches Handeln bringt die Künstlergruppe Facetten des Anthropozäns in neue Zusammenhänge und verhandelt auf vielschichtige Weise Natürliches wie Übernatürliches.

Die Ausstellung ist offizieller Programmpunkt des Europäischen Monats der Photographie.

Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort „miner“ (Bergarbeiter) mit der Endung „-iada“, wie in „olimpiada“ kombiniert. Anton Roland Laub behandelt die Spaltung der rumänischen Gesellschaft, die das Land in ein Jahrzehnt der Isolation führte. Der Künstler untersucht die Orte des Geschehens und das Trauma der handgreiflichen Gewalt, als aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter mit Zügen in die Hauptstadt Bukarest gebracht wurden, um die pro-europäische Opposition niederzuknüppeln. Er sensibilisiert so für wiederkehrende Konflikte in einer polarisierten Welt. Im Rahmen des EMOP Berlin

Zum 80. Jahrestags der Befreiung vom Nationalsozialismus führt die Ausstellung durch das Berlin der Nachkriegsjahre. Ausgehend von dem Moment, in dem das Ausmaß der Zerstörung über die Menschen hereinbricht, eröffnet die Ausstellung einen Ausblick auf die Entwicklung der Kunstlandschaft in den folgenden Jahren. Mit Werken von Paul Dierkes, Fritz Kuhr, Jeane Flieser, Max Kaus, Renée Sintenis, Alexander Camaro, Mac Zimmermann, Heinz Trökes, Ursula Hanke-Förster, Juro Kubicek und Emil Stumpp u.a.

Die Ausstellung thematisiert unsichtbare Arbeit: Tätigkeiten, die oft unbezahlt, unterbewertet oder übersehen werden – also prekäre Beschäftigung, Migration, soziale Ungleichheit und historische Versäumnisse. Unsichtbare Arbeit hält Gesellschaften am Laufen, bleibt aber oft im Verborgenen – ob in Haushalten, auf Baustellen oder im Bergbau. Die ausgestellten Werke machen diese verborgenen Arbeitsrealitäten sichtbar und hinterfragen ihre fehlende Anerkennung. Kuratiert von Marta Smolińska.

Oskar Holweck (1924-2007) arbeitete fast ausschließlich mit einem Material: weißem Papier. Mit der Konzentration eines Forschers untersuchte er die Wesenseigenschaften seines Werkstoffs, häufig in Serien. Das Papier wurde mit Tusche besetzt, gerissen, durchlöchert, gestaucht, häufig mit dem Ziel, die Fläche zum Raum hin zu öffnen. Holweck umschrieb seine Arbeiten als „seismographische Aufzeichnungen über Entstehungszeit, äußere Gegebenheiten und (s)eine eigene Konstitution“

Once We Were Trees, Now We Are Birds: Eine Ausstellung in der ifa-Galerie Berlin und ein gleichnamiges Festival im Goethe-Institut im Exil präsentieren erstmals eine breite Auswahl von Künstler:innen, die mit Hilfe der Martin Roth-Initiative in Deutschland Schutz gefunden haben. Sowohl die Ausstellung als auch das Festival werden von ehemaligen Stipendiat:innen der Initiative kuratiert. Sie erkunden vor dem Hintergrund des Erstarkens autoritärer Kräfte und einer zunehmend durch Krisen geprägten Welt Fragen der Zugehörigkeit, der Entwurzelung und von Neuanfängen in unbekannten Landschaften.

Kathrin Linkersdorff (*1966) beleuchtet in ihren künstlerischen Fotografien das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen in der Natur. Im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft entstehen mittels experimenteller Ansätze und prozesshafter Methoden aus der Mikrobiologie Arbeiten, die bestimmte Zeitpunkte im organischen Verfallsprozess von Pflanzen festhalten.

Im Rahmen des EMOP Berlin.

Ernst Schroeder (1928–1989) gehörte in den1950er-Jahren zum Kreis der sogenannten „Berliner Schule“, die mit ihrer ethisch-ästhetischen Haltung einen besonderen Einfluss auf die damalige Kunstentwicklung und nachfolgende Generationen hatte. Motivisch ist sein Werk geprägt von der Landschaft seiner Heimat: der Ostseeküste, dem Meer, den Häfen. Die Ausstellung zeigt das Werk Ernst Schroeders mit einem Abstand von fast 20 Jahren erstmals wieder in einer Einzelausstellung in Berlin.

Anlässlich der Gründung des Fördererkreises Kulturzentrum Berlin e.V. vor 65 Jahren zeigt das Haus am Lützowplatz (HaL) eine groß angelegte Ausstellung mit 28 Berliner Künstlerinnen und erinnert in einer umfangreichen Publikation an seine wechselvolle Geschichte.

Mariechen Danz (* 1980 in Dublin, Irland) befasst sich in ihrer künstlerischen Praxis mit Methoden und Modellen menschlicher Erkenntnis. In raumgreifenden Installationen und Performances, oft in Zusammenarbeit mit anderen Künstler*innen und Musiker*innen, kombiniert sie wissenschaftliche Systeme zur Aneignung und Beschreibung von Welt mit subjektiven, alternativen und magischen Denkweisen. Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Forschung ist der Körper des Menschen, mit dem sie modellhaft neue Wege des Austauschs und der Notation von Wissen, Wahrheit und Geschichte beschreibt.
 

Die Preisträgerin studierte an der Universität der Künste Berlin, der Gerrit Rietveld Academie Amsterdam, und am California Institute of the Arts, Santa Clarita. Ihre Arbeiten wurden u. a. gezeigt auf der 16. Istanbul Biennale, der 57. Biennale di Venezia, im Haus der Kunst München, MAK – Museum für angewandte Kunst Wien, Centre Pompidou Paris, Kunsthaus Bregenz, High Line New York, New Museum New York und in Einzelausstellungen in der Kunsthalle Recklinghausen, GAK – Gesellschaft für Aktuelle Kunst Bremen, CAN Centre d‘Art Neuchâtel und dem Kunstverein Göttingen. Mariechen Danz lebt und arbeitet in Berlin.

Die Künstlerin Käthe Kruse (*1958) ist seit den frühen 1980er Jahren fest in der Berliner Kunstszene ver-ankert. Als Mitglied der berühmten Westberliner
Musik- und Künstler*innengruppe Die Tödliche  Doris arbeitete sie von 1982 bis 1987 im Grenzbereich zwischen Performance, Musik, Text, Malerei und Film. Auch in ihren Solo-Projekten behält Kruse das genreübergreifende Arbeiten und den bewussten Dilettantismus bei. Bis heute entwickelt sie raumgreifende Installationen, die unterschiedliche Medien und Ausdrucksformen miteinander verbinden. Ausgangspunkt sind häufig Alltagsgegenstände, die sie materiell verändert und ihnen damit neue Bedeutungen zuschreibt. Kruses Werke sind oft eng mit ihren persönlichen Erfahrungen verbunden, beziehen sich aber auch auf gesamtgesellschaftliche Probleme und Themen wie häusliche Gewalt, Abtreibung oder Krieg. 
 

Mit „Käthe Kruse. Jetzt ist alles gut“ würdigt die Berlinische Galerie in ihrem Jubiläumsjahr Kruses bemerkenswertes Schaffen von den 1980er Jahren bis heute. Es ist die erste umfassende institutionelle Retrospektive in Berlin. Die rund 50 Arbeiten – darunter raumgreifende Installationen – geben Einblick in ihr vielfältiges Œuvre. Die Ausstellung zeigt Malerei, Objektkunst, Videos, Fotografie, Soundarbeiten und Performances. Sie präsentiert Kruses Werk nicht in chronologischer Reihenfolge, sondern stellt zwischen den ausgestellten Werken Arbeiten thematische Bezüge her. Dies entspricht Kruses künstlerischer Praxis, die besonders durch das Mittel der Transformation geprägt ist. Neben Alltagsgegenständen verändert Kruse auch bereits vollendete Werke und stellt diese in ganz neue inhaltliche Zusammenhänge. Ihr Werk ist dadurch immer im Wandel.

Minh Duc Pham beschäftigt sich in dieser Ausstellung mit dem Thema Arbeitsmigration. Ausgehend von seiner eigenen Familienbiografie reflektiert der deutsch-vietnamesische Künstler darüber, wie rigide Vertragskonditionen und staatliche Mechanismen der Kontrolle und Normierung in das Leben von migrantischen Menschen eingreifen. Skulpturale Interventionen aus Holz, Metall und Textil bilden eine Rauminstallation, die pointiert, sensibel und kritisch über die komplexe Wechselbeziehung von Migration, Arbeit und persönlichem Erleben nachdenken lässt.

Mithilfe von Künstlicher Intelligenz, Virtual Reality, Video, Spielsimulationen, Skulpturen und Klangfiktionen erschafft Ayoung Kim expansive fiktive Universen mit eigenen zeitlichen und räumlichen Gesetzen. Ihre Arbeiten sind oft durch spekulative Erzählungen miteinander verbunden, die dennoch mit der realen Welt, in der wir leben, in Verbindung stehen. Die Betrachtenden selbst werden sowohl zu Zuschauenden als auch zu Mitspielenden, die die Erzählung aus ihrer Perspektive beeinflussen können.

Ayoung Kims Protagonisten sind Menschen, Charaktere, mythologische Wesen und virtuelle Entitäten, die die Grenzen zwischen verschiedenen möglichen Realitäten überschreiten und mögliche und unmögliche Welten über verschiedene Zeiten und Räume hinweg aufeinander treffen lassen. Ihre Ausstellung im Hamburger Bahnhof thematisiert Migration, Xenophobie, Queerness sowie bio- und geopolitische Fragen und betrachtet die Symbiose zwischen Daten, Menschen und dem Planeten.

Ayoung Kim ist eine Ausstellung im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography.

Die wissenschaftliche Recherche, das Sehen, Lesen und Rezipieren von Archivalien sind die Ausgangspunkte der künstlerischen Praxis von Juliane Laitzsch (geb. 1964). In der Ausstellung Über Wasser galoppieren zeigt sie Arbeiten auf Papier und skulpturale Interventionen im Gotischen Haus, dem ältesten Bürgerhaus im gesamten Berliner Raum und hinterfragt zeichnerisch unterschiedliche Blickwinkel auf dessen bewegte Historie.

Wir freuen uns sehr, dass wir für die Ausstellung „Swing“ den Künstler Dieter Mammel gewinnen konnten. Zu Studienzeiten an der Berliner Kunstakademie fand Dieter Mammel in Alexander Camaros Werk neue Impulse für die Entwicklung seiner Position als Maler und Zeichner. Gerade von Stuttgart nach Berlin gekommen stieß er auf Camaros großformatige Bilder, die buchstäblich eine ganz neue Saite in ihm ins Schwingen brachten. In der bevorstehenden Ausstellung bringen wir nun Werke beider Künstler zusammen zum „Schwingen“.

Eröffnung: 24.04.2025 um 18 Uhr

Wer sind wir und was machen wir hier? Seit Sigmund Freud (1856–1939) die Psychoanalyse begründet hat, suchen wir die Antworten auf die großen Fragen des Lebens auch in der eigenen Seele. Psychonaut leitet sich von Astronaut ab und meint wörtlich Seelen-Schiffer. Seine Reisen führen nicht ins All, sondern in die unendlichen Weiten in uns selbst. In diesem Sinne erkunden die Künstler John Bock (*1965) und Heiner Franzen (*1960) in ihren rätselhaften Videos die menschliche Psyche und ihre Abgründe. Inspirieren lassen sie sich dabei von den Bilderströmen des Kinos, das als Traum- und Mythenmaschine oft mit der menschlichen Psyche verglichen wurde. 

Der Spielfilm „COWWIDINOK“, 2015, von Bock und die 
Installation „Twin“, 2009, von Franzen stammen aus der Sammlung der Berlinischen Galerie und werden erstmals in den Räumen des Museums gezeigt.

Nach mehr als fünf Jahren Zwangsarbeit in den Kohlengruben des sowjetischen Arbeitslagers Workuta kehrte Lothar Wolleh (1930–1979) im Januar 1956 als freier Mann nach Berlin zurück. Unter seinen wenigen Habseligkeiten befanden sich einige Bilder, die er heimlich während seiner Gefangenschaft im Gulag geschaffen hatte.

Gerade an diesem unwirtlichen Ort nördlich des Polarkreises, nur wenige Kilometer vom Lager Polarwolf entfernt, in dem Alexei Nawalny starb, erlebte Wolleh das Licht als „Lebenselixier“ und als Medium von Präsenz und Absenz. Die Kamera als „Lichtfänger“ wurde für ihn zu einem Instrument, mit dem er das Unsichtbare sichtbar machen konnte.

Während des Kalten Krieges reiste Wolleh erneut in die Sowjetunion. Die Ausstellung zeigt die Fotografien aus seiner Gefangenschaft und stellt ihnen Porträts von Menschen aus der gesamten Sowjetunion gegenüber. Sie erinnern uns daran, dass die individuelle Menschlichkeit selbst in Zeiten größter Feindseligkeit lebendig bleibt und sichtbar gemacht werden muss, um das Trennende zu überwinden.

Vor dem Hintergrund der vielschichtigen Geschichte des PalaisPopulaire untersucht die Ausstellung It's Just a Matter of Time das Zusammenfließen von Zeitlichkeiten. Einst der Palast der preußischen Prinzessinnen, hat das Gebäude viele Wandlungen durchlebt: von einem Museum zu einer Kriegsruine und später zu einem Operncafé in der DDR, das auch der queeren Community eine Zuflucht bot, bis es 2018 – nach längerem Leerstand – zu einem Ausstellungsraum für zeitgenössische Kunst wurde.

Die Künstlerin Andrea Geyer stellt die Stimmen der Besucher*innen in der Installation Manifest (Banners / Gropius Bau / Berlin) in den Mittelpunkt. Sie wird ab Juli 2024 im Lichthof und am Eingang des Gropius Bau zu sehen sein und geht der Frage nach, was Museen und Ausstellungshäuser in der aktuellen sozialen und politischen Landschaft Berlins als öffentliche Orte bieten können.

Ab Frühjahr 2025 würdigt die umfassende Einzelausstellung YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND das wegweisende Schaffen der Künstlerin und Aktivistin Yoko Ono. Die Ausstellung präsentiert Arbeiten aus sieben Jahrzehnten und zeichnet die Entwicklung von Onos innovativem, multidisziplinärem Werk und dessen bis heute anhaltenden Einfluss nach. Die Ausstellung zeigt mehr als 200 Werke, darunter Instruktionen und Partituren, Installationen, Filme, Musik und Fotografien, und beleuchtet Onos radikalen Ansatz in Bezug auf Sprache, Kunst und Partizipation, der bis in die Gegenwart hineinwirkt.

Organisiert von Tate Modern, London, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Kuratiert von Patrizia Dander, stellvertretende kuratorische Direktorin, Gropius Bau, und Juliet Bingham, Kuratorin, International Art, Tate Modern

In der Ausstellung präsentiert die renommierte australische Künstlerin Janet Laurence (*1947) eine eigens für die Alfred Ehrhardt Stiftung entwickelte Installation. Unter Verwendung von Ehrhardts ikonischen Korallenaufnahmen aus den 1930er und 1940er Jahren schafft Laurence einen Erfahrungsraum, der die Fragilität und den Verlust der Meereswelten poetisch erfahrbar macht. Gedruckt auf nahezu schwerelosen Seidenvoile-Stoffen, wirken die Korallenbilder transformiert, fragmentiert und zerbrechlich.

20 Jahre nachdem die Künstlerin, Autorin und Performerin Vaginal Davis von Los Angeles nach Berlin zog, zeigt der Gropius Bau die erste umfassende Einzelausstellung ihres Werks in Deutschland. In ihrem wegweisenden Schaffen verbinden sich Punk und Glamour, queerer Aktivismus und Schwarze Gegenkultur sowie Widerstand und Begehren. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt vereint großformatige Installationen, Malereien, Video- und Filmarbeiten, Zines, Texte, Musik sowie Performance und bietet einen umfassenden Überblick über Davis’ vielschichtige Praxis und ihre künstlerischen Zusammenarbeiten.

Die Ausstellung versammelt Werke aus allen Phasen von Onos bahnbrechender künstlerischer Laufbahn. Die Schau wird anlässlich der Überblicksausstellung „YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND“ gezeigt, die vom 11. April bis 31. August 2025 im Gropius Bau zu sehen ist. Zeitgleich präsentiert der Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.) vom 2. März bis 31. August 2025 im Rahmen der n.b.k. Billboard-Reihe das Werk „TOUCH“ von Yoko Ono.

In ihrer Ausstellung im Haus am Waldsee zeigt Nina Könnemann neue Videos, für die sie eine kollaborative, dezentrale Arbeitsweise entwickelt hat, bei der die Entstehung eines künstlerischen Films in Echtzeit nachvollzogen werden kann. Zudem wird eine neue skulpturale Installation zu sehen sein, in der die Künstlerin ihr fortlaufendes Projekt Lithic Reductions weiterführt.

Im Mai 2025 präsentiert das Haus am Waldsee eine umfassende Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin Nina Könnemann. In ihrer Arbeit interessiert sich Nina Könnemann für die Art und Weise, wie Menschen im öffentlichen Raum agieren und richtet den Fokus auf marginale Räume, alltägliche Verhaltensweisen und subkulturelle Dynamiken. Präzise und scharfsinnig dokumentiert sie Bewegungen, die durch unterschwellige gesellschaftliche Konventionen geprägt sind. 

Die Fotojournalistin Angelika Kohlmeier zeigt großformatige Abbildungen politischer Prozesse, aufgenommen mit einer analogen Lochkamera im Deutschen Bundestag. Zeitgleich dazu entstandene Zeitrafferaufnahmen werden beim näheren Herantreten auf dem eigenen Smartphone sichtbar. Ein Versuch, die Veränderung politischer Bilder und Debatten angesichts von Digitalisierung und Zeitdruck zu betrachten. Was darf parlamentarische Berichterstattung? Und was macht diese mit uns?

Ab dem 20. Mai 2025 ist die zweite Ausstellung der Reihe zu sehen: Das JMB lädt den US-amerikanischen Autor Joshua Cohen ein, das kulturelle Erbe des Verlegers und Warenhaus-Unternehmers Salman Schocken zu erkunden. Anhand ausgewählter Exponate aus den Sammlungen des Museums kommentiert Cohen in der Ausstellung die Geschichte des Schocken-Verlags und nimmt sie zum Ausgangspunkt für eine zeitgenössische Perspektive auf Kultur und Kapital, auf Warenhäuser und Museen und nicht zuletzt auf Fragen der (Wieder-)Aneignung und der Zugehörigkeit. Martina Lüdicke und Monika Sommerer kuratieren die Ausstellung und das Begleitprogramm.

Die Neue Nationalgalerie zeigt die erste Retrospektive der brasilianischen Künstlerin Lygia Clark (1920-1988) in Deutschland. Die umfassende Schau in der oberen Ausstellungshalle präsentiert mit rund 150 Kunstwerken ihr gesamtes künstlerisches Schaffen von den 1950er- bis 1980er-Jahren, von geometrisch-abstrakten Gemälden über partizipativ angelegte Skulpturen bis hin zu performativen Werken. Ein zentraler Aspekt der Ausstellung liegt auf dem interaktiven Ansatz in Clarks Werk. So können die Besuchenden mit einer Vielzahl von eigens für die Schau angefertigten Repliken interagieren.

Provenienzforschung ist mittlerweile fester Bestandteil der Museumsarbeit. In Sammlungen der Klassischen Moderne ermittelt sie Kulturgüter, die jüdischen Verfolgten des Nationalsozialismus geraubt oder abgepresst wurden. Die Ausstellung dokumentiert exemplarisch den aktuellen Stand einer fortlaufenden Untersuchung der Sammlung der Berlinischen Galerie. Sie erzählt anhand rund 40 selten gezeigter Gemälde und digitaler Medien, wie facettenreich Provenienzen sein können.

„embrace“ im Hamburger Bahnhof ist die bislang größte institutionelle Einzelausstellung von Klara Hosnedlová. Die Künstlerin schafft in der Industriearchitektur der historischen Halle des Museums eine utopische Landschaft aus Flachsfasern, Stickereien, gegossenem Glas, Sandstein, Ton, Eisen- und Betonplatten. Im Zentrum stehen von handwerklichen und industriellen Fertigungsprozessen sowie nationalen Grenzverschiebungen geprägte ländliche Gegenden der heutigen Tschechischen Republik. Betonplatten und Eisenwände zitieren etwa die Architekturen der kommunistischen Ära. Mit Hosnedlová (geboren 1990) präsentiert der Hamburger Bahnhof erneut in der Haupthalle eine junge Künstlerin, die mit einer ortspezifischen Installation die Grenzen von Skulptur erweitert.

Die Ausstellung wird ermöglicht durch CHANEL Culture Fund und Burger Collection, Hong Kong und TOY Freunde. 

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Mit BAUBAU hat die Künstlerin Kerstin Brätsch einen kostenlosen Spielort für Kinder gestaltet, in dem mehr erlaubt ist als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. BAUBAU hat Anfang September 2024 als Pilotprojekt gestartet und entwickelt sich kontinuierlich weiter.