In unserer nach der Werkserie des deutschen Bildhauers Frank Gerritz (*1964) benannten Ausstellung Auctions präsentieren wir eine Auswahl an Werken, die seit 2009 entstanden sind. Die Papierarbeiten, deren Ausgangspunkt Cover von Auktionskatalogen sind, liefern nicht nur einen beißenden Kommentar zum Panorama des Kunstmarktes, sondern thematisieren auch, auf welche Weise zeitgenössischer Kunst heute Werte zugeschrieben werden.

In FARBENRAUSCH anläßlich des EMOP 2025 werden Serien von Ute Mahler, Werner Mahler und Ludwig Schirmer, dem Vater von Ute Mahler gezeigt.

Alle drei sind vor allem für Ihre Schwarz-Weiß Fotografie bekannt. In der Ausstellung werden ausschließlich Farbarbeiten von herausragender Qualität gezeigt, die dazu einladen, die positive Wechselwirkung familiärer Bindungen zu analysieren.

Die Galerie CAMERA WORK präsentiert vom 7. Juni bis 19. Juli 2025 die erste Einzelausstellung des renommierten niederländischen Künstlers Ruud van Empel in Deutschland. Mit einer Auswahl von 20 Werken aus zwölf Serien gibt die Ausstellung einen umfassenden Einblick in das Schaffen des Künstlers, dessen Werke sich an der Schnittstelle von Fotografie, digitaler Kunst und Malerei bewegen. Van Empel ist international bekannt für seine surrealen, hyperrealistischen Fotocollagen, die eine faszinierende, einzigartige Bildsprache entwickeln und  träumerische, zugleich tiefsinnige Welten offenbaren.
 

Diese Ausstellung knüpft an unsere Ausstellung „arte figurativa 1“ von 2021 an, in der wir Werke von Robert Bosisio, Peter Demetz, Domenico Grenci und Bruno Walpoth gezeigt haben.
Alle Künstler verbindet die Beschäftigung mit dem menschlichen Körper, größte handwerkliche Qualität und eine unverwechselbare individuelle Handschrift. Die drei Künstler nähern sich aber auf sehr unterschiedliche Weise der menschlichen Figur /dem Portrait an.

Die Arbeiten des chinesischen Künstler Li Zhi zeugen von großer Gelöstheit. In seinen neuen Gemälden widmet er sich  der Zeit in ihrer Vergänglichkeit und der Stille, der Stimme, dem Flüstern und Rauschen, das aus der Stille zu uns dringt. Li Zhi wendet sich ab vom Lärm und Dröhnen des Zeitgeistes: mit einfachen Gedanken-Linien, mit unvermutet aufscheinender Helligkeit. Er kombiniert die Tradition der chinesischen Landschaftsmalerei mit der deutschen Romantik zu einem schwebenden Ganzen.

Die Galerie Friedmann-Hahn feiert ihr 20-jähriges Bestehen mit einer umfassenden Einzelausstellung des international renommierten Malers Nikolai Makarov.

Makarovs Bilder entstehen in altmeisterlichen Techniken und werden durch zarte Sfumato-Lasuren sowie hochfein über Airbrush aufgetragene Farbpigmente ergänzt. Seine Werke sind geprägt von einer meditativen Tiefe und poetischen Zurückhaltung. Seine Werke oszillieren zwischen Dunkelheit und Licht, sie laden ein zum Verweilen und inneren Erleben.

VOLLBILDMODUS ist eine Ausstellungsreihe mit sechs Künstlerinnen, die sich mit abstrakter Malerei in den verschiedensten Facetten auseinandersetzen. Vor allem geht es bei VOLLBILDMODUS um Malerei-Interaktion im Raum und die gemeinsame Erarbeitung einer Gesamtinstallation, in der die individuellen Positionen zu einem gemeinsamen Ganzen werden. Bild, Film und Objekt verknüpfen sich zu einem dynamischen Spiel von Farbe und Bewegung. Es entsteht ein spannender Wechsel von Wahrnehmungsebenen. VOLLBILDMODUS wird zu einer Bühne der Malerei.
Beteiligte Künstlerinnen sind: Claudia Desgranges, Katrina Blannin, Birte Horn, Sandrine Mahéo, Doris Marten und Christine Reifenberger.
Die Idee zur Ausstellung stammt von der Kölner Malerin Claudia Desgranges.
Nach der ersten Ausstellung im Kunstraum 21 (Bonn) ist Galerie Gilla Lörcher in Berlin die zweite Station der VOLLBILDMODUS-Reihe. Die Ausstellung wird in 2025/2026 mit jeweils unterschiedlichen Schwerpunkten noch an weiteren Kunstorten gezeigt werden.

Die Gruppenausstellung mit 6 Künstlerinnen VOLLBILDMODUS ist aus der Initiative der Kölner Malerin Claudia Desgranges hervorgegangen. Das Konzept der gemeinsamen Ausstellung beruht auf Malerei-Interaktion im Raum. Mit Birte Horn, Claudia Desgranges, Sandrine Mahéo, Doris Marten, Christine Reifenberger, Katrina Blannin

Andreas Silbermann wählt für seine Ölmalerei unspektakuläre Motive, die nur selten eines Blickes gewürdigt werden: Container, Garagen, Airports, Tankstellen, Imbissbuden oder Toilettenhäuschen. Die Bildtitel sind kurz und sachlich. Erst durch Silbermanns Komposition und Malweise entstehen bemerkenswerte Bilder: Sehenswürdigkeiten im eigentlichen Wortsinn.

Die Galerie Georg Nothelfer freut sich in einer Einzelausstellung neue Arbeiten des iranischen Künstlers Mahdad Alizadehs zu präsentien. Ton steht im Zentrum von Mahdad Alizadehs Kunst. Sie umfasst darüber hinaus installative, konzeptuelle und performative Elemente und jüngst auch Zeichnung. Seine kleinen bis mittelgroßen, gebrannten und zunehmend auch glasierten Tonskulpturen sind organisch geformt und erinnern, obwohl nicht gegenständlich, an pflanzliche oder tierische Geschöpfe und Fragmente.

Solveig Bolduan, Kui Soon Park, Marina Apud Schneider, Caro Stark, Christiane Latendorf, Thessa, Erik, Manfred Fuchs

Simin Jalilians expressive figurative Werke erforschen patriarchale Machtstrukturen, wie sie in Kriegen oder im politischen System ihres Heimatlandes Iran präsent sind. Ihre Arbeiten thematisieren verschiedene Ebenen männlicher Machtpositionen, Gewalt und Unterdrückungsmechanismen. Durch ihren Einsatz von Farbe, Licht und Komposition fängt sie in ihren Ölmalereien eindrucksvoll die bedrohlichen Atmosphären politischer Realitäten ein.

Die Ausstellung Under Shadows vereint neue Arbeiten von Tamara Kvesitadze und Shunxiang Hu – zwei Künstlerinnen, deren Leben und künstlerisches Schaffen von tiefgreifenden sozialen und politischen Spannungen geprägt sind. Beide lebten unter einem Schatten – politisch, kulturell, persönlich – und treten durch ihre Kunst aus diesem heraus.

Malerei / Painting

Gruppenausstellung / Group Show

Gruppenausstellung / Group Show

Stefan Ludes ist Architekt und Bildhauer. Seine Werke sind im Rahmen von Sonderausstellungen zu besichtigen. 2021 hat er gemeinsam mit seiner Frau die gemeinnützige Stiftung Ludes gegründet.

mit Christian Achenbach · Frank Ammerlaan · Maximilian Arnold · Susanne Auslender · John von Bergen · Roland Boden · Fritz Bornstück · Maxim Brandt · Lukas Bugla · Jessica Buhlmann · Jeroen Cremers · Sven Drühl · Johanna Flammer · Axel Geis · Lennart Grau · Edite Grinberga · Stefan Heyne · Beate Hornig · MK Kaehne · Daniel Karrer · Römer + Römer · SEO · Klaus Walter · Maik Wolf  / Eingeladen von Maik Wolf & Knut Hartwich

Mithilfe von Künstlicher Intelligenz, Virtual Reality, Video, Spielsimulationen, Skulpturen und Klangfiktionen erschafft Ayoung Kim expansive fiktive Universen mit eigenen zeitlichen und räumlichen Gesetzen. Ihre Arbeiten sind oft durch spekulative Erzählungen miteinander verbunden, die dennoch mit der realen Welt, in der wir leben, in Verbindung stehen. Die Betrachtenden selbst werden sowohl zu Zuschauenden als auch zu Mitspielenden, die die Erzählung aus ihrer Perspektive beeinflussen können.

Ayoung Kims Protagonisten sind Menschen, Charaktere, mythologische Wesen und virtuelle Entitäten, die die Grenzen zwischen verschiedenen möglichen Realitäten überschreiten und mögliche und unmögliche Welten über verschiedene Zeiten und Räume hinweg aufeinander treffen lassen. Ihre Ausstellung im Hamburger Bahnhof thematisiert Migration, Xenophobie, Queerness sowie bio- und geopolitische Fragen und betrachtet die Symbiose zwischen Daten, Menschen und dem Planeten.

Ayoung Kim ist eine Ausstellung im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography.

Die wissenschaftliche Recherche, das Sehen, Lesen und Rezipieren von Archivalien sind die Ausgangspunkte der künstlerischen Praxis von Juliane Laitzsch (geb. 1964). In der Ausstellung Über Wasser galoppieren zeigt sie Arbeiten auf Papier und skulpturale Interventionen im Gotischen Haus, dem ältesten Bürgerhaus im gesamten Berliner Raum und hinterfragt zeichnerisch unterschiedliche Blickwinkel auf dessen bewegte Historie.

Kuratiert von Johannes Odenthal

Zwischen 1968 und 1970 beschäftigt sich Achim Freyer mit den Themenkomplexen Individuum und Masse sowie Ordnung und Störung von Ordnung. Die Bildsprache zeigt Reihungen von Köpfen, von Vertikalen und Horizontalen, die sich aus Gesichtern oder Landschaften entwickeln und sich in einer konsequenten abstrakten Formensprache auflösen. Vor allem die horizontalen Linien wurden Ende der 1960er Jahre zur bestimmenden Gestaltungsform. Um so stärker dabei die Abstraktion zur Horizontalen tendierte, um so weniger setzte sich das Figurative oder die Kopfform durch.

Die Serien von „Streifenbildern“, die alle um 1970 entstehen, sind Ausdruck einer radikalen Avantgarde-Haltung in der DDR. Das Experimentierfeld für Farbe, Linie und Format ist vor allem die Druckgrafik. Die Zinkographien, aber auch Lithographien und Siebdrucke, die zu einem großen Teil Einzelabzüge sind, stellen ein einzigartiges Konvolut abstrakter Bildsuche in der DDR dar. Sie werden erstmals als Werkkomplex im Kunsthaus der Achim Freyer Stiftung öffentlich ausgestellt.

Wir freuen uns sehr, dass wir für die Ausstellung „Swing“ den Künstler Dieter Mammel gewinnen konnten. Zu Studienzeiten an der Berliner Kunstakademie fand Dieter Mammel in Alexander Camaros Werk neue Impulse für die Entwicklung seiner Position als Maler und Zeichner. Gerade von Stuttgart nach Berlin gekommen stieß er auf Camaros großformatige Bilder, die buchstäblich eine ganz neue Saite in ihm ins Schwingen brachten. In der bevorstehenden Ausstellung bringen wir nun Werke beider Künstler zusammen zum „Schwingen“.

Eröffnung: 24.04.2025 um 18 Uhr

Die drei Künstler:innen verbindet ein prozessorientiertes Arbeiten. Techniken des Drucks stehen dabei ebenso im Fokus wie Zeichnung und Malerei. Alle drei untersuchen in ihren Arbeiten die Materialien, die sie einsetzen und thematisieren auf unterschiedliche Weise bildgebende Herstellungsverfahren.

Die Ausstellung rückt drei zeitgenössische Positionen an der Schnittstelle von Malerei, Druckgrafik und Zeichnung in den Fokus. Eva Walker, Claudia Vogel und Dirk Rausch betonen in ihrer künstlerischen Praxis das serielle und prozessorientierte Arbeiten ebenso wie das Experimentieren mit Materialien und Techniken. Das Spektrum reicht dabei von malerischen Setzungen über komplexe druckgrafische Verfahren bis hin zu Zeichnungen und Aquarellen.

Wer sind wir und was machen wir hier? Seit Sigmund Freud (1856–1939) die Psychoanalyse begründet hat, suchen wir die Antworten auf die großen Fragen des Lebens auch in der eigenen Seele. Psychonaut leitet sich von Astronaut ab und meint wörtlich Seelen-Schiffer. Seine Reisen führen nicht ins All, sondern in die unendlichen Weiten in uns selbst. In diesem Sinne erkunden die Künstler John Bock (*1965) und Heiner Franzen (*1960) in ihren rätselhaften Videos die menschliche Psyche und ihre Abgründe. Inspirieren lassen sie sich dabei von den Bilderströmen des Kinos, das als Traum- und Mythenmaschine oft mit der menschlichen Psyche verglichen wurde. 

Der Spielfilm „COWWIDINOK“, 2015, von Bock und die 
Installation „Twin“, 2009, von Franzen stammen aus der Sammlung der Berlinischen Galerie und werden erstmals in den Räumen des Museums gezeigt.

Nach mehr als fünf Jahren Zwangsarbeit in den Kohlengruben des sowjetischen Arbeitslagers Workuta kehrte Lothar Wolleh (1930–1979) im Januar 1956 als freier Mann nach Berlin zurück. Unter seinen wenigen Habseligkeiten befanden sich einige Bilder, die er heimlich während seiner Gefangenschaft im Gulag geschaffen hatte.

Gerade an diesem unwirtlichen Ort nördlich des Polarkreises, nur wenige Kilometer vom Lager Polarwolf entfernt, in dem Alexei Nawalny starb, erlebte Wolleh das Licht als „Lebenselixier“ und als Medium von Präsenz und Absenz. Die Kamera als „Lichtfänger“ wurde für ihn zu einem Instrument, mit dem er das Unsichtbare sichtbar machen konnte.

Während des Kalten Krieges reiste Wolleh erneut in die Sowjetunion. Die Ausstellung zeigt die Fotografien aus seiner Gefangenschaft und stellt ihnen Porträts von Menschen aus der gesamten Sowjetunion gegenüber. Sie erinnern uns daran, dass die individuelle Menschlichkeit selbst in Zeiten größter Feindseligkeit lebendig bleibt und sichtbar gemacht werden muss, um das Trennende zu überwinden.

In der Ausstellung Fokus und Fatigue hinterfragen die Künstlerinnen Silja Yvette und Marie Rief kritisch die Rolle von Technologie und Innovation in Bezug auf den Menschen und die Umwelt. Ihre Werke eröffnen einen Dialog über die Grenzen der Effizienz und die Folgen intensiver Nutzung. Rief übersetzt in exhausting 9J24B2Q das Thema Ermüdung auf ein technisches Medium, während Yvette in Metaphysics of Core Matter den Einfluss von Massenproduktion und Materialkultur beleuchtet.

Vor dem Hintergrund der vielschichtigen Geschichte des PalaisPopulaire untersucht die Ausstellung It's Just a Matter of Time das Zusammenfließen von Zeitlichkeiten. Einst der Palast der preußischen Prinzessinnen, hat das Gebäude viele Wandlungen durchlebt: von einem Museum zu einer Kriegsruine und später zu einem Operncafé in der DDR, das auch der queeren Community eine Zuflucht bot, bis es 2018 – nach längerem Leerstand – zu einem Ausstellungsraum für zeitgenössische Kunst wurde.

„Stimmen, die sich suchen“ wurde in einer ersten Version 2019 vom Goethe-Institut Rom in Zusammenarbeit mit der Casa Onna kuratiert und finanziert. 2021 wurde eine zweite Version auf der Architekturbiennale Venedig im italienischen Pavillon gezeigt.

Das Haus am Lützowplatz zeigt nun die dritte erweiterte und finale Version der Ausstellung. Zum Abschuss des Projektes erscheint das vom büro uebele gestaltete Buch „Stimmen, die sich suchen“ im Verlag Edition Fotohof Salzburg.

Die Ausstellung vereint drei fotografische Positionen und Lebenswege im Berlin der 1990er Jahre, dem ersten Jahrzehnt nach dem Fall der Mauer. Gemeinsam ist den drei Fotografierenden der Blick von außen auf die fremde Großstadt, die sich eben erst anschickte, wieder eins zu werden aus den Verwüstungen, die ihr Bombenkrieg und Abriss, Autobahn- und Mauerbau geschlagen hatten. 1990/91 kreuzten sich erstmals die Wege der Ausstellenden im gemeinsamen Engagement für die Stadtfotografie. In den klassischen Fotografien im Spektrum zwischen dokumentarischem Blick und Poesie ist das Lebensgefühl im Berlin jener Jahre zu entdecken.

Die Künstlerin Andrea Geyer stellt die Stimmen der Besucher*innen in der Installation Manifest (Banners / Gropius Bau / Berlin) in den Mittelpunkt. Sie wird ab Juli 2024 im Lichthof und am Eingang des Gropius Bau zu sehen sein und geht der Frage nach, was Museen und Ausstellungshäuser in der aktuellen sozialen und politischen Landschaft Berlins als öffentliche Orte bieten können.

Mit einer umfangreichen Retrospektive stellt das ZAK Zentrum für Aktuelle Kunst das malerische Werk der afro-amerikanischen Künstlerin Ellen Banks (1938-2017) vor. Unter dem Titel „mood indigo“ versammelt die Ausstellung neben Dokumenten und Fotos aus dem persönlichen Nachlass rund 100 Arbeiten aus nahezu allen Schaffensphasen der Künstlerin.

Ausgangspunkt für die Ausstellung von Anna Werkmeister (* 1949) bilden der „Regen“ und seine in der gleichnamigen Erzählung des Autors Ferdinand von Schirach als „White Noise“ farblich definierte und schriftlich fixierte klangliche Qualität. Das Erleben und Wissen von Natur wird von Anna Werkmeister zunächst filmisch dokumentiert, daraus ein Video geschnitten, aus dem wiederum Stills entnommen werden, die dann als Prints auf Papier in eine Rauminstallation überführt werden. 

Erstmals stellt das franko-kanadische Künstlerpaar Michelle Héon (*1948) und Gilles Morissette (*1955) installative Arbeiten aus handgeschöpften Papieren gemeinsam in Berlin aus. Für ihre Ausstellung, die das ZAK als zweite Station nach dem Kunstverein Leverkusen im Schloss Morsbroich zeigt, haben sie sich mit den Themen Natur und Landschaft, genauer gesagt mit der Inselsituation sowohl des Wasserschlosses Morsbroich als auch der Zitadelle Spandau auseinandergesetzt.

Im 1. OG des ZAK Zentrum für Aktuelle Kunst zeigen wir ausgewählte Objekte aus der Spandauer Kunstsammlung mit Arbeiten u.a. von Barbara Hindahl, Alf Löhr, Daniel Sambo-Richter. Man könnte vielleicht meinen, die Besinnung auf die eigene Sammlung sei ein Phänomen der Museen alter Kunst. Mitnichten, denn auch der Bezirk Spandau verfügt unter anderem über eine Sammlung von Werken aus der Bildenden Kunst – vom frühen 20. Jahrhundert bis in die Gegenwart.

Die Ausstellung beleuchtet die Unterdrückung von Frauen durch patriarchale Strukturen und zeigt Werke zweier Künstlerinnen, die sich kritisch mit gesellschaftlichen Erwartungen auseinandersetzen. Ihre Kunst thematisiert Berührung als Akt der Selbstbestimmung und Rebellion. Zwischen intersektionalem Feminismus und queeren Perspektiven hinterfragen sie soziale Normen und geben marginalisierten Gruppen eine Stimme. Kuratiert von Marta Smolińska.

Ab Frühjahr 2025 würdigt die umfassende Einzelausstellung YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND das wegweisende Schaffen der Künstlerin und Aktivistin Yoko Ono. Die Ausstellung präsentiert Arbeiten aus sieben Jahrzehnten und zeichnet die Entwicklung von Onos innovativem, multidisziplinärem Werk und dessen bis heute anhaltenden Einfluss nach. Die Ausstellung zeigt mehr als 200 Werke, darunter Instruktionen und Partituren, Installationen, Filme, Musik und Fotografien, und beleuchtet Onos radikalen Ansatz in Bezug auf Sprache, Kunst und Partizipation, der bis in die Gegenwart hineinwirkt.

Organisiert von Tate Modern, London, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Kuratiert von Patrizia Dander, stellvertretende kuratorische Direktorin, Gropius Bau, und Juliet Bingham, Kuratorin, International Art, Tate Modern

Unsere Welt verändert sich. Menschen, Tiere, Pflanzen und damit unsere Stadt Berlin passt sich bereits an und wird sich noch weiter anpassen müssen. Neben den lokalen Veränderungen und Herausforderungen betrifft uns dieser Wandel aber zweifellos auch global. 

Die Kommunale Galerie Berlin zeigt die Ergebisse eines Fotoprojekts der Kunstleistungskurse des Heinz-Berggruen Gymnasium in Zusammenarbeit mit der Ostkreuzschule für Fotografie.

In der Ausstellung präsentiert die renommierte australische Künstlerin Janet Laurence (*1947) eine eigens für die Alfred Ehrhardt Stiftung entwickelte Installation. Unter Verwendung von Ehrhardts ikonischen Korallenaufnahmen aus den 1930er und 1940er Jahren schafft Laurence einen Erfahrungsraum, der die Fragilität und den Verlust der Meereswelten poetisch erfahrbar macht. Gedruckt auf nahezu schwerelosen Seidenvoile-Stoffen, wirken die Korallenbilder transformiert, fragmentiert und zerbrechlich.

Die Ausstellung thematisiert den existenziellen Zustand des Exils als radikale Zäsur und erzwungenen Neubeginn. Gezeigt werden Werke, die den physischen Akt der Flucht, innere Fragmentierung, Identitätsverlust und künstlerisches Arbeiten in der Fremde erfassen. Ein vielschichtiges Motiv der Kunstgeschichte, das heute aktueller denn je ist. Es werden Werke von Sergey Bratkov, Atalia Laufer und weiteren künstlerischen sowie historischen Positionen präsentiert. Kuratiert von Eleonora Frolov.

FRAGMENTS OF REALITY
Silja Korn, Sven Kocar und Ono Ludwig
Die Ausstellung vereint drei künstlerische Positionen der Outsider-Art-Szene Berlins. Mit Lightpainting, Urban Photography, Tuschezeichnungen und Malerei bewegen sich die Künstler*innen an den Grenzen alltäglicher Sehgewohnheiten und eröffnen neue Perspektiven auf gelebte Realitäten von Menschen mit Behinderung. Silja Korn setzt sich als erblindete Künstlerin mit Fotografie auseinander und denkt die Beziehung zwischen Licht, Sehen und Erinnerung jenseits visueller Normen. In seinen Tuschearbeiten und großformatigen Tafelbildern stehen bei Ono Ludwig die formale Auflösung des Gesehenen und die Übersetzung in persönliche Bedeutungsebenen im Fokus. Sven Kocar fotografiert mit den Füßen und erschließt den Betrachtenden dadurch ungewohnte Blickwinkel auf den öffentlichen sowie privaten Lebensraum.

20 Jahre nachdem die Künstlerin, Autorin und Performerin Vaginal Davis von Los Angeles nach Berlin zog, zeigt der Gropius Bau die erste umfassende Einzelausstellung ihres Werks in Deutschland. In ihrem wegweisenden Schaffen verbinden sich Punk und Glamour, queerer Aktivismus und Schwarze Gegenkultur sowie Widerstand und Begehren. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt vereint großformatige Installationen, Malereien, Video- und Filmarbeiten, Zines, Texte, Musik sowie Performance und bietet einen umfassenden Überblick über Davis’ vielschichtige Praxis und ihre künstlerischen Zusammenarbeiten.

Die Ausstellung versammelt Werke aus allen Phasen von Onos bahnbrechender künstlerischer Laufbahn. Die Schau wird anlässlich der Überblicksausstellung „YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND“ gezeigt, die vom 11. April bis 31. August 2025 im Gropius Bau zu sehen ist. Zeitgleich präsentiert der Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.) vom 2. März bis 31. August 2025 im Rahmen der n.b.k. Billboard-Reihe das Werk „TOUCH“ von Yoko Ono.

In ihrer Ausstellung im Haus am Waldsee zeigt Nina Könnemann neue Videos, für die sie eine kollaborative, dezentrale Arbeitsweise entwickelt hat, bei der die Entstehung eines künstlerischen Films in Echtzeit nachvollzogen werden kann. Zudem wird eine neue skulpturale Installation zu sehen sein, in der die Künstlerin ihr fortlaufendes Projekt Lithic Reductions weiterführt.

Im Mai 2025 präsentiert das Haus am Waldsee eine umfassende Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin Nina Könnemann. In ihrer Arbeit interessiert sich Nina Könnemann für die Art und Weise, wie Menschen im öffentlichen Raum agieren und richtet den Fokus auf marginale Räume, alltägliche Verhaltensweisen und subkulturelle Dynamiken. Präzise und scharfsinnig dokumentiert sie Bewegungen, die durch unterschwellige gesellschaftliche Konventionen geprägt sind. 

Die Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst findet alle zwei Jahre an wechselnden Orten in Berlin statt. Seit ihrer ersten Ausgabe im Jahr 1998 hat die Berlin Biennale es sich zur Aufgabe gemacht, mit experimentellen Ausstellungs- und Veranstaltungsprogrammen namhaften Kurator*innen einen Freiraum zu schaffen und mutige künstlerische wie politische Positionen unabhängig von den Interessen des Kunstmarktes vorzustellen. Die Berlin Biennale erkundet internationale künstlerische Entwicklungen der Gegenwart, die Verborgenes und Unbekanntes greifbar machen. Jede Ausgabe bringt Künstler*innen, Theoretiker*innen und Interessierte aus verschiedenen Bereichen der Gesellschaft zusammen und eröffnet so einen Dialog mit den Bewohner*innen der Stadt.

Vom 14. Juni bis 14. September 2025 präsentiert die 13. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst ihr Programm an vier Ausstellungsorten: dem Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, den KW Institute for Contemporary Art, den Sophiensælen und in einem ehemaligen Gerichtsgebäude in der Lehrter Straße in Berlin-Moabit.

Die Themen der 13. Berlin Biennale bilden eine spezifische Linie zeitgenössischer künstlerischer Ausdrucksformen, die sich aus unterschiedlichen Praktiken und Kunstgeschichten nicht benachbarter Regionen zusammensetzt. Der Fokus liegt auf dem Potenzial der Kunst in politisch herausfordernden Zeiten.

Die Ausstellung präsentiert Fotografien von Anno Wilms aus den 70er Jahren.
Ihre Bilder zeigen die legendären Treffpunkte der queeren Szene wie die bereits zu Kultstatus gekommene Travestie- und Drag-Bar Lützower Lampe oder das Chez Romy Haag, das irgendwo zwischen Nachtclub und Revuetheater ein ganz eigenes künstlerisches Programm aufstellte. Zwei Schmelztiegel mit internationaler Strahlkraft für Prominente wie David Bowie, Iggy Pop, Grace Jones, Freddie Mercury, Helmut Newton und Mick Jagger.

Die Fotojournalistin Angelika Kohlmeier zeigt großformatige Abbildungen politischer Prozesse, aufgenommen mit einer analogen Lochkamera im Deutschen Bundestag. Zeitgleich dazu entstandene Zeitrafferaufnahmen werden beim näheren Herantreten auf dem eigenen Smartphone sichtbar. Ein Versuch, die Veränderung politischer Bilder und Debatten angesichts von Digitalisierung und Zeitdruck zu betrachten. Was darf parlamentarische Berichterstattung? Und was macht diese mit uns?

Vom 4. Juli – bis 21. September 2025 zeigt der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus unterschiedliche fotografische Positionen mit Stadt- und Menschenbildern aus Myanmar. Die Ausstellung im Willy-Brandt-Haus gibt Einblicke in die komplexe Lebenssituation vor Ort, die durch die Herrschaft des Militärs und einen jahrzehntelangen Freiheitskampf geprägt ist.

Wolfgang Bellwinkel hat für seine Serie Vast Land über mehrere Jahre die drei größten Städte Myanmars fotografiert. Jede einzelne Stadt steht für einen historischen Abschnitt und die geistige Strömung einer bestimmten Zeit. Die Serie Myanmar´s Driving Force von Nora Bibel zeigt das gesellschaftspolitische Potential der Aktivist:innen als treibende Kraft für den Transformationsprozess. Für seine Arbeit The revolution takes a little longer begleitete Vincent Haiges im Mai 2025 Rebellen- und Widerstandsgruppen in Myanmar.

Vom 10. Juli bis 21. September 2025 zeigt der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus die Fotografien von Mahmoud Dabdoub. Er ist in einem palästinensischen Flüchtlingslager in Baalbek im Libanon aufgewachsen und kam 1981 mit einem Stipendium in die DDR. In Leipzig studierte er Fotografie und wurde zum teilnehmenden Beobachter des Alltags und der sozialen Realität. Er war neugierig auf das Unbekannte und wollte zugleich ein Bild vom Leben um ihn herum vermitteln. Mahmoud Dabdoub erzählt in seinen Fotografien vom Alltag der Menschen im Nahen Osten, der DDR und dem wiedervereinigten Deutschland.

Ab dem 20. Mai 2025 ist die zweite Ausstellung der Reihe zu sehen: Das JMB lädt den US-amerikanischen Autor Joshua Cohen ein, das kulturelle Erbe des Verlegers und Warenhaus-Unternehmers Salman Schocken zu erkunden. Anhand ausgewählter Exponate aus den Sammlungen des Museums kommentiert Cohen in der Ausstellung die Geschichte des Schocken-Verlags und nimmt sie zum Ausgangspunkt für eine zeitgenössische Perspektive auf Kultur und Kapital, auf Warenhäuser und Museen und nicht zuletzt auf Fragen der (Wieder-)Aneignung und der Zugehörigkeit. Martina Lüdicke und Monika Sommerer kuratieren die Ausstellung und das Begleitprogramm.

Die Neue Nationalgalerie zeigt die erste Retrospektive der brasilianischen Künstlerin Lygia Clark (1920-1988) in Deutschland. Die umfassende Schau in der oberen Ausstellungshalle präsentiert mit rund 150 Kunstwerken ihr gesamtes künstlerisches Schaffen von den 1950er- bis 1980er-Jahren, von geometrisch-abstrakten Gemälden über partizipativ angelegte Skulpturen bis hin zu performativen Werken. Ein zentraler Aspekt der Ausstellung liegt auf dem interaktiven Ansatz in Clarks Werk. So können die Besuchenden mit einer Vielzahl von eigens für die Schau angefertigten Repliken interagieren.

Provenienzforschung ist mittlerweile fester Bestandteil der Museumsarbeit. In Sammlungen der Klassischen Moderne ermittelt sie Kulturgüter, die jüdischen Verfolgten des Nationalsozialismus geraubt oder abgepresst wurden. Die Ausstellung dokumentiert exemplarisch den aktuellen Stand einer fortlaufenden Untersuchung der Sammlung der Berlinischen Galerie. Sie erzählt anhand rund 40 selten gezeigter Gemälde und digitaler Medien, wie facettenreich Provenienzen sein können.

In nur einem Jahrzehnt – den sogenannten „Goldenen Zwanzigern“ – erschafft die Fotografin Marta Astfalck-Vietz (1901–1994) ein schillerndes Werk von Porträt-, Akt- und Tanzfotografien sowie konzipierte Serien. Vor allem die eigenwilligen Inszenierungen, bei denen sie die Rolle der Fotografin, der Arrangeurin und Regisseurin wie auch die des Models einnimmt, zeigen ihr Interesse an der Selbsterfindung. Hierfür schlüpft Astfalck-Vietz in verschiedene Figuren, hinterfragt weibliche Rollenbilder, stellt kritische Bezüge zu den gesellschaftspolitischen Umbrüchen der Zeit her und nimmt somit die bildnerischen Strategien der 1970er Jahre vorweg. 

In einem spielerischen Umgang mit Stoffen und deren Texturen erzeugt Marta Astfalck-Vietz in ihren Werken fast haptische Qualitäten. Zusammen mit dem Fotografen Heinz Hajek-Halke (1898-1983) entstehen innovative Bilder in kombinierter Urheber*innenschaft, die durch fotografische Experimente, wie Verzerrung, Doppelbelichtung und Schattenspiel, träumerische, gar surreale Wirkungen erzielen.

Die umfangreiche Einzelausstellung mit begleitendem Katalog (dt./engl.) würdigt mit ca. 130 Werken das vielfältige und selbstbewusste Schaffen von Marta Astfalck-Vietz. Der Nachlass, der seit 1991 im Besitz der Berlinischen Galerie ist, wurde 2022/2023 im Rahmen des „Förderprogramms zur Digitalisierung von Kulturgut des Landes Berlin“ digitalisiert und in Teilen restauriert. 
 

„embrace“ im Hamburger Bahnhof ist die bislang größte institutionelle Einzelausstellung von Klara Hosnedlová. Die Künstlerin schafft in der Industriearchitektur der historischen Halle des Museums eine utopische Landschaft aus Flachsfasern, Stickereien, gegossenem Glas, Sandstein, Ton, Eisen- und Betonplatten. Im Zentrum stehen von handwerklichen und industriellen Fertigungsprozessen sowie nationalen Grenzverschiebungen geprägte ländliche Gegenden der heutigen Tschechischen Republik. Betonplatten und Eisenwände zitieren etwa die Architekturen der kommunistischen Ära. Mit Hosnedlová (geboren 1990) präsentiert der Hamburger Bahnhof erneut in der Haupthalle eine junge Künstlerin, die mit einer ortspezifischen Installation die Grenzen von Skulptur erweitert.

Die Ausstellung wird ermöglicht durch CHANEL Culture Fund und Burger Collection, Hong Kong und TOY Freunde. 

Die Aus­stellung zeigt die Bedeutung jüdischer Designer­innen für den Eman­zipations- und Modernisierungs­prozess der deutschen Gesellschaft im frühen 20. Jahrhundert. Mit rund 300 Exponaten von mehr als 50 Gestalter­innen bringt die weltweit erste Gruppen­ausstellung zu diesem Thema Pionierinnen zusammen, die sich trotz gesellschaft­licher Margi­nalisierung herausragende Positionen in ihren jeweiligen Bereichen erkämpften.

Ojih Odutola verwandelt das Ostkabinett des Museums in die „Adijatu Straße“, eine Station der fiktiven U-Bahnlinie U22, um das Zusammenspiel von Bewegung und Geschichte zu thematisieren. Beeinflusst von ihrer Erziehung als westafrikanische Frau im US-amerikanischen Süden untersucht Ojih Odutola in ihrem Werk soziale und politische Dynamiken durch das Mittel der Haut, die Fluidität des Ausdrucks und die Bedeutung von Dunkelheit und Licht. Die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland zeigt ca. 25 Werke auf Papier und Leinwand.

Toyin Ojih Odutola (geboren 1985 in Ile-Ife, Nigeria, lebt und arbeitet in New York, USA) stellt die menschliche Figur in den Mittelpunkt ihrer Arbeit und verwendet für ihre großformatigen, komplexen Porträts traditionelle Materialien, wie Tinte, Zeichenkohle und Pastellkreide. Ojih Odutola konstruiert in ihren erzählerischen Werken komplexe fiktionale Mythologien und fordert die Betrachter*innen auf, Machtdynamiken, Kolonialgeschichte und die Wahrnehmung afrikanischer Ausdrucksformen und sexueller Orientierung zu hinterfragen. Sie hatte in letzter Zeit Ausstellungen in der Kunsthalle Basel (Schweiz), im SFMOMA (Kalifornien, USA), im Barbican Centre (Großbritannien), im Whitney Museum (New York, USA) und ihre Arbeiten wurden auf der 60. Venedig-Biennale 2024 im nigerianischen Pavillon gezeigt.

Die Ausstellung wird kuratiert von Sam Bardaouil und Till Fellrath, Direktoren Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart. Assistenzkuratorin Emily Finkelstein, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie Gegenwart.

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Mit BAUBAU hat die Künstlerin Kerstin Brätsch einen kostenlosen Spielort für Kinder gestaltet, in dem mehr erlaubt ist als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. BAUBAU hat Anfang September 2024 als Pilotprojekt gestartet und entwickelt sich kontinuierlich weiter.
 

Delcy Morelos ist für ihre sinnlich erfahrbaren, immersiven Skulpturen und Installationen aus Materialien wie Erde, Lehm, Gras, Zimt und Nelken bekannt. Morelos (geboren 1967 in Tierralta, Kolumbien) arbeitet seit drei Jahrzehnten mit Zeichnung, Malerei, Skulptur und Installation. Die in Bogotá lebende Künstlerin entwickelt ihren künstlerischen Prozess in der Auseinandersetzung mit dem kolonialen Erbe und den Kosmologien der Amerikas. Sie beschreibt ihre Kunst als ein Verweben von Materialien, Elementen und Wissen. Seit ihrer ersten Erdarbeit „Eva“ aus dem Jahr 2012 befindet sie sich in einem fortwährenden Dialog mit der Erde, zu dem sie die Öffentlichkeit einlädt. 2022 wurde ihre Skulptur „Earthly Paradise“ auf der Biennale in Venedig präsentiert. Im Jahr 2024 waren ihre Werke unter anderem im Dia Chelsea in New York, im Museo Moderno in Buenos Aires, in der Pulitzer Arts Foundation in St. Louis, im Astrup Fearnley Museet in Oslo sowie im CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo in Sevilla zu sehen.

Nach Naama Tsabar und Andrea Pichl ist dies die dritte zeitgenössische Kunstinstallation einer Künstlerin, die parallel zur Sammlungspräsentation von Joseph Beuys in der Kleihueshalle des Hamburger Bahnhofs gezeigt wird.

Morelos' Installation bildet eine Gegenposition zu den Aktionen, Skulpturen und Environments der Joseph Beuys-Werke, die eine der vier ständigen Sammlungspräsentationen im Hamburger Bahnhof bilden.

Ein Fokus der Arbeit von Monira Al Qadiri liegt auf den sozio-kulturellen Auswirkungen der Ölindustrie sowie deren Geschichte und Zukunft. Zu diesem
Thema forscht und arbeitet sie bereits seit über 10 Jahren; sie hat den Diskurs um Öl, Patriarchat und Globalisierung mitgeprägt. In ihren Werken werden
die Verbindungen zwischen der Etablierung von Erdöl als wichtigstem fossilen Brennstoff in der Mitte des 20. Jahrhunderts und der Expansion des Konsumkapitalismus in der Nachkriegszeit reflektiert. Oftmals entwickelt sie ihre Arbeiten aus autobiografischen Erfahrungen, die sie u.a. im Kuwait der 1980er und 1990er Jahre gemacht hat, und richtet einen kritischen Blick auf bestehende historische und politische Narrative. 
 

Die Auseinandersetzung mit Öl bedeutet immer auch eine Auseinandersetzung mit der Geschichte der menschlichen Interaktion mit der Erde, deren Ausbeutung sowie deren Widerstandsfähigkeit. Für die Berlinische Galerie entwickelt Al Qadiri eine ortsspezifische Installation, bestehend aus einem großformativen Wandgemälde, Objekten und Sound, in der Öl weit mehr als eine „Ressource“ ist. Es steht auch symbolisch für die Gewalt, die Erinnerungen und die persönlichen Geschichten, die mit seiner Gewinnung verbunden sind. 
Monira Al Qadiri (*1983) ist eine kuwaitische Künstlerin, die in Senegal geboren und in Japan ausgebildet wurde. Einzelausstellungen ihrer Arbeiten wurden u.a. gezeigt im Kunsthaus Bregenz, Österreich (2023); UCCA Dune, China (2023); Guggenheim Museum Bilbao, Spanien (2022); Blaffer Art Museum, Texas, USA (2022); Haus der Kunst, München (2020); Kunstverein Göttingen (2019);  The CIRCL Pavilion, Amsterdam, Niederlande (2018); Sursock Museum, Beirut, Libanon (2017) und Gasworks, London, UK (2017). 2022 war Al Qadiri in der zentralen Ausstellung „The Milk of Dreams“ der Biennale von Venedig vertreten. Sie lebt in Berlin.